Si, cuando lean esto ya estaré lejos de computadoras y teléfonos, pero les dejé algunas sorpresas preparadas y además, dejé arreglados todos estos post:
- Larry Coryel - Monk, 'Trane, Miles & Me
- Marisa Monte - Infinito ao meu redor (Audo DVD)
- Trio da Paz - Partido out
- Miles Davis - Salle Playel
- Varios - The Soul of black Perú
- Ellington, Mingus, Roach - Money Jungle
- Tommy Flanagan, Ron Carter, Williams - The Trio
- Max Roach - Drums unlimited
- Brown Roach - Study in Brown
- Wes Montgomery - Beginnings
- James Carter - The Real Quietstorm
- Medeski, Martin & Wood - Note Bleu
- Moreno Veloso + 2 - Maquina de Escrever Musica Ao Vivo
- Miles Davis - Doo Bop
- Miles Davis - You're Under Arrest
- Caetano Veloso - Totalmente demais
- Negresese Vertes - Mlah
- Paulinho da Viola - Meu tempo é hoje
- Paulinho da Viola - Noites cariocas
- Jorge Schusscheim - No todo va mejor
- Enrique Symns - Soy un virus
- Los Toreros Muertos - Cantan en español
- Eumir Deodato - Prelude
- Varios - Samba Soul 70
- Andy Summers & Victor Biglione - Splendid Brazil
- Jorge Ben - Samba Esquema Novo
- Sublime - The Best Of Sublime
- Rubén Rada - Lo mejor de Rubén Rada
- Tal Farlow - Verve Jazz Masters
Que lo disfruten!
lunes 8 de febrero de 2010
Me fui de vacaciones...
domingo 7 de febrero de 2010
Paulinho García & Grazyna Auguscick, "Fragile" (2002).
"Greg (Fishman) y Paulinho tocan hermosamente juntos. Son músicos magnificentes que proyectan inteligencia, calidez y virtuosidad. Suenan como toda una banda... es casi inconcebible que sean sólo dos". Michael Brecker.
The Chicago Tribune: "La voz de García es nada menos que seductora, su guitarra suena siempre atmosférica y evocadora... García debiera ser considerado un tesoro local". Howard Reich, crítico de jazz.
"Mientras algunos grupos imitan los localismos brasileños, el grupo de García en cambio los define. Los intrincados ritmos entrecruzados que tocan, las frases de delicada insinuacion que producen y la textura suavemente ondulante que crean representan a la música brasileña en su forma más pura". Howard Reich, crítico de jazz.
The Chicago Sun-Times: "Este García entre tantos Garcías es un hombre de palabras, y de mundos, y no importa adónde te lleva, y no importa adonde le pidas que te lleve, tú viajas los caminos del alma y el corazón. Brasil, allí donde nunca has estado, se regocija. Chicago, donde él desde ahora ha estado siempre, también. Escucha, escuchador, y escucha la libertad de los horizontes estrechándose." Lloyd Sachs, crítico de jazz.
Jazziz Magazine: "Garcia no es un clon de nadie. Sin esfuerzo, se mueve desde una perspectiva de liso pop brasileño hasta llegar a una adorable, seductora bossa nova del mejor pop-jazz." Alex Anderson, crítico.
The Brazilians: "Jazzmineiro presenta hermosas canciones nuevas, originales, junto a composiciones clásicas, entremezclando la música del Brasil con la esencia urbana del jazz y la música popular americana. La ejecución guitarrística de Paulinho es perfecta."
DATOS TOMADOS DE Amazon y de
http://www.jazzreview.com/articledetails.cfm?ID=2119
1. Noite Dos Mascarados
2. Voce
3. Fragile
4. A Ra
5. Bridges
6. Cancao da estrada fim
7. Batida Diferente
8. Ponta de Areia
9. Ponteio
10. Samba em Preludio
11. Agua de Beber
12. Esse seu Olhar/So em teus bracos
13. The Girl from Ipanema
14. So danco o Samba
sábado 6 de febrero de 2010
La Joncaille - Brille dans le noir
Cuando en 2007 creamos Bienvenidos a la Monga, decidimos que queríamos un blog que estuviera a la vanguardia. Por ese motivo, juntamos entre todos un dinero y mandamos a Néstor a vivir a Europa, para que nos tenga al tanto de las últimas novedades de la industria.
Como muchos de ustedes saben Néstor ha cumplido su rol con altibajos, enviandonos siempre buenos, pero casi nunca nuevos discos. Ahora, tenemos por fin, la explicación de su falta de dedicación al trabajo!
Con el seudónimo de Ernesto Galacho, nuestro hombre en Europa formó un conjunto llamado La Joncaille en la muy francesa ciudad de Touluse. En este grupo toca la guitarra, y junto a Hélène Muffarotto Y Julie Taillefer, que cantan y tocan guitarra y bajo respectivamente, han grabado el disco que nos ocupa hoy, titulado Brille dans le noir (Brilla en lo negro).
Si andan por Toulouse se pueden comprar el disco, pero a aquellos que no les alcance el dinero para el pasaje, se los vamos a ofrecer hoy aquí.
Las composiciones perteneces todas a La Joncaille, y además de los tres integrantes de la banda tocan un montón de invitados. La imágen que ilustra este post es la de la portada del booklet, ya que la presentación del disco es lindísima, pero irreproducible aquí. En la portada del CD, de color negro, se lee el nombre de la banda y el del disco impreso en letras negras de un tono más brillante. También, pero en colores, se puede ver un dibujo donde se ve a las dos integrantes femeninas de la banda y a Néstor personificado como un instrumento ejecutado por una de ellas. Las consideraciones psicológicas las vamos a dejar para otro momento.
El nombre de la banda esconde un homenaje a al Velvet Underground John Cale, aunque no es esta la referencia musical más cercana a la banda. La música de La Joncaille se enmarca dentro de la muy amplia categoría de la Chanson francaise, relacionandose por los arreglos y la temática de las letras con artistas como Sanseverino.
Entre las canciones destacan C'pas que çam'dérange; Les tapis de Pépé; Le p'tit vélo y Salutations distiguées; la muy divertida Objetif: taille 36 y la lindísima Cinq minutes.
Recomendado por Bienvenidos a la Monga, les presentamos aquí el debut discográfico de nuestro amigo Néstor. Y en francés!
Descargalo haciendo clic aquí.
jueves 4 de febrero de 2010
Serge Gainsbourg - L'entonnat Serge Gainsbourg
«Mi vida es un triángulo de alcohol, gitanes y mujeres», dijo un día. Serge Gainsbourg, músico, compositor, cantante de cavernosa voz, poeta, escritor, cineasta, actor, pintor, fotógrafo, intelectual ganador de un festival de Eurovisión, provocador público, pionero de la liberación sexual, renovador de la canción francesa, payaso, amante, referencia estética de toda una generación. Un personaje tímido refugiado en una careta de cinismo malévolo, que gustaba definirse como L’Homme à la Tete de Chou (chou: col, en argot galo, pene).
Tuvo a las mujeres más bellas de su época, les escribió canciones tórridas, las fotografió sin ropa para la posteridad y las rodó en filmes de bajo presupuesto y mucha cama. La opinión pública le censuró duramente, la prensa rosa le persiguió, las radios prohibían sus discos y sus intervenciones televisivas («Quiero follar contigo», le espetó en directo a la remilgada Whitney Houston) siempre se saldaban con un pataleo generalizado. A él, sin duda, le hubiera gustado ser recordado por su enorme talento para la melodía, desde el yeyé hasta la música clásica, pasando por la chanson, el pop, el reggae y la experimentación. O por sus letras, increíbles ejercicios de lenguaje, que jugaban con la sonoridad de las palabras, el doble y el triple sentido de las frases, las onomatopeyas, la filosofía, la obsesión sexual, el amor y la muerte.
Pero no, todo el mundo le conoce y le admira por haber creado y cantado a dúo con Jane Birkin el himno erótico por excelencia de los 70, esa cadencia lenta apoyada en un órgano agónico, llena de susurros, gemidos y voces entrecortadas, que fue censurada en nuestro país y se titula Je t’aime moi non plus. «La gente se escandalizó porque decían que habíamos hecho el amor en directo en el estudio —comentó Gainsbourg—. Pero es mentira. Si lo hubiéramos hecho, no habría salido un single de cuatro minutos, sino todo un elepé».
Pero el hijo de emigrantes rusos que estudió Bellas Artes por amor a Picasso, devoto de Boris Vian y disidente del mayo 68, amante de la buena vida y de las mujeres, nunca buscó la gloria sino divertirse creando en todas las disciplinas (llegó a rodar clips para Marianne Faithfull y spots para Woolite) y sorprender a su público con un hedonismo provocativo de trasfondo existencialista.
La actriz y cantante inglesa Jane Birkin fue su musa, compañera e intérprete favorita en diversos estribillos lujuriosos como La décadanse o 69 Année érotique. Pero también hizo de pigmalión para Brigitte Bardot, France Gall, Catherine Deneuve, Isabelle Adjani, Francoise Hardy, su propia hija Charlotte (¡con un tema dedicado al incesto!) o Vanessa Paradis. En sus propios discos, reclutó a músicos de Miles Davis y a bandas de punk, y logró que el diario Le Figaro solicitara su expatriación en un editorial por culpa de su versión reggae de La Marsellesa.
«Todo el mundo en París recuerda el día en que murió», comenta un integrante del dúo Air, abanderado del nuevo pop electrónico francés. «Fue como un shock, porque él estaba siempre allí, haciendo alguna locura. Era un punk, un poeta, era parte de nuestras vidas».
L'etonnant es su tercer disco y fue editado en 1961. La primer canción es uno de los grandes clásicos de Gainsbourg, la bellísima La chanson de Prevert. El tema es un homenaje a Les Feuilles Mortes (Autumn Leaves), la inolvidable canción a la que el poeta Jaques Prevert le puso letra y que se ha convertido en un standard con innumerables versiones.
Fuente para la reseña: diario El Mundo.
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martes 2 de febrero de 2010
Romane - Ombre
Nuestro amigo Braulio está empeñado en hacernos escuchar excelentes guitarristas. En esta ocasión nos ha enviado este disco de Romane, un gran guitarrista de jazz manouche al que no conocíamos.
Buscando información para la reseña fuimos a dar con este artículo de Wikipedia y con la breve reseña que un usuario escribió para Amazon. Lo que van a leer a continuación está extraído de ambas fuentes.
Romane, cuyo verdadero nombre es Patrick Leguidecoq, es un guitarrista de jazz nacido en Paris en 1959. Aunque no es de origen gitano, la gran influencia del estilo manouche y en particular de Django Reinhardt lo convirtieron el un fiel custodio de la herencia del guitarrista gitano. Esta influencia no resulta un impedimento para realizar sus propias composiciones.
Su discografia muestra la voluntad de no quedarse quieto en un lugar. Esta voluntad se refleja en los cambios, tanto de la elección de los músicos, como de los instrumentos de acompañamiento o del uso o no de la guitarra eléctrica. Romane varía las formaciones que lo acompañan, y puede pasar de un dúo a un sexteto: por ejemplo el grupo Django Vision o el Romane Acoustic Quartet.
Roman también es autor de diversos metodos de guitarra, y fue el primer director pédagogico de Village Musiques Actuelles ATLA fundada por Noëlle Tatich en 1994.
En Ombre, Romane recrea unas pocas canciones de Django Reinhardt, dandose espacio para interpretar sus propias composiciones. El estilo de Romane está influido por el de Reinhardt, si, pero tiene una impronta personal que lo ha convertido en uno de los pocos innovadores dentro del renacimiento que tuvo el jazz gitano hace unos años.
En Ombre, Romane está acompañado por el acordeonista Francis Varis, que aporta un aire de mussette al sonido de Hot Jazz.
Gracias Braulio! Que los disfruten!
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sábado 30 de enero de 2010
Niño Josele, "Paz" (2006).
"Paz" recoge el encuentro de Niño Josele, guitarrista de innata elegancia y poseedor de uno de los sonidos más puros y hermosos del flamenco, con la música de Bill Evans, el hombre que transformó la pianística del jazz para siempre.
Gene Lees definió su música como “cartas de amor al mundo”. "Paz" es la carta de amor de Niño Josele a Bill Evans y a todos aquellos que se acerquen a una música que no tiene otra ambición que la de conmovernos con su belleza, abrirnos nuevos caminos llenos de infinitas posibilidades y nos muestra, una vez más, la capacidad renovadora del mestizaje.
"Paz" cuenta con unos invitados de lujo, figuras del jazz internacional de primera categoría que dan un sello de autenticidad al álbum, en especial, Marc Johnson, último contrabajista de Bill Evans.
“Paz” es un disco de jazz para todos los públicos.
Niño Josele: guitarra
Estrella Morente: voz
Freddy Cole: piano
Marc Johnson: bajo
Horacio El Negro Hernández: batería
Joe Lovano: saxo
Tom Harrell: trompeta
Jerry González: trompeta
Javier Colina: bajo
temas:
01 Peace Piece
02 Waltz For Debby
03 The Peacocks
04 I Do It For Your Love
05 My Foolish Heart
06 The Dolphin
07 Hullo Bolinas
08 Minha
09 Never Let Me Go
10 Turn Out The Stars
11 When I Fall In Love
a la salú del querido Diegooo!!!
viernes 29 de enero de 2010
Carla Bruni - Quelqu'un m'a dit
Y si, la queríamos más antes de que se case con Sarkosy, pero... ¡este sigue siendo un disco lindísimo!
Cuando hace algunos años Néstor me hizo escuchar este disco, mucho antes de que se transforme en la banda de sonido de la tanda publicitaria, quedé prendado al instante de Carla Bruni. Ella era conocida, en ese entonces, por su carrera de modelo y sus amores con Mick Jagger y Eric Clapton.
Italiana, nacionalizada francesa, Bruni es hija de un empresario y compositor de ópera. Su madre es actriz y pianista. A los 19 años interrumpió sus estudios de arquitectura para ser modelo. Llegó a convertirse en una estrella de las revistas de moda en los 80s y desfilar para grandes diseñadores, como Yves Saint Laurent. Su carrera como modelo terminó a diez años después, a los 29, cuando Carla decidió dedicarse a la música.
En 2000 lanza su primer disco, Si fuese ella, que vende más de 250.000 copias. Dos años después edita Quelqu'un m'a dit (Alguien me dijo), donde compone junto a Louis Bertignac. En este disco, Carla canta acompañada sólo por una guitarra acústica. El disco vendió más de dos millones de copias y recibió los elogios de la crítica.
Esa sencillez en los arreglos del disco, que hace que las canciones sean pequeñas maravillas artesanales, es también su punto débil: a partir de la mitad del disco, Quelqu'un má dit puede tornarse un poco repetitivo.
¿Eso quiere decir que el disco es aburrido? Señora, señor: hace falta un corazón de piedra para no conmoverse escuchando a la buena de Carla cantando Quelqu'un m'a dit, Tout le Monde, Chanson Triste, La noyée, de Serge Gainsbourg, o Le ciel dans une chambre, del italiano Gino Paoli. Las canciones son una más linda que la otra!
Que lo disfruten!
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miércoles 27 de enero de 2010
Aimee Mann, "The Forgotten Arm" (2006).
Hay música que, por algún motivo, queda ligada de manera inseparable a ciertos recuerdos. Al escucharla, vuelven a la memoria sensaciones, olores, colores. Eso es lo que me sucede con las canciones de Aimme Mann en la banda de sonido de Magnolia.
¿Y porqué hablo de Magnolia si el disco a presenter hoy aquí es The Forgotten Arm? Bueno, las canciones de Mann se parecen todas un poco entre sí, por lo cual este disco también me produce ese efecto.
Cuando escuché por primera vez a Aimme Mann hace diez años, quedé enamorado, sorprendido por la belleza de sus canciones, y no logré decidir si ese parecido hacía que sus discos se vuelven un poco aburridos hacia la mitad, o si eso hacía que las canciones sean todas igualmente lindas. Todavía no lo logro.
Carlos, que había empezado a armar este post, tradujo para nosotros esta reseña de la All Music Guide.
Durante los 80, Aimee Mann encabezó el grupo de post-new wave 'Til Tuesday. Después de editar 3 discos con el grupo, rompió con la banda y se embarcó en su carrera solista. Su primer disco solista, Whatever, fue un proyecto más folk e introspectivo que los discos de 'Til Tuesday, y recibió críticas uniformemente positivas tras su lanzamiento en el verano de 1993. No obstante, el disco fue un éxito pequeño, pasó sólo 7 semanas en los rankings americanos, donde solamente llegó a la posición 127. Pese a esto, el disco rejuveneció la carrera de Aimee Mann: tras su lanzamiento, los críticos celebraron su talento de compositora, así como también lo hicieron colegas como Elvis Costello, Difford & Tilbrook y Andy Partridge.
A principios del 95, Mann tuvo un éxito modesto con "That's Just What You Are", una canción incluida en la banda de sonido de la serie televisiva Melrose Place. Tras el éxito del single, Mann estaba lista a editar su segundo álbum solista en la primavera del 95 pero su sello grabador, Imago, entró en bancarrota. Ella firmó un contrato con otro sello pero Imago le impidió editar otros discos. La mayor parte del 95 Mann estuvo peleando con Imago tratando de liberarse de su contrato con el sello, ganando finamente su independencia a finales de aquel año. Una vez concluida aquella disputa, firmó con el sello DGC Records. Su segundo disco, I'm with Stupid, fue editado en Inglaterra en otoño del 95 y en USA en enero del 96. Una vez más, fue saludado con críticas positivas pero tuvo ventas débiles.
La carrera de Mann tuvo un rápido vuelco a principios del 2000, cuando editó su banda de sonido para el filme Magnolia, aclamado por la crítica: la canción "Save Me" fue posteriormente nominada para un Oscar. Al principio conseguible sólo en sus conciertos, su disco solista Bachelor No. 2 tuvo una edición nacional en la primavera de aquel año. En el verano del 2002, Mann retomó la delantera con su disco autoeditado Lost in Space. A finales del 2004 se editó Live at St. Ann's Warehouse, un pack de CD y DVD grabado durante una gira de verano. Le siguió en el 2006 el aclamado por la crítica Forgotten Arm, un disco conceptual que gira narrativamente en torno al regreso desde Vietnam de un boxeador drogadicto. Mann publicó una colección de canciones navideñas llamada One More Drifter en el 2006. Le siguió en el 2008 @#%&! Smilers.
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sábado 23 de enero de 2010
Leila Pinheiro, "Na Ponta da Língua" (1999).
Al año siguiente se mudó a Río de Janeiro y grabó en forma independiente su primer álbum, Leila Pinheiro, que tuvo como invitados especiales a Tom Jobim, João Donato, Ivan Lins, Francis Hime y Toninho Horta. El disco fue relanzado y presentado dos años después en la Sala Funarte con el compositor e intérprete Sérgio Ricardo como invitado. En 1984, Leila actuó junto al Zimbo Trio en Colombia. En el 85, ganó el tercer lugar como Cantante Revelación en el Festival dos Festivais de la TV Globo con el tema "Verde (Eduardo Gudin/J. C. Costa Netto).
Olho Nu (1986) fue su primer disco tras su contrato con el sello Polygram, y tuvo a Pat Metheny como invitado especial. Lanzado simultáneamente en el Japón, el álbum obtuvo una invitación para representar al Brasil en el 17mo. Yamaha Festival. En 1987 Pinheiro ganó el trofeo Villa-Lobos como revelación femenina del año que otorgó la ABPD (Asociación Nacional de Productores Discográficos). Ella participó en el festival OTI en Portugal. En 1988, publicó su tercer álbum, Alma, y salió de gira por el Brasil con Wagner Tiso en el Projeto Pixinguinha. En 1989, producida por Roberto Menescal, grabó y editó un álbum de bossa nova en el Japón, mientras que a su vez editó Bençǎo Bossa Nova en el Brasil. Un año después, el álbum llegó a vender 200.000 copias, la mayor venta que haya tenido un disco de bossa-nova en el Brasil hasta entonces. En la Noite da Bossa Nova (primer show del festival en Rio) actuó junto a Carlos Lyra, Verônica Sabino, Leny Andrade, Os Cariocas y Johnny Alf. Outras Caras, su quinto álbum, fue también producido por Roberto Menescal y fue editado en el Japón. En 1993, su último disco para Polygram, Coisas do Brasil, ganó el disco de oro. Aquel año actuó en Holanda, Bélgica, Francia y España. En 1994 su primer disco para el sello EMI, Isso é Bossa Nova, ganó también un disco de oro. Dos años después, grabó el disco Catavento E Girassol, dedicado a la obra del dúo Guinga/Aldir Blanc. En 1997, participó, junto a Baden Powell, Toquinho y Carlos Lyra, en el show tributo a Vinícius de Moraes, Vivendo Vinícius (Metropolitan, Rio). En septiembre, viajó a los EEUU, donde acompañó a Ivan Lins en la gira de éste, como artista invitada. Actuaron en 11 ciudades y cerraron la gira en el Blue Note (New York). En octubre, participó en el show All Jobim, en el Carnegie Hall, también en New York, en el que también actuaron Ivan Lins, Dori Caymmi, Al Jarreau, Joe Lovano, Eugene Malov y Sharon Isbin. Al año siguiente, Pinheiro editó Na Ponta da Língua, dedicado principalmente a los compositores del pop contemporáneo. También aquel año, grabó un especial televisivo para el canal portugués RTP; en agosto, actuó en el Lincoln Center para 8000 personas, junto a otras cantantes brasileñas como Bebel Gilberto, Patricia Marx, Carol Saboya y el Quinteto D'Ella. En 1999, actuó, en diferentes shows, junto a Ivan Lins, MPB-4, Guinga, Paulo Bellinati, Lula Galvão, la Orquestra Jazz Sinfônica, Paulo Sérgio Santos, Baden Powell, Tet Vocal, Nelson Faria, Luiz Brasil, Roberto Menescal, Flávio Venturini, Margareth Menezes, Banda Didá y Madredeus. En Israel, cantó en la Convención Internacional de Jerusalem, en el centro Binyael Ha'ooma, acompañada por la Orquesta Sinfónica de Jerusalem. También aquel año participó en el CD Casa de Samba 3, en dueto junto al sambista Walter Alfaiate. En el 2000, lanzó su décimo disco, Reencontro, dedicado a las composiciones de Gonzaguinha e Ivan Lins.
Faixas
01 Na Ponta Da Língua
02 Abril
03 Pra Dizer A Verdade
04 Sentado À Beira Do Caminho
05 Ainda Mais
06 Vento No Litoral
07 Pra Nos Lembrar
08 Mais Uma Boca
09 Por Favor
10 Setembro
11 Sorriso De Luz
12 Amor, Perigoso Amor
13 Influência De Jackson
14 Nenhuma Palavra
martes 19 de enero de 2010
Ricardo Moyano - LiRicNa Trío - Cousins
Cuando Néstor, nuestro corresponsal en Europa, me hizo llegar La Saveur de la Terre, de Juan Falú y Ricardo Moyano, era muy poco lo que yo conocía acerca de Moyano. Además de este y de Bésame mucho, un disco de Moyano solo que también me acerco Néstor, había disfrutado mucho de Encuentros y soledades, el otro que Moyano y Falú grabaron juntos. Las biografías que encontré en la web, sin embargo, hablaban de trece discos grabados.
Semanas atrás fue el propio Ricardo Moyano quien escribió un mensaje en el blog para compartir con nosotros la historia de aquel primer disco y un texto de su padre, el escritor Daniel Moyano. Contento de que a través del blog pudiese escucharse su música en estas tierras, Ricardo me envió algunos discos que no pueden conseguirse de este lado del Atlántico. Ricardo Moyano escribió también el texto que sigue, donde cuenta acerca de la grabación, los músicos y las canciones. Gracias Ricardo!
El excelente músico y laudista marroquí Nabil Khalidi dio vuelo a esta música. Fue un placer trabajar con él durante los dos años que formamos este trío, hasta su disolución por falta de trabajo. Es un honor para mí haber podido dejar constancia de al menos un tema en dúo con él (Haram) . Hay varios dúos de guitarra, una chacarera del guitarrista cordobés Gustavo Gancedo, con él también tocamos en dúo muchos años, mientras yo vivía en Francia, pero solo grabamos dos temas en una antología de guitarristas inhallable que se llama Contrastes. Incorporamos esta chacarera suya para esta grabación. Al rasguido doble de Juan también lo grabé con él en casa del generoso y fantástico guitarrista David Qualey en Alemania antes de hacer nuestro primer disco El sabor de la Tierra. Juan lo incluyó con varios otros más en su disco Diez Años. El último dúo es una breve pieza para guitarra solista tomada de una pequeña suite del checo Milan Tesar, yo me limité a hacer unos rasguidos de fondo.
Aire de mujer y La serena son dos canciones sefardíes, una amilongada y otra achacarerada, por qué no. Malika es lo mejor del álbum, un solo de Nabil dedicado a su hija.
Escribí un largo arreglo (usando el ritmo tradicional brasilero llamado partido alto) para El rey Nimrod, pero como Nabil se opuso a leer tantas notas y acordes raros rehicimos el tema de otra manera, una vez más su aporte es lo mejor. La cumbia de José Barros se pasea entre las playas de arena caliente colombianas y las no menos calientes marroquíes. La percusión la hace él, apoyando suavemente una pulsera que siempre usa para estos efectos sobre la caja de su laúd. Uskudar es una simple melodía muy popular en todas las costas del Mediterráneo y le dimos un acompañamiento con aire latino, como todo lo que cae entre mis manos...
La grabación fue efectuada en dos tardes, y lo mejor fue la cena en un restaurante japonés, después de la grabación, justo cuando el productor se disponía a abrir unas latas de sardinas y refrescos que había llevado al estudio de grabación al fin de la sesión. Nabil, excelente cocinero, y que nos había invitado ya varias veces a cenar exquisiteces en su casa en París, no aceptó , diciéndole que teníamos ya ganas de salir de esas cuatro paredes. Esta cena fue el único pago que recibimos por nuestra participación en este disco y por su venta posterior. Intuyendolo, escogimos un restaurante bueno, y para nuestro pequeño desquite personal, nos tomamos dos botellas de un estupendo vino blanco.
Que lo disfruten.
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domingo 17 de enero de 2010
Nana Caymmi, "Quem inventou o amor" (2007).
De vuelta en Brasil, lanzó su primer disco, Nana. En 1966, participó en el 1er. Festival Internacional de la Canción, obteniendo el primer lugar con la canción "Saveiros". En el extranjero, trabajó con Sarah Vaughan y Sergio Mendes. En los años 70 y 80 grabó varios discos como solista, y algunos otros en colaboración, como Voz e Suor (1983), al lado de César Camargo Mariano.
Se la considera una de las intérpretes más expresivas y depuradas de la música brasileña, festejada por la sofisticación tanto de sus interpretaciones de canciones populares como de temas compuestos específicamente para ella. En la década de los años 1990, llegó a las listas de los discos más vendidos, dedicándose a la interpretación de canciones románticas y boleros, siendo A Noite do Meu Bem y Resposta ao Tempo dos de sus discos más vendidos. Algo interesante para el público hispánico fue la publicación en el año 1993 del disco Boleros, que contiene una selección de 14 boleros clásicos, de los cuales 13 están cantados en español.
En 2003, lanza Duetos, un álbum que trae una selección de canciones en colaboración con artistas consagrados de la música brasileña y portuguesa, como Emílio Santiago, Herbert Vianna, Agnaldo Timóteo y Beth Carvalho, entre otros. Después de Duetos, Nana hizo una pausa en su actividad musical para dedicarse a un proyecto con la familia Caymmi.
En 2004, junto a los hermanos Danilo y Dori, lanza Para Caymmi, de Nana, Dori e Danilo: 90 anos, para celebrar el nonagésimo cumpleaños de su padre, Dorival Caymmi. En este mismo año, el disco da origen a un DVD homónimo. En Até Pensei..., de 2005, la cantante ofreció a su público una nueva colección de canciones románticas y boleros.
DATOS TOMADOS DE LA WIKIPEDIA
2007 - Nana Caymmi - Quem Inventou o Amor
1. Neu Eu. 2. Nesta Rua tão Deserta. 3. Sábado em Copacabana. 4. Você Não Sabe Amar. 5. Nunca Mais. 6. Só Louco. 7. Não Tem Solução. 8. Horas. 9. Tão Só. 10. Desde Ontem. 11. Valerá a Pena. 12. Adeus. 13. Saudade. 14. Eu Sem Maria.
domingo 10 de enero de 2010
Gonzalo Rubalcaba, "Mi gran pasión" (1987).
Estudió música en el conservatorio de su ciudad natal desde 1971 a 1983 y ya en los años 80 salió de gira por Europa y algunos países africanos dentro de la Orquesta Aragón, una de las más importantes de Cuba. Su carrera profesional dio un giro de 180 grados cuando el contrabajista Charlie Haden, que ya lo había escuchado con anterioridad en Cuba, lo llamó para que se incorporara a su grupo. Con Haden, Gonzalo Rubalcaba debutó en el Festival de Jazz de Cuba en 1986 y posteriormente en el Festival de Jazz de Montreux en 1990. Discovery, su debut discográfico, supuso el espaldarazo definitivo para Rubalcaba. Su perfecto conocimiento del trío de jazz quedó de manifiesto, y crítica y público vieron en él a uno de los grandes pianistas del jazz contemporáneo.
En 1987 graba su primer disco a su nombre para el sello Messidor, titulado Mi gran pasión, un autentico éxito de crítica y público. El disco le abre las puertas del sello Blue Note, con quien firma un contrato que le permite grabar en 1990 su primer disco en directo, en el Festival de Montreux, adonde volvió en trío junto a Paul Motian en la batería y a Charlie Haden en el contrabajo.
Con una sólida educación musical y un gran talento, Gonzalo Rubalcaba produce en 1999 su disco Inner Voyage (Blue Note), posiblemente el disco de jazz más importante de su amplia discografía. En su repertorio encontramos estándares clásicos del jazz, como "Caravan", con el que demuestra el dominio de la estética formalista y las acariciadas influencias de la música de su origen, la cubana, creando una versión llena de jazz tradicional y del sentimiento de la música afroantillana, aprovechada al máximo por sus conocimientos en la materia y por su instrucción académica.
El éxito de ese disco hizo posible que Rubalcaba fuera elegido ese mismo año por la prestigiosa revista Piano & Keyboard entre los 60 pianistas más importantes del siglo XX, compartiendo ese honor con Duke Ellington, entre otros.
Actualmente Gonzalo Rubalcaba reside en Florida y su actividad musical es, además de intensa, extraordinariamente buena. Recientemente ha sacado junto a su amigo Charlie Haden un disco de boleros titulado Nocturne que, al margen de purismos formales sobre si la música de los boleros es jazz o no, es una delicia de escuchar.
datos tomados de: www.apoloybaco.com
temas:
1. Recordando a Tschaikowsky
2. Mi Gran Pasion
3. Concierto en Varsovia
4. Preludio Proyecto Latino
5. Principe Nino
6. Cuatro Veinte
Mil gracias a mi hermoso hermanito Claudio, que
me pasó este disco hace un buen tiempo ya.
viernes 8 de enero de 2010
McCoy Tyner - Echoes of a friend
Grabado en 1972, cinco años después de la muerte de John Coltrane, Echoes of a friend es el primero de los homenajes que nuestro querido McCoy Tyner le haría a su antiguo jefe. Es también el primer disco de Tyner solo en piano.
Tyner comienza su homenaje con una nueva versión de Naima. La versión es extraordinaria y llena de matices. Tyner lleva el tema desde esa calidad etérea que le imprimió Coltrane hasta un inesperado nivel de intensidad y tensión.
El segundo tema, Promise, sorprende, puesto que se trata de una poco conocida composición de Coltrane, ejecutada de manera brilante por Tyner. Sigue My Favorite Things, un tema al que Coltrane le dió su versión definitiva. Parece poco probable que una nueva interpretación de este tema pueda sorprender, pero Tyner lo logra con esta versión densa, compleja, alejada del hipnótico tiempo de vals del original.
El disco termina con dos lindísmas composiciones de McCoy Tyner. El poderoso e intenso The Discovery, de 17 minutos, y Folks, un homenaje a Calvin Massey, a través de quien Tyner conoció a Coltrane.
En su primer album de piano solo, Tyner buscó inspiración en su pasado. Tenía sólo 32 años cuando grabó este disco, pero demostró que ya tenía su propio sonido, su propia voz. Y que tenía mucho para decir.
Descargalo haciendo clic aquí.
domingo 3 de enero de 2010
McCoy Tyner, "Nights of Ballads & Blues" (1963).
En 1959, ofrece algunos conciertos en San Francisco con Art Farmer y Benny Golson, quienes le contratan en el seno del "Jazztet", grupo con el que graba su primer disco. A continuación vuelve a encontrarse con Coltrane (1960-1965), ingresando en su cuarteto en sustitución de Steve Khun. Paralelamente grabaría como líder, a lo largo de estos seis años, varios álbumes con otros músicos: Roy Haynes, Clark Terry, Thad Jones, etc. Coltrane encontró en Tyner el tipo de pianista que a modo y semejanza de Bill Evans, se manejara con comodidad y soltura en el ámbito del jazz modal. En 1962, McCoy Tyner grabó para "Impulse!" su primer disco como líder, el titulado "Inception", con Art Davis al contrabajo, y Elvin Jones a la batería.
En 1963, Tyner resultó vencedor en el referéndum anual de la revista "Donw Beat" dentro de la categoría de "newstar" y sus discos para "Impulse!", una vez fuera del grupo de Coltrane en esos años, son todos excepcionales destacando por su brillantez: "Night of Ballads & Blues" (Impulse, 1963) y "Live in Newport", tambien en ese mismo año. En 1966 funda su propio trío, e inicia una carrera como freelance que lo conduce a los confines del mundo y a tocar con los músicos mas diversos y en 1967, firmó un contrato con la Blue Note, y en su debut discográfico con el sello azul, dejó un extraordinario álbum titulado: "The Real McCoy".
Tras su paso por Blue Note, y consagrado como uno de los grandes pianistas del hardbop, McCoy Tyner, firmó por el sello Milestone y ese mismo año graba una obra maestra titulada: "Sahara" considerado por Down Beat, como el mejor disco de jazz del año. En 1973, graba otro extraordinario disco "Enlightment" y sus contratos se multiplican por todo el mundo. En 1978 forma parte de una gira de "All Stars" del sello Milestone junto a Sonny Rollins, Ron Carter y Al Foster, y graba uno de los grandes discos en directos del jazz moderno. En 1987 es, evidentemente, uno de los principales músicos de una gira internacional en homenaje a Coltrane y se presenta en trío con el contrabajista, Avery Sharpe, y el baterista, Louis Hayes.
McCoy Tyner, no solo es un extraordinario pianista, y extraordinario representante del estilo modal, sino que por la delicadeza de su toque, por la búsqueda de una sonoridad siempre brillante y el carácter ornamental de sus improvisaciones, es uno de los grandes músicos de jazz moderno. El rol que desempeñó en el seno del cuarteto de Coltrane, le ha marcado, sin duda, de forma irreversible, y siempre para bien: el pianista del sosiego, la suavidad, la serenidad y la certeza; lo contrario de los furores inquietos de su líder.
de apoloybaco.com
tracks
1. Satin Doll
2. We'll Be Together Again
3. 'Round Midnight
4. For Heaven's Sake
5. Star Eyes
6. Blue Monk
7. Groove Waltz
8. Days Of Wine And Roses
sábado 2 de enero de 2010
E.S.T., "Seven Days of Falling" (2003).
El grupo se definió a sí mismo como "una banda de pop que toca jazz". Además, rompió con la tradición de tener un líder de la banda a favor de la igualdad entre sus miembros. Actuaban en locales de jazz y además en escenarios típicos de las bandas de rock, usaban efectos con humo e iluminación. Su música se puede encontrar en las listas de éxitos del pop y sus videos se ven en la MTV de Escandinavia. Con su particular sonido, que combina jazz el funk, y rock & roll así como música clásica. E.S.T tiene todo tipo de público, desde amantes del jazz clásico hasta los más jóvenes fans del Hip Hop. Crítica y público definieron a E.S.T., como una de las más innovadoras bandas de jazz actuales.
A comienzos de los años 1990 el pianista Esbjörn Svensson y su amigo el batería Magnus Öström conocieron al contrabajista Dan Berglund, formando el Esbjörn Svensson Trio. Desde sus orígenes de sonido más convencional, mostraban inclinación hacia las influencias del pop y el rock, siempre sobre un toque sonoro a medio camino entre los tríos de Bill Evans y la música clásica europea. Hay en el grupo un decidido alejamiento respecto del swing como componente estilístico, evidenciado en el uso de elementos externos que reforzaran las posibilidades de sus instrumentos y ampliaron el espectro sonoro, para buscar su personal artística. A principios del nuevo siglo XXI, la electrónica ya era parte imprescindible de E.S.T., y el ingeniero de sonido Ake Linton se había convertido en una especie de cuarto miembro. Linton es el responsable de la mayoría de grabaciones del trío, y en las giras se encarga de los efectos de sonido conectados a los tres instrumentos. Ese elemento electrónico, ha estado presente también en las grabaciones más recientes del grupo.
Desde mediados de los ochenta, Svensson y Öström se establecen como referente de la escena suiza y danesa del jazz. Formaron su primer trío en 1990. pero no fue hasta 1993 cuando tuvieron lo necesario para tener un CD. Fue entonces cuando conocieron a Dan Berglund, e invitaron a formar parte del trío.
En 1993 el Esbjörn Svensson Trio grabó y lanzó su álbum debut “When Everyone Has Gone” (Dragon); en 1995, la grabación en director “Mr. Mrs. Handkerchief” (Propone), el cual fue publicado en el resto del mundo seis años después bajo el título “E.S.T. Live 95”. A mediados de los noventa el trío se hizo hueco en Suecia y firmó con el sello discográfico Superstudio Gul/ Diesel Music. El primer álbum para este sello, editado el mismo año, fue “E.S.T Plays Monk”, el cual, raudamente, vendió más de 10.000 copias en Suiza. Y comenzaron a ganar premios: en 1995 y 1996 Esbjörn Svensson fueron galardonados con el premio Swedish Jazz Musician, y en 1998 el premio Songwriter del año, en 1997 lanzaron “Winter in Vence”, que consistía principalmente en material original, fue galardonado con el Swedish Grammy.
En 1999 lanzan “ From Gagarin´s Point of Wiew” que fue el primer álbum de E.S.T.,que se editó fuera de Escandinavia a través del sellos discográfico ACT, y realizan apariciones en directo en los festivales de JazzBaltica y Montreux, lo cual marco el inicio de un gran avance para la banda. Un año más tarde el CD “Good Morning Susie Soho” fue publicado e hizo ganar al trío el título de “Trio of the Year” por Jazzwise, en Reino Unido. E.S.T. comenzó una gira en el “Rising Stars” Jazz circuit y actuaron en festivales de toda Europa. Al mismo tiempo Sony Columbia USA publicó el primer CD “Somewhere Else Before” una recopilación de los álbumes europeos “From Gagarin´s Point of View” y “Good Morning Suisie Shoho” en Estados Unidos.
El lanzamiento del álbum de 2002 “Strange Place for Snow” de E.S.T. fue respaldado por una gira de nueve meses por diversas ciudades europeas y Estados Unidos y Japón. La música de este álbum también formó parte de la banda sonora de la película francesa “Dans ma Peau” dirigida por la actriz y guionista Marina de Van. El álbum ganó numerosos premios, como el “Jahrespreis der Deutschen Schallplattenkritik” (premio alemán del jazz), el premio “Choc de L´année” (Francia), el “Vitoire du jazz” (Grammy francés),como mejor actuación y también el premio “Revelation of the Festival”, un premio especial de Midem.
En 2003 la banda edita “Seven Days of Falling”. El álbum entró inmediatamente en las listas de éxitos alemanas, francesas y suecas. Fue editado en Europa, Estados Unidos, Japón y Corea del Sur. Acompañaron a la banda K.D. Lang en su tour por Estados Unidos, actuando en estadios y “concert halls”. Miles de personas pudieron ver su show en director durante los doce meses posteriores al lanzamiento de “Seven Days of Falling”. Como resultado de todo esto, E.S.T fue galardonado con el premio Hans Koller como “Artistas europeos del año” -en diciembre de 2004- votado por 23 profesionales de la industria del jazz de 23 ciudades europeas.
Su álbum “Viaticum” (Enero de 2005) sobrepasó el éxito de álbumes anteriores. Entró en el top 50 de las listas de éxitos en Alemania y Francia, alcanzando el top 4 en Suecia. La banda realizó una gira más amplia que las anteriores con este nuevo álbum por Europa, Japón, Corea del Sur, Australia, Nueva Zelanda, Brasil, Canadá y Estados Unidos. Fueron galardonados con premio “German Jazz Award” oro y platino, el premio IAJE y el Swedish Grammy. También fueron la primera banda europea de jazz que apareció en portada del “Downbeat jazz magacine” en Estados Unidos.
El 15 de junio de 2008 fallece, a los 44 años, el pianista Esbjörn Svensson, que dio nombre al grupo, debido a un accidente mientras practicaba el buceo en un lago de Ingarö, a las afueras de Estocolmo.
tomado de:
http://es.wikipedia.org/wiki/Esbj%C3%B6rn_Svensson_Trio
SOBRE ESTE DISCO:
Si de efectos se trata, el rey de los álbumes de E.S.T. es, sin duda, Seven Days of Falling. Un disco donde transición y madurez se aúnan en buena comunión, presenta un extendido uso de sonidos eléctricos y sintetizados, presencia de la electrónica, ritmos de drum'n'bass y, eso sí, un lirismo apabullante. Ya el primer corte, "Ballad for the Unborn", sumerge al oyente en terrenos contemplativos, utilizando la distorsión de contrabajo no para embrutecer, sino para embellecer. Dramatismo también presente en el puente del tema que da título al CD, cuidada armonía que discurre sobre un riff de bajo aparentemente divertido. Y de la melancolía y la meditación al sonido más industrial, de la mano del poderoso "Mingle in the Mincing Machine", una de las creaciones más originales del disco. "Evening in Atlantis" no es más que una breve introducción al inspirado "Did They Ever Tell Cousteau?", donde una lírica melodía interpretrada por el contrabajo a pizzicato contrasta con el ritmo de la batería, más cercano a conceptos de música de baile. La balada "Believe Beleft Below" cumple una doble función, ya que sirve de sexta pista del compacto en su versión instrumental, y también de tema oculto al final de "O.D.R.I.P.", en esta ocasión con la colaboración de Josh Haden (hijo del contrabajista Charlie Haden) cantando la línea melódica, y bajo el título de "Love Is Real".
Pero la obra maestra del CD (a estas alturas E.S.T. ya podía permitirse ofrecer en cada disco, como mínimo, una obra maestra) no era otra que "Elevation of Love", una pieza de deliciosa escucha, perfectamente estructurada en la que los músicos combinaban con éxito casi todos los recursos que les habían ayudado a forjarse un nombre. Cabe destacar que el solo de piano de Esbjörn Svensson es, posiblemente, uno de los mejores que jamás haya grabado. El sobrecogedor final del tema se convertía en preludio a la divertida "In My Garage", donde una corta secuencia de acordes se repite continuamente, de forma alegre y desenfadada, conformando el corte más largo del disco. "Why She Couldn't Come" nos acerca a esa visión tristona e intimista del trío, con un Dan Berglund erigido en intérprete principal, y el mencionado "O.D.R.I.P." de corte roquero daba cierre al, hasta entonces, mejor disco del grupo (algo que iba a convertirse en una costumbre de ahí en adelante).
Texto de:
Arturo Mora Rioja
para:
http://www.tomajazz.com/perfiles/est/est_mas_alla.htm
TRAX
1. Ballad For The Unborn
2. Seven Days Of Falling
3. Mingle In The Mincing-Machine
4. Evening In Atlantis
5. Did They Ever Tell Cousteau?
6. Believe Geleft Below
7. Elevation Of Love
8. In My Garage
9. Why She Couldn't Come
10. O.D.R.I.P.
jueves 31 de diciembre de 2009
Dino Saluzzi - Soy Buenos Aires / Pedro Orillas
Ayer, cuando publiqué el post de Saluzzi, De vuelta a Salta, di por terminado el año en el blog. Hoy, sinceramente, no pensaba subir nada.
Pero, como decía el cantor, la vida te da sorpresas, y me llegó un mensaje de Diego C. ofreciendome el disco Pedro Orillas, que hace rato venía buscando. Como Diego C. es también amigo de Los Que No Se Consiguen, acordamos con Danito publicarlo juntos hoy.
Es difícil conseguir información sobre los primeros discos de Saluzzi y por eso me ví nuevamente forzado a recurri a mis conocimientos del idioma japonés para traducirles lo que dice acá.
Cuenta Yoshio Murakami, autor del artículo, que este disco publicado en 1970 tiene dos partes claramente diferencuiadas: la cara A del disco está formada por composiciones de inspiración tanguera y lleva por título el nombre del primer tema, "Soy Buenos Aires".
El lado B, "Pedro Orillas" está formado por composiciones de Saluzzi sobre poemas del jujeño Carlos Hugo Aparicio, publicados en 1965. Los poemas son recitados por Héctor Alterio y canta Tati Vitelli, de Los Nocheros de Anta.
Los músicos que acompañaron a Saluzzi en esta grabación fueron: Oscar Lopez Ruiz en guitarra eléctrica, Luis A. Ferreyra y Arturo Schneider en flautas, Mariano Tito en vibráfono, Hugo Pierre en clarinete, Jorge Padin y el "Zurdo" Roizner en percusión, y Guillermo Facal y A. Cevasco en bajo electrico.
Si la cronología no me falla este es el primer disco del bandoneonista salteño. Un disco diferente a todo lo que yo había escuchado de Saluzzi hasta el momento.
Feliz 2010 para todos!
Descargalo haciendo clic aquí.
miércoles 30 de diciembre de 2009
Dino Saluzzi - De vuelta a Salta
Y si, señores, Bienvenidos a la Monga! se despide del año con todo. Y para despedirnos les dejamos este regalito: De vuelta a Salta, de Dino Saluzzi, editado en 1972.
Bienvenidos a la Monga! ya ha puesto en la red la mayoría de los discos, hoy casi inhallables, editados por el bandoneonista antes de firmar con el sello ECM y comenzar su etapa más experimental. Esos discos los pueden encontrar haciendo clic al pie de este post, en la etiqueta que dice Dino Saluzzi, o también haciendo clic aquí, donde dice Dino Saluzzi.
Por el momento, con la publicación de este disco, hemos agotado nuestros archivos de viejos discos de Saluzzi. Nos queda aún algún concierto, alguna otra rareza, pero seguimos a la búsqueda de Soy Pedro Orillas, disco de 1971. Este post va especialmente dedicado a MorganLeo, paciente buscador de la obra del bandoneonista salteño.
¡Que lo disfruten! ¡Feliz 2010 para todos!
Descargalo haciendo clic aquí.
martes 29 de diciembre de 2009
Correo de Lectores y Enlaces reparados
A pedido del público, los siguientes enlaces han sido corregidos o reparados:
1 - Bollywood Brass Band - Rahmania
2 - Tom Waits - Early Years Volumen 1
3 - Andy Summer & Victor Biglione - Strings of Desire
4 - Tommy Flanagan - Giant Steps
Ricardo: disculpá la tardanza en responder tus amables mensajes. Contesté más extensamente en La saveur de la terre
También nos escribieron desde Montevideo, Uruguay, los amigos de Fin del Mundo, un programa que se emite por Radio Mitosis y que se pueden descargar si andan con ánimos apocalipticos. Dicen que este programa "será una compañía ideal para el verano". También nos recomiendan calurosamente a Eduardo Darnauchans, trovador uruguayo cuya música desconozco, pero prometo escuchar.
Por último, pero no menos importante, recibimos un muy agradable mail de Lydian, que hace el soporte técnico de Muzsikusradio, una radio húngara que sólo trasmite Jazz y música tradicional de Hungría. A la pelotita!
lunes 28 de diciembre de 2009
El derecho a la pereza
En su libro El derecho a la pereza, Paul Lafargue arremete contra los mitos modernos que dicen que "El trabajo dignifica" o "El trabajo es salud" o tantas sandeces que habitualmente nos vemos obligados a escuchar los que no tenemos más remedio que trabajar.
Hubo tiempos pasados que fueron mejores, dice Lafargue, no por pasados, si no porque al menos las cosas estaban claras: trabajaban los esclavos, y los ciudadanos y hombres libres, se dedicaban a las tareas que les eran propias, como la música, las artes y la política. Y no es que Lafargue defienda la esclavitud, no. Por el contrario, en su libro denuncia la esclavitud del trabajo, explicando que lejos de ser un derecho, el trabajo es una imposición del sistema.
Los antiguos romanos, los que no eran ni esclavos ni artesanos, es decir los romanos, dividían su tiempo en otium y negotium. Durante el negotium los ciudadanos romanos se dedicaban a la política o a la guerra; durante el otium, a la música, a la pintura o la escultura. Los antiguos griegos creían que sólo el ocio creativo era digno de los hombres libres.
Y a que viene todo esto? Bueno, es que estoy harto de trabajar. No es que no disfrute mi trabajo, que dentro de todo he tenido el privilegio de poder elegir; es que no entiendo porque es necesario trabajar tanto. Y que quede claro, por si no se entendió, que lo opuesto a trabajar no es estar tirado sin hacer nada, si no el ocio creativo: escribir o tocar o aprender cosas nuevas. Pero la cantidad de horas que nos vemos obligados a veces a trabajar, sólo nos dejan fuerzas para tirarnos sin hacer nada frente al televisor. Está claro que el trabajo lejos de dignificar a nadie, embrutece.
En estos días en los que he tenido poco tiempo y pocas energías para dedicarle al blog, estuve pensando mucho en aquel magnífico libro de Lafargue. El bueno de Paul, calculaba en 1880 que con el desarrollo tecnológico alcanzado y dando pleno empleo, alcanzaba con que cada uno de nuestros tatarabuelos trabajara tres horas diarias para satisfacer las necesidades de la humanidad, y y pudiera dedicar el resto del tiempo a las ciencias y las artes.
Tres horas diarias...
martes 22 de diciembre de 2009
Miles Davis, "A Tribute to Jack Johnson" (1970).
La primera sesión en estudio importante para este disco, que tuvo lugar el 7 de abril de 1970, fue casi accidental: John McLaughlin, a la espera de la llegada de Miles, comenzó a improvisar riffs en su guitarra, y pronto se le sumaron Michael Henderson y Billy Cobham. Mientras tanto, los productores trajeron a Herbie Hancock, que había estado pasando por el edificio haciendo algo no relacionado con el disco, para que tocara el órgano Farfisa. Por fin llegó Miles y comenzó su solo alrededor de los 2:19 minutos de la primera pista.
Las dos largas pistas del álbum fueron reunidas en la edición por el productor Teo Macero. "Right Off" está construida a partir de varias tomas y de un solo de Davis grabado en noviembre de 1969. Contiene un riff de "Sing a Simple Song" de Sly and the Family Stone. Gran parte de la pista "Yesternow" está construida en torno a una versión levemente modificada de la línea de base de la canción de James Brown "Say It Loud - I'm Black and I'm Proud"; ésta podría ser una alusión deliberada a la temática Black Power de la canción en tanto se relaciona también con el tema de la película. "Yesternow" incorpora asimismo un breve fragmento de "Shhh/Peaceful" del álbum de Miles Davis de 1969 In a Silent Way y una sección de 10 minutos que comprende varias tomas del tema "Willie Nelson" de una sesión del 18 de febrero de 1970.
Jack Johnson fue menos comercialmente exitoso que el anterior álbum eléctrico de Davis, Bitches Brew, alcanzando solamente el #159 en el Billboard 200 mientras que Bitches Brew había llegado al #35.
Algunos fans y críticos, no obstante, consideran que Jack Johnson es un álbum musicalmente superior; por ejemplo, el crítico Robert Christgau escribe que "en Jack Johnson, todos los destellos de Bitches Brew se fusionan en una iluminación brillante única".
1. "Right Off" – 26:53
2. "Yesternow" – 25:34
Personnel
La primera pista y casi la mitad de la segunda fueron grabadas el 7 de abril de 1970 por este grupo:
* Miles Davis - Trumpet
* Steve Grossman - Soprano saxophone
* John McLaughlin - Electric guitar
* Herbie Hancock - Organ
* Michael Henderson - Electric bass
* Billy Cobham - drums
La segunda parte de la segunda pista (comenzando aproximadamente en los 12:55 minutos) fue grabada el 18 de febrero de 1970 con una delantera diferente, no acreditada:
* Miles Davis - Trumpet
* Bennie Maupin - Bass clarinet
* John McLaughlin - Electric guitar
* Sonny Sharrock - Electric guitar
* Chick Corea - Electric piano
* Dave Holland - Electric bass
* Jack DeJohnette - drums
Al final de "Yesternow" hay un clip grabado por el actor Brock Peters que dice: "I'm Jack Johnson -- heavyweight champion of the world! I'm black! They never let me forget it. I'm black all right; I'll never let them forget it." (Soy Jack Johnson, campeón peso pesado del mundo! Soy negro! Jamás dejan que me lo olvide. Perfecto, soy negro; yo no voy a dejar que ellos lo olviden").
datos tomados de la Wikipedia.
domingo 20 de diciembre de 2009
Baden Powell, "A vontade" (1963).
En el ambiente musical de la casa de la familia en Río, Baden comenzó a aprender guitarra a los 6 años. A los 15 años tuvo que pedir un permiso especial del Juzgado de Menores para poder ser músico profesional.
A esa edad comenzó a acompañar por todo Brasil a grandes figuras de la canción brasileña y a tocar jazz en clubes nocturnos. Admirador de joven desde el clásico Dilermando Reis a Garoto, pronto su estilo se convirtió en un complejo crisol de tendencias.
A pesar de que se le asocia al movimiento Bossa Nova, Baden sólo frecuentó este estilo ocasionalmente. En realidad profundizó en afro-sambas y en choros, siendo extraordinariamente relevantes sus trabajos con Vinicius de Moraes y Paulo César Pinheiro. Le interesó más las armonías mestizas del submundo de los negros de Río que las sofisticadas de la Bossa Nova.
Desde los años 70 a los primeros 90 vivió en Europa (Baden Baden en la Selva Negra alemana), grabando más discos en el viejo contienente que en Brasil.
Sus problemas con el alcohol dificultaron su carrera. En sus últimos años de vida se hizo presbiteriano, entre otras raones, para dejar de beber. Su temor por su afectada salud le llevó a hacer un especial hincapié en la formación musical que dio a sus dos hijos franceses: Louis Marcel Powell, guitarrista, y Phillippe Baden Powell, pianista.
Compuso cerca de 500 temas, algunos de éxito popular, aunque la mayoría de sus trabajos entraban más en el terreno de la experimentación que en el de la música popular.
Como compositor su trascendencia en la música brasileña sólo puede ser comparada por la de Antonio Carlos Jobim, João Gilberto y Dorival Caymi.
Fue realmente maltratado por las discográficas que siempre dificultaron la grabación de sus trabajos por considerarlos música instrumental poco comercial. Murió de neumonía el 27 de septiembre de 2000, a la edad de 63 años..
"Baden Powell es uno de los monstruos sagrados de la música brasileña, tanto como instrumentista como compositor. Continúa con la tradición dejada por João Pernambuco, Dilermando Reis y Garoto; y marca a toda una generación de guitarristas más jovenes. Su pérdida deja un gran vacío que sólo puede ser llenado por la obra musical que creó" dijo Turibio Santos, guitarrista.
texto tomado de:
http://www.clubguitarra.com/bpowell.htm
faixas
1. Garóta de Ipanema
2. Berimbau
3. O Astronauta
4. Consolação
5. Sorongaio
6. Samba Do Avião
7. Saudade da Bahia
8. Candomble
9. Conversa de Poeta
10. Samba Triste
domingo 13 de diciembre de 2009
Aga Zaryan, "Picking up the Pieces" (2007).
En 1998 ganó el Primer Premio en la Competencia Internacional de Vocalistas de Jazz en Zamość. Como ganadora dos veces de becas para viajes internacionales de estudios, Aga viajó a USA para participar en el Stanford Jazz Workshop y en programas del Jazz Camp West, que le dieron la posibilidad de incrementar sus talentos bajo la dirección de vocalistas de renombre mundial tales como Rebecca Paris y Madeline Eastman, entre otros.
En 1997 cantó en el Festival de Primavera de Música Moderna de Varsovia con una orquesta dirigida por Jacek Kasprzyk, y asimismo cantó acompañada por un cuarteto de cuerdas en el festival Panorama de la Música del Siglo XX "Passage" al año siguiente.
En el 2000 regresó a USA para cantar un repertorio jazzístico acompañada por el pianista Michał Tokaj.
Su primer disco del 2002, My Lullaby, recibió notables críticas en Polonia y en Japón, donde se lo distribuye oficialmente.
Desde aquel momento, Aga ha aparecido en una interminable cantidad de clubes y festivales en Polonia, el Reino Unido, USA, Israel y la República Checa. En la encuesta anual de la revista Jazz Forum fue reconocida como la mejor vocalista de Polonia durante dos años seguidos, el 2004 y el 2005.
Aga tiene una voz que puede ser rasgada, oscura, susurrante, irónica, tierna, cargada de matices siempre, divertida pero sin perder nunca una sensibilidad totalmente femenina, actual y madura.
trax
1 Day Dream
2 Throw It Away
3 Picking Up the Pieces
4 Woman's Work
5 Answer Me, My Love
6 The Man I Love
7 Here's to Life
8 It Might As Well Be Spring
9 Sophisticated Lady
10 Suzanne
11 Tender As a Rose
sábado 5 de diciembre de 2009
Stevie Wonder, "Journey Through the Secret Life of Plants" (1979).
En el filme hay incluso una escena en la que Stevie aparece cantando una canción mientras va caminando entre la vegetación y luego navegando en bote por un río.
Su anterior album, Songs in the Key of Life, fue ganador de un premio Grammy en 1976. Con Journey..., la prensa especializada fue excesivamente crítica y sus fans se mostraron confusos, sin tener idea de cómo tomar un album conceptual, mayormente instrumental, y casi sin canciones que pudieran ser tenidas como un single de éxito, excepto por "Send One Your Love" y "Outside My Window".
Quizá Wonder haya intentado crear una especie de sinfonía pop, no se sabe, pero no le ha salido nada mal pues, para muchos, hoy el album está considerado como un clásico por propio derecho. Por aquellos tiempos era tal la atracción comercial que Stevie Wonder generaba como artista que, a pesar de la crítica poco propicia, Journey... logró ir escalando hasta situarse en el puesto # 4 en la categoría de Rhythm & Blues (R&B) en los charts de 1979 de la revista especializada Billboard.
Este curioso album, en el que Stevie toca la mayoría de los instrumentos, fue producido y escrito enteramente por él, con un par de canciones ("Black Orchid" y "Come Back As a Flower ") en las que colaboraró con su ex-esposa Syreeta Wright, con quien había tenido un fugaz matrimonio de 18 meses, y en "Power Flower" con Michael Sembello, compositor/cantante/guitarrista (luego creador del hit "Maniac " del filme Flashdance).
La obra contiene combinaciones de sintetizadores poco comunes, de los cuales Wonder ha sido un pionero desde los 70, incluyendo el uso por primera vez de un sintetizador de sampleado: el Computer Music Melodian (que utiliza notación musical en tiempo real y que aparece en pantalla mientras va sonando) que fue utilizado en la mayor parte de los temas.
Journey... se destacó también por haber sido una de las más tempranas grabaciones digitales. Lanzado solo 3 semanas después de la salida del album Bop Till You Drop de Ry Cooder, al que se cree el primer disco de música popular grabado digitalmente y editado por una discográfica importante. Stevie Wonder fue desde entonces un entusiasta adherente a la tecnología y la ha venido usando en todos sus discos posteriores, influenciando con su apoyo el surgimiento de la grabación digital en los 80.
También, Journey... mereció ser considerado el primer album New Age, por la fusión de ritmos y melodías internacionales. El tema "Overjoyed", que fue dejado fuera del álbum, posteriormente fue reescrito y regrabado con moderado éxito en el disco In Square Circle de 1985.
(fuentes: Wikipedia, IMDB, Allmusic y otras)
CD I
1. Earth's Creation (4:06)
2. The First Garden (4:48)
3. Voyage to India (4:15)
4. Same Old Story (3:44)
5. Venus' Flytrap and the Bug (2:25)
6. Ai No, Sono (2:06)
7. Seasons (2:53)
8. Power Flower (5:29)
9. Send one your love (3:05)
10. Race Babbling (8:51)
CD 2
11. Send one your love (4:01)
12. Outside My Window (5:29)
13. Black Orchid (3:47)
14. Ecclesiastes (3:42)
15. Kesse Ye Lolo de Ye (3:03)
16. Come Back As a Flower (4:59)
17. A Seed's a Star / Tree Medley (5:53)
18. The Secret Life of Plants (4:16)
19. Tree (5:47)
20. Finale (7:01)
editado: Octubre 30 de 1979
grabado: de Febrero a Abril de 1979
género: R&B (Rhythm & Blues)
discográfica: Motown
productor: Stevie Wonder
jueves 3 de diciembre de 2009
Liliana Herrero - Rarezas y Colaboraciones Vol.2
Cuando Liliana Herrero lanzó su disco Confesiones del viento, el diario Página/12 publicó una nota titulada "Los patrulleros de la cultura no pudieron con ella". El artículo, que repasa brevemente algunos aspectos de la carrera de Herrero, me pareció apropiado para presentar este segundo volumen de Colaboraciones y rarezas. Reproduzco entonces algunos fragmentos de la nota:
En el momento en el que Liliana Herrero empezó a hacer público a través de los discos su manifiesto estético –abordar la música tradicional argentina desde un punto de vista diferente–, un escalofrío pareció recorrer a ciertos supuestos dueños de verdades reveladas: tomaron como un desafío al statu quo aquello que era, apenas, una propuesta artística. Eso no ocurrió en el medioevo, ni en el siglo XIX, ni siquiera durante la dictadura militar 1976-1983. Ocurrió, sin que el público estuviese del todo enterado, durante los años del optimismo alfonsinista, cuando parecía que todo estaba por hacerse en un país que se ponía en marcha. Hubo críticos que se empeñaron en concurrir a sus conciertos para intentar destruirla con sus notas y hasta una acusación que sostenía que se dedicaba a vampirizar el talento de sus músicos. No era una conspiración de sordos, sino más bien una tarea vocacional de esa gente que en Brasil llaman los patrulleros de la cultura: le temían a lo nuevo, sencillamente, pero no lo decían con todas sus letras.
Herrero no proponía herejía alguna. Partiendo de una lógica sencilla, que es que en el folklore argentino casi todo lo que podía escribirse y componerse ya había sido escrito y compuesto, lo que exploraba era una nueva forma de interpretar el legado, de revivirlo, si era necesario. Hoy lo explica –“prefiero pensar el acto interpretativo como un comentario realizado sobre una versión tomada como original”, dice en el sobre interno de Confesión del viento, su nuevo disco– y antes sencillamente lo hacía, segura de que el deber del artista no es repetir una y otra vez lo que ha recibido, sino más bien intervenir la tradición, meterse con ella. Aquella actitud presuponía un entorno cómplice. La actual es fruto de un aprendizaje doloroso: a veces hay que explicar lo evidente, porque la malinterpretación es una enfermedad argentina. Hubo períodos en su carrera musical en que el costo de la independencia estética fue altísimo, en exclusión. Pero pasaron los años y de a poco aquello que parecía revulsivo empezó a conformar una nueva forma de tradición. Algunos de los antiguos enemigos empezaron a darle la bienvenida.
(...) Aquella cruzada solitaria, en medio de un fuego por momentos a mansalva, fue llenándola de aliados. Por un lado, un público deseoso de novedades, no necesariamente consumidor de folklore, que entró en su mundo eligiendo sus versiones de temas como versiones necesarias. Por otra parte, gestores culturales que sintieron que difundir una obra al tiempo clásica y al tiempo renovadora era realizar un aporte a un debate aún posible en el campo de la cultura argentina. Finalmente, muchos de sus colegas –de Mercedes Sosa a Fito Páez, su productor y amigo, desde Juan Falú a Iván Noble– que la entendieron como una artista única del panorama argentino contemporáneo. (...)
La gran cantidad de colaboraciones que ha grabado Herrero en discos de otros artistas se explican, en parte, por esas alianzas de las que habla el artículo. Bienvenidos a la Monga! se complace en presentarles hoy la segunda parte de Rarezas y Colaboraciones, una recopilación hecha por el equipo de investigadores del blog, que reune canciones cantadas por Herrero, pero que no se encuentran en sus discos.
En este Volumen 2 es posible encontrar varias canciones que forman parte de bandas de sonido de películas argentinas: Tema final de XXY, del film XXY; Cometa rojo, de la película Nordeste; El viaje junto a Néstor Marconi y Usuahia junto a Fito Páez, ambas de la película El Viaje; y una versión de Palabras para Julia, distinta a la del disco Confesiones del Viento, que se escucha durante los créditos finales de la película Kamchatka.
También van a encontrar aquí dos tangos cantados junto a Adrián Iaies, María y Naranjo en flor; Alma insiste y Laberintoso, junto a Nora Sarmoria; Llunqui shungulla con Nuria Martínez; Cantaré, del grupo Facón; una moderna versión de Vengo a ofrecer mi corazón, grabada con Fito Páez para el disco Canciones con Santa Fé; y por último, las dos que más me gustan de esta recopilación: la hermosísima canción de Lisandro Aristismuño, El plástico de tu perfume y una extraordinaria versión del tema de Cabrera, La casa de al lado, distinta a la del disco Igual a mi corazón, y grabada junto a Hugo Fattoruso.
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Esta foto, también es cortesía de lunes 23 de noviembre de 2009
Liliana Herrero - Rarezas y Colaboraciones Vol. 1
Esos discos, con un repertorio folclórico y una instrumentación y arreglos más cercanos al rock, fueron bien recibidos por algunos, pero bastante resistidos por otros. Sobre todo por un sector importante de la crítica. Recuerdo un comentario aparecido en Clarín allá por 1995 o 1996, antes del lanzamiento de El diablo me anda buscando... Además de no gustarle el estilo de Herrero, el autor argumentaba que el aporte de la artista era nulo, debido a que no era compositora de la música que interpretaba.
La crítica fue tan feroz y tenía tanta saña, que provocó la reacción de otros músicos. No sólo de sus amigos más cercanos, cómo Fito Páez, si no también de, entre otros, la gran interprete argentina: Mercedes Sosa, una figura a esas alturas indiscutible, y que tampoco fue compositora.
Todo esto no impidió que Herrero continuara experimentado, explorando los límites, creciendo como cantante, durante los veintidós años transcurridos desde ese primer disco grabado en una porta estudio de ocho canales.
La búsqueda permanente y la actitud renovadora la han relacionado con las vanguardias y los músicos más jóvenes, de la misma manera que sus investigaciones para rescatar del olvido o para encontrar nuevas lecturas del repertorio tradicional, y el prestigio adquirido en este tiempo, la acercan a grandes artistas populares como Mercedes Sosa o Teresa Parodi.
Esto la ha convertido, en los últimos años, en una de las cantantes que más ha grabado como invitada de otros artistas. Ayudando a impulsar a jóvenes artistas o grabando junto a otras figuras ya consagradas, Herrero le ha puesto la voz a una gran cantidad de canciones fuera de sus discos.
En estos días la discográfica Epsa Music, ha lanzado bajo el nombre de Catálogo, una caja que reune seis discos de Herrero como solista (Liliana Herrero, (1987), Esa fulanita (1989), Isla del Tesoro (1994), El diablo me anda buscando (1997), Recuerdos de provincia (1999), Confesión del viento (2003), el disco doble Litoral (2005), y un DVD grabado en vivo de 2007 junto a importantes invitados.
Enterados de esto, el equipo de investigadores de Bienvenidos a la Monga no quiso ser menos y comenzó a preparar lo que será el tercer lanzamiento de La Monga Records: una recopilación de canciones donde participa Liliana Herrero que se encuentran dispersos en los discos de distintos artistas, en bandas de sonido de películas o en discos colectivos.
El resultado está hoy aquí: Rarezas y Colaboraciones Vol. 1 es el primero de tres archivos repletos de canciones cantadas por Liliana Herrero que no van a encontrar en ninguno de sus discos oficiales. Ojo! No están todos. En el camino quedaron algunas canciones que no encontramos y otras que preferimos no incluir.
Este primer volumen recopila el repertorio más ligado al folclore: ¿Que será?, del disco Piojos y piojitos; Esa fulanita, Echen coplas y Nadie lo riega, grabadas en América en cueros, de Leda Valladares; Zamba del abuelo, con el bajista Willy González; Zamba del cielo, grabada junto a Mercedes Sosa y Fito Páez y editada en Cantora; Las voces del río, con Teresa Parodi; El cambá, grabado como invitada de La Chicana y Ay, por qué Dios me daría, con la percusionista Mariana Baraj.
Hay también grabaciones no oficiales en vivo, como la lindísima versión de El cosechero, junto al bajista Daniel Maza y Me voy quedando, del Cuchi Leguizamón, junto a Fito Páez en un concierto para la televisión. Por último queda mencionar mis dos canciones favoritas de esta recopilación: la bellísima Creciente de nueve lunas, con Rocio Palazzo, y la Zamba de la toldería, fabulosa versión que no me canso de escuchar del tema de Buenaventura Luna, grabada en Negro, disco de Horacio Fontova.
Decidí incluir, también, la Zamba del lino, un tema grabado por Herrero en 1973 e incluído en la recopilación El tiempo quizás... Esa recopilación, y por lo tanto ese tema grabado 16 años antes de su disco debut, se encuentra agotada y ha quedado fuera de la caja de Epsa. La Zamba del lino está cantada en un estilo muy diferente al que Liliana Herrero desarrollaría más tarde. Y es bellísima.
Que lo disfruten!
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La foto es cortesía de Sebastián Miquel
viernes 20 de noviembre de 2009
Cuchillo de palo - Cuchillo de palo
Hace un tiempo, Pirator, a quien conocí aquí en la red, me invito a participar de InsomniaWeb, un foro donde es posible compartir, no sólo música, si no también, y sobre todo, ideas. Fue allí, en InsomniaWeb, y en un post de Pirator, donde conocí y escuché por primera vez a Cuchillo de palo.
Durante diez años Juancho Perone (percusión y voz), Ivan Tarabelli (teclados) y Claudio Bolzani (guitarras y voz) fueron la banda que acompañaba a la cantante Liliana Herrero. Liliana Herero (1987) y Esa Fulanita (1989), los dos primeros discos de Liliana Herrero, en los que Perone, Bolzani y Tarabelli participaron, marcaron un quiebre en el folklore argentino. Como señala Pirator, hay en esos discos, una manera novedosa de trabajar los arreglos, los timbres y las texturas de la música.
Pero la participación de los integrantes de Cuchillo de palo no se limitó a un simple acompañamiento. Hablando acerca de Esa Fulanita, dice Liliana Herrero en su página oficial: "Los arreglos de este disco pertenecen a Juancho Perone, Iván Tarabelli, Roy Elder, Claudio Bolzani y Carlos Velloso Colombres. En Buenos Aires, Fito introdujo algunos "bocadillos"; arreglos de voces, algún que otro tecladito, en fin todas esas cosas que él sabe percibir y que, sumado a los arreglos de los chicos, transforman este disco en una suerte de estallido molotoff en medio de un juego con la cultura popular argentina. Yo sugerí texturas, colores, climas, dinámicas y, estimulada por estos músicos terribles, canté."
En la misma dirección apunta Perone en un reportaje publicado en el diario La Nación: "Con el trío armamos esa base novedosa que contrastaba tanto con la garra y el timbre de Liliana. Juntos diseñamos ese sonido, que forma parte de su propuesta actual y de la nuestra con Cuchillo de Palo".
El trío grabó en 2000 un disco títulado Cuchillo de palo, donde continúan explorando las texturas y formas del folclore, y que fue editado por la Municipalidad de Rosario. En la ya citada nota de La Nación, dice Perone: "Cuando nos preguntan, decimos que hacemos folklore cubista, porque desarmamos un tema para mirarlo desde otro lugar. No es nueva esta idea. Es algo que viene desarrollando gente como Dino Saluzzi o Eduardo Lagos. Para nosotros hacer una versión es como dar una opinión. Por eso tomamos temas clásicos que la gente tiene en la oreja, para que sepan cuál es nuestro punto de vista. Mientras uno no traiciona, eso está bien. Para el folklore no hay límites."
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miércoles 18 de noviembre de 2009
Dino Saluzzi - Dedicatoria
La primera vez que escuché a Saluzzi, fue en el maravilloso film Saluzzi, ensayo para bandoneón y tres hermanos, de Daniel Rosenfeld. Me cautivaron tanto el protagonista y su música como el film en sí mismo, y ese fue el punto de partida para comenzar a investigar en la obra del bandoneonista salteño.
La discografía de Saluzzi es extensa y abarca tres etapas: una primera etapa de música folclorica, de la cual sólo es posible conseguir una o dos recopilaciones; una segunda etapa (1978-1984) donde sin abandonar el repertorio folclórico se inclina hacia el jazz rock, a la que es posible acceder a través de Vivencias I y II, editados por el diario Página/12; y su etapa europea, tal vez la de más difícil acceso musicalmente, pero la más probable de encontrar en las disquerías.
Bienvenidos a la Monga ya publicó Bandoneón tierra adentro, Bandoneón tierra adentro Volumen 2 y Bermejo, discos que anteriormente no estaban disponibles en la red. Hoy me llena de alegría poder presentarles Dedicatoria, del año 1978.
Dedicatoria, que también está disponible en el blog Los que no se consiguen, es el disco donde Saluzzi comienza a transitar caminos diferentes. Aquí comienza la etapa Jazz-Rock de Saluzzi, que continuará en Bermejo y en el disco doble Vivencias.
La poca información que existe sobre Dedicatoria, la obtuve de un sitio japonés. Pese a mis escasos conocimientos del idioma, y gracias a la ayuda de mi dicccionario Japonés-Español, pude llegar a las siguientes conclusiones.
1) Este disco, muy apreciado en Japón, cuenta con la producción de Litto Nebbia y Rodolfo Alchourrón.
2) A los japoneses, grandes conocedores de la obra del bandoneonista salteño, les llama mucho la atención la inclusión de una lindísma versión de Juan Panadero, cantada por el propio Dino Saluzzi.
3) Dino Saluzzi se encarga de tocar, no sólo el bandoneon, si no que también toca la percusion y los sintetizadores, y como ya dijimos, canta.
4) Cuando estaba traduciendo los nombres de los músicos participantes me asaltó una duda, pues este sitio acredita como percusionista invitado a Manoro Juárez. Como ya dije, mis conocimientos del japonés no son muy bastos. Temí entonces estar errando y que se tratara del pianista Manolo Juárez, pero después de cerciorarme confirmé que los japoneses lo escriben así, Manoro y dicen que toca la percusión. Vean por ustedes mismos!.
5) Además tocan en el disco: Rodolfo Alchourrón (guitarra, percusión), Néstor Astarita (batería, percusión), Ricardo Domínquez (guitarra electrica, guitarra), "Chachi" Ferreyra (flauta), Santiago Giacobbe (piano electrico), "Nene" Giménez (percusión), Jorge "Negro" González (contrabajo electrico), José María Llorente (percusión), Litto Nebbia (sintetizadores, teclados, voces, percusción) y Mariano Tito (bajo electrico).
Que lo disfruten!
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lunes 16 de noviembre de 2009
Dauner, Mariano, Saluzzi - Live in Concert
Cortesía de nuestro amigo Pablo C, les presento hoy este fabuloso disco. Grabado en vivo en Hamburgo, Alemania, en 1990, es el tercero y último de los discos que grabaron juntos. Antes habían editado One Night in '88 y Pas de Trois.
Wolfgang Dauner es un pianista y compositor alemán. Durante los 70 lideró varias bandas de jazz fusión, con las que incluso montaba piezas de teatro, o segmentos de ópera y danzas durante sus permformances. Estudió trompeta, piano y composición en la escuela de música de Stuttgart.
Charlie Mariano, fallecido recientemente en Junio, fue un saxofonista americano. Tocaba el saxo alto que nació en Boston, Massachusetts y murió en Colonia, Alemania, donde se había mudado a Colonia a mediados delos '70. Tocó con numerosos músicos, entre ellos Stan Kenton big bands, Toshiko Akiyoshi, su primer esposa, Charles Mingus. En alemania tocó con Eberhard Weber, the United Jazz and Rock Ensemble, la banda liderada por Dauner y con otros importantes músicos.
Timoteo "Dino" Saluzzi, es un bandoneonista y compositor nacido en la provincia de Salta, Argentina. Saluzzi inició su carrera en Salta, para mudarse muy joven a Buenos Aires, donde trabajó como músico sesionista y en orquestas. Saluzzi se trasnformó pronto en un bandoneonista con un estilo propio y empezó a liderar su popia banda. Esto no detuvo su búsqueda, y su música siguió creciendo y cambiando. Desde mediados de los '80s, Saluzzi reparte su tiempo entre Europa, donde habitaulmente es invitado a tocar y grabar, y Salta, donde vive su familia.
La hermosísima versión de Se va la murga, de Jaime Roos, con la que empieza el disco, lo deja a uno con ganas de más... Y por suerte hay más. Mucho más
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sábado 14 de noviembre de 2009
Les Primitifs du Futur - Cocktail d'amour
La historia de Les Primitifs du Futur comienza en 1986, cuando Robert Crumb fue invitado al festival de Comics de Angoulême. Después del festival, Crumb se quedó viviendo unos meses en París. Como es sabido, Robert Crumb es un admirador de los discos de los '20 y los '30. Principalmente discos de blues y country, pero tambien música francesa, como la variedad popular de la musette parisina. La musette es un estilo musical que fue predominante en Paris en los años '30, donde el acordeón es el instrumento principal.
Dominique Cravic comparte con Crumb esta pasión y, junto a su amigo Didier Roussin, había formado algunos conjuntos con los que tocaban blues. Cuando Crumb y Dominic Cravic se encontraron y descubrieron sus pasiones en común, el resultado natural fue una espontánea “jam”. Entusiasmados con los resultados, grabaron un disco con seis temas, donde conviven el blues y la musette: Cocktail d'amour.
El disco original fue lanzado en 1987, en una edición límitada en vinílo que es hoy una pieza de colección. En la reedición que hoy presentamos aquí, los seis primeros tracks corresponden a Cocktail d'amour; los siguientes 12 temas están interpretados por Bluestory y por The New Blue 4, dos de los grupos de blues fundados por Cravic y Roussin.
Partiendo desde Cocktail d'amour y a través de los discos siguientes, Trop de Routes, Trop de Trains (1993) y World Musette (1999), es posible escuchar la evolución y el crecimiento de la banda hacia esa fascinante mezcla de rumba, tango, blues, de vals y de mussette, que ellos denominaron precisamente como World Mussette (Mussette mundial) música popular de raíz francesa, pero de carácter cosmopolita.
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martes 10 de noviembre de 2009
Kessel, Manne & Brown - The Poll Winners
Esta banda se formó un día que llovía, por eso le pusieron... Los ganadores de encuestas. Bueno en realidad no fue exactamente por lo de la lluvia, si no más bien por el hecho de que sus integrantes habían sido elegidos por el público de distintas revistas, como los mejores en sus repectivos instrumentos.
El guitarrista Barney Kessel, el contrabajista Ray Brown, y el baterista Shelly Manne, ganaron las encuestas del año 1956 en las revistas Down Beat, Metronome y Playboy, votados por los lectores. Kessel y Brown ya habían tocado juntos en el Trío de Oscar Peterson, y en numerosas sesiones de grabación.
Kessel había comenzado su carrera en una banda liderada por el cómico Chico Marx. Rapidamente se posicionó como un guitarrista clave en la era post Charlie Christian. Tocó con Charlie Parker, Oscar Peterson y Sonny Rollins, entre otros. Fue elegido mejor guitarrsita por los lectores de las revistas Esquire, Down Beat, Playboy entre 1947 y 1960. Durante los '60s Kessel se covirtió en uno de los maás requeridos sesionistas: grabó con Phil Spector, The Beach Boys & The Monkees.
Hasta que hace unos días nuestro amigo Braulio me hizo llegar este disco, yo nunca había escuchado a Barney Kessel y nada sabía de él. Kessel es, en verdad, un guitarrista sorprendente. Con talento y un sonido claro e innovador para la época, Kessel ayudó a la guitarra a ganarse un lugar entre los instrumentos de jazz.
Recordemos que no fue hasta después de la Segunda Guerra Mundial, cuando los pequeños grupos empezaron a tener aceptación, que la guitarra fue considerada un instrumento versátil, y usada tanto para acompañamiento rítmico o como instrumento solista y melódico. Fueron Barney Kessel, Kenny Barrel, Herb Ellis y Tal Farlow quienes convirtieron a la guitarra en un instrumento "serio".
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domingo 8 de noviembre de 2009
John Pizzarelli, "John Pizzarelli Meets the Beatles" (1998).
En 1993 el John Pizzarelli Trio hizo de telonero en una de las últimas giras de Frank Sinatra, llegando a participar en la celebración del 80 cumpleaños de este en el Carnegie Hall. En 1997 participó en la producción de Broadway Dream, un homenaje al compositor Johnny Mercer. Su disco de 1998 Meets the Beatles, le presenta reinterpretando canciones clásicas del grupo de Liverpool, y al año siguiente rindió homenaje a una de sus más grandes influencias, Nat King Cole, con P.S. Mr. Cole. Pizzarelli firmó en 1999 con el sello Telarc y grabó dos discos de estándares, Kisses in the Rain y Let There Be Love, en 2000. Desde entonces, ha grabado un disco con el pianista George Shearing y ha celebrado sus diez años de música con su trío grabando un disco en directo Live at Birdland en 2003.
Apartándose por un momento del swing, Pizzarelli grabó Bossa Nova en 2004, cantando composiciones de Antonio Carlos Jobim como "The Girl from Ipanema" y "Aguas de Março". En 2005 presentó nuevos estándares en Knowing You y, respaldado por la Clayton-Hamilton Jazz Orchestra, le ha rendido homenaje a Sinatra en 2006 con Dear Mr. Sinatra.
tomado de la Wikipedia.
01 - Can't Buy Me Love 03:36
02 - I've Just Seen A Face 02:48
03 - Here Comes The Sun 05:04
04 - Things We Said Today 04:16
05 - You've Got To Hide Your Love Away 03:27
06 - Elenor Rigby 05:03
07 - And I Love Her 03:56
08 - When I'm 64 02:45
09 - Oh Darling 04:04
10 - Get Back 04:00
11 - Long And Winding Road 03:46
12 - For No One 03:12
John Pizzarelli - guitar, vocals
Martin Pizzarelli - bass
Ray Kennedy - piano
viernes 6 de noviembre de 2009
Varios - Brazil: Forró - Music for maids & taxi drivers
El Forró es una denominación bajo la cual se agrupan distintos ritmos bailables, propios de las zonas rurales del Nordeste de Brasil. Estos ritmos, habitualmente se tocan con acordeón y un ritmo rápido y sincopado, similar al samba.
El subtítulo del disco, Música para mucamas y conductores de Taxi, se refiere al hecho de que para muchos brasileros, el forró es un ritmo rural, propio de la clase trabajadora que migra hacia las ciudades.
Joe Sixpack, autor de Slipcue, compara el fenómeno del Forró con el de la música Mariachi en México, o a la cumbia colombiana: si bien algunos pocos artistas com Luiz Gonzaga o Jackson do Pandeiro, alcanzaron éxito a nivel nacional, cientos de artistas han grabado para pequeños sellos regionales. El forró alcanzó gran popularidad en los '50s, pero fue marginado durante el reinado de la bossa nova, para ser rescatado por los tropicalistas en los '70s. Revitalidado el forró, surgieron nuevas estrellas, como Elba Ramalho, que inrodujo elementos disco y de pagode, en el viejo estilo campesino.
Esta recopilación reúne canciones de cuatro artistas que, al momento de grabarlo, gozaban de cierta popularidad en el Nordeste de Brasil, pero nunca habían ingresado al estudio. La idea del proyecto fue del productor y flautista Zé da Flauta, que al conocer a Duda da Passira y Toinho de Alagoas, resolvió hacerlos grabar algunas canciones, sumando a Heleno dos Oito Baixos y José Orlando. El disco, ganó en 1991 un premio Grammy Awards en la categoria "Traditional Folk".
A bailar amigos. A bailar con las mucamas y los conductores de de taxis!
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martes 3 de noviembre de 2009
Varios - O Doutor do Baião
Y ahora, mis queridos amigos, es tiempo de un poco de Forró!!!!
Como ya hemos dicho anteriormente, el Forró agrupa una variedad de estilos musicales y danzas típicas del nordeste de Brasil. Con un ritmo sincopado y generalmente tocado con acordeon, el Forró perdió protagonismo con el auge de la Bossa Nova, pero los tropicalistas lo rescataron del olvido en los 70's.
Uno de los géneros incluídos en la denominación Forró es el baião. Humberto Teixeira, conocido como el "Doutor do Baião" fue abogado, diputado, compositor y letrista de muchos de los éxitos de Luiz Gonzaga, "O Rei do Baião". Juntos, entre 1945 y 1950, compusieron muchos de los grandes éxitos del género, entre ellos canciones emblemáticas como Asa Branca.
Teixiera, nació el 5 de enero de 1915, en Iguatu, Ceará, una zona semi árida del nordeste de Brasil. Estudió mandolina y flauta y a los 15 años se mudó a Rio de Janeiro para estudiar medicina. Más tarde cambiaría esta carrera por la de Derecho, recibiendose en 1943.
Fue en su estudio de abogado donde un día llegó a verlo Luis Gonzaga, que buscaba un letrista conocedor de los ritmos populares del nordeste. Durante todo los años pasados desde su partida de Ceará, Humberto Teixeira había continuado componiendo, y algunos de sus temas, como Sinfonia do Café, habían alcanzado gran éxito, grabados por distintos interpretes. Sin embargo, lo que surgió de la reunión que esa noche tuvieron Luiz Gonzaga y Humberto Teixeira, fue una revolución.
El panorama musical de Brasil estaba dominado por el samba-canção y los ritmos importados de Estados Unidos. Gonzaga y Teixeira decidieron que, de todos los ritmos nordestino, el más apto al oído urbano era el baião, y reemplazaron los instrumentos típicos regionales por el acordeón, la zambomba y el triangulo. La llegada de este ritmo, cambió los rumbos de la Música Popular Brasilera.
EL Doctor del Baião también escribió junto a otros compañeros como su cuñado Lauro Maia, o Sivuca, con quien compuso Adeus, Maria Fulô ( grabada por los Mutantes en 1968), pero fue junto a Gonzaga con quien logró mayores éxitos. La sociedad se terminó en 1950 cuando Teixeira fue electo Diputado Federal.
Humberto Taixeira falleció en Rio de Janeiro el 3 de octubre de 1979, víctima de un infarto. Su hija, la actriz Denise Dumont fue quien gestó el homenaje plasmado en este disco.
O Doutor do Baião incluye los mayores éxitos de Teixeira interpretados por artistas consagrados que crecieron escuchando la música de Gonzaga y Teixeira en la radio: Elba Ramalho, Fagner, Chico Buarque, Gilberto Gil, Gal Costa, Maria Bethânia, Caetano Veloso y Lenine.
Los cuatro primeros temas fueron grabados en estudio. Maria Bethânia abre con “Asa Branca”; Caetano Veloso canta la poco conocida “Baião De Dois”; Sivuca y Gal Costa interpretan “Adeus Maria Fulô”, composición de Sivuca y Humberto Teixeira; finalmente Chico Buarque canta una versión inolvidable de “Kalu”.
Los siguientes 14 temas fueron grabados en vivo en el Teatro Rival, de Rio de Janeiro, durante la ceremonia de entrega del Premio Humberto Teixeira, la noche del 27 de agosto de 2002. Carmélia Alves, la mayor cantante femenina del género, la banda pernambucana Cordel do Fogo Encantado, Gilberto Gil, Lenine, Zeca Pagodinho, Fagner y Elba Ramalho. Al final, todos juntos cantan, junto al acordeonista Sivuca, una versión de Asa Branca.
Un disco lindísimo!!!!
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domingo 1 de noviembre de 2009
Milton Nascimento, "Clube da Esquina 2" (1978).
datos tomados de la AMG.
faixas
1. Credo.
2. Nascente.
3. Ruas da cidade.
4. Paixão e fé.
5. Casamiento de negros.
6. Olho d'agua.
7. Canoa canoa.
8. O que foi feito deverá
9. Mistérios
10. E daí
11. Canção amiga.
12. Cancion por la unidad de Latino America.
13. Tanto.
14. Dona Olympia.
15. Testamento.
16. A sede do peixe.
17. Léo.
18. Maria Maria.
19. Meu menino.
20. Toshiro.
21. Reis e rainhas do maracatú.
22. Que bom amigo.
jueves 29 de octubre de 2009
João Gilberto - Amoroso / Brasil
No soy un amante de este tipo de arreglos y creo que Ogerman en combinación con Jobim han producido verdaderos hitos de la música para ascensores. Los arreglos de Amoroso no dejan dudas al oyente de que el disco ha sido grabado en los 70`s, pero no tienen el carácter pretencioso de otros trabajos de Ogerman, ni apagan la deliciosa voz de Gilberto. Momentos como "Besame mucho" son memorables.
Joe Sixpack, autor de Slipcue.com, lo recomienda para una tarde tranquila en casa.
Brasil, que empieza en el track 9, es un disco sencillamente maravilloso. Caetano Veloso, Gilberto Gil y Maria Bethania acompañan a João Gilberto en el disco que marcó su regreso a Brasil, después de muchos años en el exterior.
Grabado en 1981, Brasil es un disco bellísimo. Gilberto, Caetano, Gil y Bethania cantan, alternandose, los versos de una misma canción, logrando un contraste en cuanto a los distintos fraseos, pero empatados en suavidad y dulzura.
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sábado 24 de octubre de 2009
Milton Nascimento, "Sentinela" (1980).
En 1972, trabajó junto a sus compañeros, los letristas Márcio Borges, Fernando Brant, Ronaldo Bastos y otros amigos más para grabar el disco Clube da Esquina, un álbum doble que obtuvo tres hits, entre ellos "Cais" y "Cravo é Canela". Esos temas siguen al día de hoy teniendo nuevas grabaciones y ya se han transformados en standards del Brasil a lo largo de los años. Desde aquel entonces Milton comenzó a grabar, comenzando con un álbum solista cuyo título fue su propio nombre, y a lo largo del tiempo Nascimento ya ha compuesto y grabado alrededor de 30 álbumes.
Este disco es un relanzamiento en CD del original de 1980, el primero para el sello Polygram después de que Milton Nascimento dejara el sello EMI. El álbum tuvo el apoyo fundamental de la percusión melódica del grupo Uakti, de Minas Gerais, además de las habituales orquestaciones muy cargadas. Nascimento tuvo un gran éxito con "Canção da América", pero varias canciones deben ser mencionadas por sus fuertes características melódicas, como la folklórica "Peixinhos do Mar", "Sueño con serpientes" (con Mercedes Sosa), "Cantiga" de Villa-Lobos, y "Sentinela" (con la cantante Nana Caymmi mostrando su fuerte y personal voz, de timbre similar a la de Nascimento, que sirve maravillosamente para mostrar la idea de devoción religiosa.)
datos tomados de la AMG.
faixas
01. O Velho.
02. Peixinhos Do Mar.
03. Tudo
04. Canção da América.
05. Sueño con Serpientes.
06. Roupa Nova.
07. Povo de Raça Brasil
08. Sentinela.
09. Caicó (Cantiga].
10. Bicho Homem.
11. Itamarandiba.
12. Um Cafuné na cabeça, Malandro, Eu quero até de Macaco.
13. Peixinhos Do Mar [Coro]
viernes 23 de octubre de 2009
Quintette du Hot Club de France - 25 Classics 1934-1940
Esta recopilación del Quintette du Hot Club de France llega a nosotros por cortesía de Braulio. El disco lleva por subtitulo The quintessential Django Reinhardt & Stéphane Grapelli, y según dice, Allmusic.com, de donde tomé alguna información para escribir el texto que sigue, es la mejor recopilación del conjunto liderado por el guitarrista gitano.
Si bien Django Reinhardt y el violinista Stéphane Grappelli solían improvisar juntos en los mismos clubes, fue Pierre Nourry, gerente del Hot Club, quien en 1934 les propuso la idea de formar una banda de cuerdas. Así surgió el Quintette du Hot Club de France. El quinteto original estaba formado por Reinhardt, Grapelli, Joseph Reinhardt, hermano de Django y Roger Chaput, en guitarras rítmicas, y el contrabajista Louis Vola.
Durante los años '30, el grupo giró con gran éxito por Europa. Se hicieron particularmente populares en Gran Bretaña, alcanzando un prestigio que creció en todo el continente y llegó a los Estados Unidos. Fue ese prestigio el que hizo que artistas como Rex Stewart, Louis Armstrong y Eddie South, pidieran zapar con la banda en sus giras europeas. Duke Ellington quedó tan impresionado por el guitarrista, que intentó contratarlo para su orquesta para una gira, pero fue en ese momento cuando empezó la Segunda Guerra Mundial.
Paréntesis. En 1933 el Duke había intentado contratar a Oscar Alemán, que debió rechazar la oferta pues tenía un contrato firmado con Josephine Baker. Aquí, en Bienvenidos a la Monga, pueden encontrar las primeras grabaciones de Alemán con su conjunto Les Loups. Cierra paréntesis.
Con el comienzo de la guerra Reinhardt dejó Inglaterra para volver a Francia; Grappelli en cambio, decidió quedarse. Durante siete años no volvieron a tocar juntos, pero Django Reinhardt decidió seguir adelante con el grupo, substituyendo miembros e instrumentos: en algunos períodos el quinteto llegó a ser sexteto, e incorporó un clarinetista y un baterista.
En 1946 Reinhardt viajó a Estados Unidos para unirse a la banda de Ellington, con quien realizó una gira. De vuelta en Francia volvió a reunirse con Grapelli y el quinteto con su instrumentación original, pero la insatisfacción de Reinhardt era evidente: Django quería salirse de la formula de la banda y tocar bebop. La banda finalmente se disolvió en 1948.
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miércoles 21 de octubre de 2009
Itzhak Perlman & John Williams - Duos for violin and guitar
Como ya he dicho en otras ocasiones, la música clásica no es, generalmente, lo que elijo escuchar. Sin embargo, es agradable dejarse guiar hacia nuevos universos sonoros y, desde que descubrí este fabulosa grabación de los Dúos para Violín y Guitarra de Paganini y Giuliani, lo escucho y lo elijo una y otra vez.
Los interpretes de las obras de Paganini y Giuliani, son el reconocido violinista Itzhak Perlman y el genial guitarrista John Williams.
Dice Wikipedia que Itzhak Perlman es uno de los más famosos violinistas de la segunda mitad del siglo XX. Nacido en Israel en 1945, contrajo poliomielitis a los cuatro años. La enfermedad le dejó secuelas que lo obligaron a utilizar muletas y a tocar sentado.
Estudió en la Academia de Música de Tel Aviv, antes de mudarse a los Estados Unidos, donde se presentó a la audiencia norteamericana en el programa de Ed Sullivan en 1958. A los 13 años ingresó en la Juilliard School, en la que estudió con Ivan Galamian y Dorothy DeLay. Debutó en el Carnegie Hall como solista en 1963.
Actualmente Itzhak Perlman reside en Nueva York. Además de tocar y grabar música clásica, Perlman también toca jazz y klezmer. Su versión de los 24 Caprichos de Paganini es una de sus grabaciones más conocidas.
El autraliano John Williams es hijo de un guitarrista de jazz inglés. Aprendió y dominó la guitarra desde muy pequeño, y en 1952 se traslada con su familia a Londres, donde estudia en la Royal College of Music y posteriormente con el guitarrista Andrés Segovia.
John Williams es considerado como uno de los guitarristas clásicos más importantes del mundo. También ha compuesto varias obras para guitarra, y ha rescatado y grabado música folclórica de lugares como Venezuela y África.
Creeme si te digo que vale la pena averiguar de que se trata!
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lunes 19 de octubre de 2009
Edgar meyer - Bach Unaccompanied Cello Suites Performed on Double Bass
Edgar Meyer es un contrabajista estadounidense nacido en 1960. No es un músico fácil de encasillar ya que domina diversos estilos. Meyer se mueve con comodidad, como interprete y como compositor, en la música clásica, el bluegrass y el jazz. Aprendió a tocar el contrabajo con su padre y luego estudió en la Universidad de Indiana.
Su habilidad y virtuosismo le permiten lograr sonidos de un rango que uno creería imposibles para un contrabajo y desarrolla una forma melódica de tocar un instrumento relegado a un lugar de soporte, precisamente debido a su timbre. Esta técnica, le ha permitido tocar en el contrabajo obras originalmente compuestas para otros instrumentos como las Suites para chelo de Bach, que hoy presentamos aquí.
A partir de su re descubrimiento por Pau Casals, todos los grandes chelistas han interpretado estas Suites en algún momento de su carrera: Desde la ya mencionada y hermosa versión de Rostroprovich hasta la mega estrella Yo-Yo Ma. Dicen los que saben que la interpretación de Meyer se acerca, por su intención, a la de Casals. Aunque claro, las características del instrumento de lan un tono más oscuro.
Postear este disco es una vieja deuda que tenía conmigo mismo. Desde que Carlos publicó en su viejo blog la versión de Rostroprovich estuve dándole vueltas al asunto. La música culta no es mi fuerte y no es lo que más escucho, pero cada tanto es agradable darse una vuelta por estas sonoridades a las que aún no he domesticado mi oído.
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jueves 15 de octubre de 2009
Enlaces reparados
Así, como ilustra la foto, fue la cara que pusieron todos los que estaban en las oficinas de Bienvenidos a la Monga cuando vieron aparecer al administrador de este blog, el desaparecido Diego O'rei.
Y un par casi se desmayan cuando lo vieron ponerse a trabajar en reparar los enlaces. Es que hace tiempo que prometía en vano dedicarse a repararlos y siempre encontraba una excusa para postergarlo.
Entonces, señoras y señores, tal y como habíamos prometido a muchos y hace mucho, estamos trabajando en poner el sitio a punto. Faltan, todavía, un par de enlaces que serán actualizados en las próximas horas, mientras tanto, aquí están, estos son, los links arreglados, y son un montón.
Eduardo Lagos - Dialecto
Carlos Gardel - Evocaciçon lunfa
Totem - Totem (1971)
Caetano Veloso & Zé Wisnik - Onqotô
Milt Jackson & John Coltrane - Bags & Trane
Stevie Wonder - Innervisions
Stevie Wonder - Talking Book
Têtes raides - Ginette (10 ans)
Varios - Hot Woman
Varios - Revolution Rock, a Clash jukebox
domingo 11 de octubre de 2009
Luiz Bonfá, "Luiz Bonfá Plays and Sings Bossa-Nova" (1962).
Nacido cerca de la bahía de Guanabara en Río -su padre fue un inmigrante italiano-, Bonfá tomó la guitarra a los 11 años y estudió guitarra clásica con el maestro uruguayo Isaias Savio. Luiz comenzó a trabajar como cantante en los clubes de Rio con los Quitandinha Serenaders, y allá por 1946 ya estaba apareciendo en la Radio Nacional de Brasil. Para el 57, Bonfá estaba comenzando a dividir su tiempo entre New York y Rio, viajando a EEUU con la cantante Mary Martin, además de escribir y grabar para el cine brasileño.
El punto de viraje en su carrera llegó en 1959, cuando el director de cine Marcel Camus le pidió a Luiz que contribuyera con algunas canciones a su versión fílmica de la obra Orfeo do Carnaval (que sería retitulada Black Orpheus en la pantalla). El director originalmente rechazó el tema "Manha de Carnaval" como tema principal del filme, pero después de intentar con lo que consideró una segunda tentativa inferior, Bonfá volvió a pelear por su primer tema y logró su cometido; y el tema se convirtió en un standard del pop/jazz/folk global.
A finales de los 50 y en los 60, Bonfá comenzó a grabar diferentes álbumes para el mercado americano, en los sellos Capitol, Dot, Atlantic, Cook, Philips, Epic y Verve; y él y sus canciones aparecieron prominentemente en el álbum Jazz Samba Encore, junto a Jobim y Stan Getz. Sus habilidades como compositor fueron solicitadas en los lugares más impredecibles; por ejemplo, escribió para Elvis Presley la empalagosa "Almost in Love" (incluida en el olvidable filme de 1968 Live a Little, Love a Little).
El perfil de Bonfá desapareció virtualmente en América después de los 60, aunque continuó escribiendo y saliendo de gira, registrando en definitiva más de 50 álbumes. Pero resurgió en las disquerías de USA después de una brecha de 15 años en 1989, con el disco Non-Stop to Brazil para el sello Chesky, a lo que le siguió el deslumbrante The Bonfa Magic en 1991 (lanzado localmente por el sello Milestone) y también Moods en 1993 para el sello GSP. La banda de sonido original de Black Orpheus está disponible en edición CD por el sello Verve, una muestra de primera mano de Bonfá y Jobim encendiendo la antorcha para la explosión mundial de la música brasileña.
En enero del 2001, Luiz Bonfá murió de cáncer en Río de Janeiro.
tracks
1. Samba de Duas Notas (Two Note Samba)
2. Vem So (Come Here, My Love)
3. Sambalamento
4. Tristeza (Brazilian Blues)
5. Manha De Carnaval (Morning Of The Carnival)
6. Silencio Do Amor (The Silence Of Love)
7. Domingo A Noite (Sunday Night)
8. Ilha De Coral (Coral Island)
9. Adeus (Goodbye)
10. Quebra Mar (The Sea Wall)
11. Amor Que Acabou (The End of Love)
12. Chora Tua Tristeza (Cry Your Blues Away)
13. Bossa Nova Cha Cha
sábado 3 de octubre de 2009
Naná Vasconcelos, "Saudades" (1979).
Naná Vasconcelos nació en Pernambuco, nordeste del Brasil, tierras tan famosas por sus sequías y pobreza material como por su enorme fertilidad cultural y religiosa. Esos extremos han sabido confluir en un arte en expansión que conforma gran parte del imaginario cultural brasileño. De ese universo forman parte los míticos cangaceiros, la literatura de cordel, los músicos repentistas, la capoeira, el cinema novo de directores como Glauber Rocha y la renovación de la música popular brasileña con figuras que van de Dorival Caymmi, Luis Gonzaga y Joao Gilberto a Caetano Veloso, Gilberto Gil y más recientemente Carlinhos Brown, Chico Science o Lenine. Con muchos de ellos ha tocado y grabado Naná; y todos son herederos de un clima caliente en ritualidad donde las numerosas manifestaciones religiosas de origen africano hacen que el sincretismo sea un gesto natural del nordestino. Tanto como su tendencia a emigrar y buscar nuevas regiones, alejadas de la aridez material, aunque quizás menos ricas en rituales y memorias de tiempos sin memoria.
Por eso, aunque comenzara su carrera acompañando también en sus inicios al gran Milton Nascimento, logró atraer la mirada musical de su país al trabajar con músicos ligados al jazz, como los argentinos Gato Barbieri y Agustín Pereyra Lucena y luego Don Cherry, Collin Walcott, Ron Carter, Lenny White o Pat Metheny. Por estos trabajos la revista especializada Down Beat lo destacó en varias oportunidades como mejor percusionista del mundo.
Fue, además, uno de los primeros músicos que independizó al berimbau de su uso tradicional en la capoeira, al hacerlo actuar incluso como solista junto a una orquesta sinfónica y siempre aplicando su concepción orquestal de la percusión, con la que ha enriquecido las posibilidades armónicas y tímbricas de lo percusivo. Admirador del compositor brasilero Heitor Villalobos, que desde la tradición de la música erudita se acercó e integró a sus composiciones los sonidos y estructuras de la música popular del Brasil, Naná toma un impulso desde las mismas raíces de la música popular y religiosa nordestina y hace crecer paisajes desbordantes a su alrededor, con una capacidad visual que plasmó en los discos que hizo junto a otro gran explorador como Egberto Gismonti y en todos sus creaciones para bandas sonoras de películas y agrupaciones de teatro y danza contemporánea.
Siempre interesado por el tema del cuerpo, ha desarrollado una técnica de percusión corporal que practica no sólo en sus grabaciones y conciertos sino en sus talleres destinados a transmitir nociones rítmicas corporales a todo tipo de personas, no sólo músicos o bailarines. Estos conceptos, además, los aplica en su Pernambuco natal en un programa de desarrollo social a través del arte - ABC das Artes Flor do mangue - para niños carenciados materialmente, obra que él mismo sostiene. El trabajo con niños había nacido de un proyecto de investigación sobre las posibilidades de curación de la música que realizó en Francia, donde colaboraba con un médico en la rehabilitación de chicos con dificultades de coordinación motora. Con ellos se comunicaba con los sonidos, en una forma natural de diálogo sanador que tenía como protagonista principal al berimbau, su instrumento preferido y el que dice tocar mejor. Aunque lo hayan destacado, justamente por sus capacidades técnicas, como mejor percusionista del mundo y aunque su música sea a veces catalogada como étnica, world music, jazz o ambient, él mismo se encarga de salirse de toda clasificación. Para Naná Vasconcelos, la música es algo sagrado: "Me gusta traer personas que tengan algo natural, verdadero que mostrar, y nada más natural que los pigmeos que son los verdaderos minimalistas. La tradición es la madre eterna de todo lo que traemos de creativo, moderno es sólo un nombre, un desfile y un hijo de la tradición, el hijo más joven se llama Internet".
TEXTO DE DIEGO RAMOS
para:
http://www.temakel.com/musicananavasconcelos.htm
faixas
01. O Berimbau
02. Vozes (Saudades)
03. Ondas (Na óhios de Petronila)
04. Cego Aderaldo
05. Dado
jueves 24 de septiembre de 2009
Stephane Belmondo, "Wonderland" (2002).
Posteriormente se trasladó a París, donde trabajó con músicos como René Urtreger, Alby Cullaz y Michel Graillier, uniéndose después a la big band 'Lumière' de Laurent Cugny, con quienes grabó dos discos. En 1987 lo escuchó Chet Baker en un concierto e invitó al joven músico a participar en el concierto que ofrecería la siguiente noche, donde lo presentó a la audiencia como el más prometedor trompetista de su generación en Europa.
En 1993 los hermanos Lionel y Stéphane se juntan para formar un quinteto, aunque también se unieron para un trío con la cantante Dee Dee Bridgewater, que preparaba un proyecto con el que rendir tributo a uno de los padres del hard bop, el pianista Horace Silver.
Stéphane vivió varios años en Nueva York, donde tocó con músicos como Toshiko Akiyoshi, Al Foster, Mark Turner y David Kikoski. También se volvió a unir a Bridgewater para una gira americana. En 1999 volvió a París para unirse a su hermano y contribuir a las incursiones experimentales del pionero de la música electrónica DJ Frédéric Galliano y posteriormente grabar el tercer álbum del Belmondo Quintet.
Aunque gran parte de esta selección viene de temas de Stevie que los oyentes conocen más que bien, Stéphane Belmondo no fue en busca de las más famosas canciones de Stevie Wonder en este disco dedicado a su música. Dentro de un cuarteto en el que estuvo Eric Legnini al piano, Stéphane encara estas melodías memorables que se prestan sorprendentemente bien para improvisaciones de jazz. Además de ocupar genialmente su posición de trompetista, Belmondo encara también instrumentos varios para explorar el sonido Wonder que aquí se hace, literalmente, una wonderland: una tierra de maravillas. Su hermano Lionel también ha organizado con Stephane algunas piezas, ocupándose de la flauta, el clarinete y clarinete bajo. Aunque se mueven con una pasmosa solvencia en una instrumentación netamente acústica, la música de este álbum sigue siendo fiel a las versiones originales de Wonder. El lirismo reina de manera suprema y confiere inesperada riqueza armónica a los temas.
1. Creepin'
2. You Will Know
3. All In Love Is Fair
4. Too High
5. The Secret Life of Plants
6. Girl Blue
7. Visions
8. Another Star
9. You´ve Got It Bad Girl
10. Too Shy to Say
domingo 20 de septiembre de 2009
Till Brönner, "Midnight" (1997).
Till se formó en Roma y recibió formación clásica en la escuela jesuita Aloisiuskolleg, a lo que le siguió el estudio jazzístico de la trompeta en la academia de música de Colonia, con profesores como Jiggs Whigham y Jon Eardley.
datos tomados de la Wikipedia.
1. What's Going On
2. Midnight
3. Little Giant's Talking
4. Highway to Heaven
5. Reporting from Rangoon
6. Don't You Worry 'Bout a Thing
7. In the Meantime
8. Check That
9. Tribeca
10. Racer
11. Morning Ride
12. Waiting
domingo 6 de septiembre de 2009
Sonny Rollins, "Jazz Profile" (comp. 1988).
Con una progresiva maduración artística e instrumental, Sonny Rollins grabaría en 1953 y 1954 al lado de The Modern Jazz Quartet, Tkelonious Monk, Art Farmer y especialmente, con Miles Davis, y en una de esas sesiones de grabación, tuvo por fin la oportunidad de grabar con su idolatrado, Charlie Parker. En aquel año presentó sus primeras composiciones y algunas de ellas se han convertido con el paso del tiempo en estándares del jazz, como "Óleo", "Airegin" y "Doxy". Dejó New York con una excelente reputación y se instaló en Chicago donde coincidió con su amigo, el baterista Max Roach, que actuaba con un quinteto en el que estaba Clifford Brown a la trompeta. Roach le propuso unirse a ellos en sustitución del saxo tenor Harold Land, y su permanencia con el baterista duró un año y medio.
Sonny Rollins grabaría al año siguiente el disco cumbre de su carrera: "Saxophone Colossus" (Prestige, 1956) con Tommy Flanagan al piano, Doug Watkins al bajo y Max Roach a la batería. En ese disco está el tema "St. Thomas", una composición que inaugura las inclinaciones de Rollins por el calipso -una herencia materna - y la obra maestra, "Blue Seven", un blues conceptualmente extraordinario. Aquel gran año, se cierra con Sonny Rollins The Jazzman de Thelonious Monk en el disco "Brilliant Corners", otra logradísima obra de Monk. Al año siguiente modifica el formato de su música y cambia el soporte del piano y opta por el contrabajo y la batería. Así graba "Way Out West" (Contemporary, 1957), la maratoniana sesión en el Village Vanguard (Blue Note, 1957) y la "Freedom Suite" (Riverside, 1958). A pesar de su extraordinario éxito en los cincuenta, y de estar considerado uno de los grandes saxofonistas del momento, la aparición de Ornette Coleman y la eclosión de Coltrane, en su etapa moderna, le habían desplazado de la vanguardia del jazz de la época.
Decidió tomarse un respiro de un par de años donde se le veía muy a menudo ensayando de noche en el puente neoyorquino de Williamsburg -que une Manhattan con Brooklyn -y a la vuelta grabó para RCA en enero de 1962, otro de sus grandes discos: "The Bridge". En ese álbum, se ve a un Sonny Rollins sereno, majestuoso y con un estilo depurado. El cuarteto que acompañó a Rollins en esa grabación fue: Jim Hall a la guitarra, Bob Cranshaw al contrabajo y Ben Riley a la batería. Al año siguiente graba con el maestro Coleman Hawkins, otro disco extraordinario a pesar de que ambos tocaban un sonido radicalmente distinto. En 1966 grababa la banda sonora de la película "Alfie" protagonizada por Michael Caine y al año siguiente reúne la rítmica de Coltrane -Elvin Jones a la batería, Jimmy Garrison al contrabajo- mas Freddie Hubbard a la trompeta para grabar su postrero intento de subirse a la corriente free del jazz: "Broadway Run Down" (Impulse, 1966).
Un nuevo retiro, esta vez desde 1969 a 1971, cuando inicia un flirteo con el jazz rock que no parece convencerle. Visita la India, estudia yoga y religiones asiáticas, y desconcierta a los críticos y puristas que, sin embargo, no se fijan en que Rollins conserva en el jazz-rock más elementos del bop que ningún otro músico. Ya, a principios de los 80, volverá a ser ese improvisador impetuoso y lírico que ha dejado atrás sus inquietudes. Riguroso y austero, preocupado por la perfección, no cesará jamás de explorar el jazz. Hoy, ya septuagenario y con un reciente disco en la calle "This is Whaty it Do" (Milestone, 2000) Sonny Rollins, es, sin duda alguna, el último de los gigantes del jazz que continúa con vida.
de apoloybaco.com
trax
1. Plain Jane
2. You Stepped Out of A Dream
3. Reflections
4. Sonnymoon for Two
5. Four
6. All the Things You Are
7. Blues for Philly Joe
sábado 29 de agosto de 2009
Charlie Haden with Jan Garbarek & Egberto Gismonti, "Folk Songs" (1979).
Egberto Gismonti, por su parte, es mundialmente renombrado como multiinstrumentista y compositor. Fue profundamente influido por el maestro brasileño Heitor Villa-Lobos, cuyos trabajos reflejaron la diversidad musical del Brasil. Desde el batuque de los indios del Amazonas hasta la samba carioca y el choro, pasando por el frevo del Noreste, Gismonti captura la verdadera esencial del alma brasileña de un modo que es a la vez primitivo y sofisticado, y que refleja su visión personal, elaborada por años de formación y sapiencia clásica, en una multitud de lenguajes musicales en los que el jazz desempeña un rol significativo.
El tono helado y el uso liberal de tonos espaciados y prolongados del saxofonista noruego Jan Garbarek ha sido muchas veces perfecto para el sonido del sello ECM y, como resultado, él está en múltiples grabaciones de ese sello, sea como líder o como sideman. Él había ganado una competencia para músicos amateurs de jazz ya en 1962, lo que lo llevó a dar sus primeras presentaciones. Garbarek trabajó exhaustivamente en Noruega durante todo el resto de los 60, por lo general como líder pero también, durante 4 años, con George Russell (quien estuvo por un buen tiempo en Escandinavia). Garbarek comenzó a grabar para ECM a principios de los 70 y, aunque tuvo oportunidad de grabar con Chick Corea y Don Cherry, fue su asociación con el cuarteto europeo de Keith Jarrett lo que lo hizo famoso a mediados de los 70, y lo que dio por resultado grabaciones clásicas como My Song y Belonging.
Ésta es una de las mejores grabaciones del sello ECM, con el bajo a cargo de Charlie, Garbarek en saxo tenor y soprano y Egberto Gismonti pasando todo el tiempo de la guitarra al piano. Lo pueblan composiciones originales muy cargadas de elementos anímicos, improvisaciones que combinan el jazz y la world music y ensambles sumamente atmosféricos. Esta sesión permanece tanto como una muestra superior de música ambiente y como perfecta para una escucha bien atenta.
trax
1. Folk Song
2. Bodas de Prata
3. Cego Adelrado
4. Veien
5. Equilibrista
6. For Turiya
viernes 21 de agosto de 2009
Wayne Shorter, "Alegría" (2003).
En 1970 Wayne Shorter cubriría otra importantísima etapa en su carrera profesional, cuando formó junto al teclista Joe Zawinul (con el que coincidió en su etapa con Miles) el grupo Weather Report. Este grupo se encargaría de formar un nuevo sonido de jazz-rock, atrayendo a una gran audiencia. Consecuencia de todo esto fue la venta en 1978 de más de un millón de copias de su disco Heavy Weather, que obtuvo cinco nominaciones a los premios Grammy. Los años con Zawinul ampliaron aun más el ámbito de Shorter, destacándose su apreciación de las formas más libres, dando rienda suelta a su deleite por el exotismo musical. Si bien el grupo Weather Report sentó las bases para muchas bandas de jazz fusión que siguieron, fundamentalmente por el paso de Jaco Pastorius por el mismo, su mayor virtud fue la capacidad del grupo para absorber la calidad individual de sus componentes en beneficio del colectivo.
Shorter fue un innovador importante que ejerció gran influencia sobre los músicos de hard bop y de jazz fusión, y hoy, todavía en activo y con la capacidad creativa intacta, sigue siendo uno de los músicos más imaginativos dentro del jazz, buscando constantemente nuevos horizontes pero, gracias a sus amplios conocimientos musicales, conservando lazos identificables con el pasado. En este sentido, es encomiable la aparición en este tercer milenio de varios y magníficos trabajos que confirman que la fuente creativa de este extraordinario músico no está todavía agotada.
texto tomado de:
http://www.apoloybaco.com/wayneshorterbiografia.htm
Playlist
01. Sacajawea
02. Serenata
03. Vendiendo Alegria
04. Bachianas Brasileiras No. 5
05. Angola
06. Interlude
07. She Moves Through The Fair
08. Orbits
09. 12th Century Carol
10. Capricorn II
lunes 17 de agosto de 2009
Luca Colombo, "Playing the Beatles" (2005).
Que es guitarrista profesional desde el 87. Que nació en el 66. Que le gusta tanto la guitarra eléctrica como la acústica, que le gustan muchos estilos musicales pero que siente predileccion por el rock, el blues y la fusión.
Que trabaja como "session-man" en su país, Italia, fundamentalmente en el ámbito televisivo, y que ha tocado con muchos astros de ese país.
Dice que en su formación musical y guitarrística fueron primordiales Carlos Santana, J. Hendrix, R. Blackmore, J. Beck. Pero el jazz fusión para él es fundamental y agrega pronto los nombres de Pat Metheny, J. Scofield, M. Stern, y que le gusta el brío de tipos como Scott Henderson, A. Holdsworth, J.Satriani, E. Johnson, E. Van Halen, S. Vai.
Que le presta mucha atención a la música house, dance, techno, rap, insiste que le gusta mucho el rock (nombra a los Stones, a Police, Van Halen, Queen).
Y cuenta que a causa del mercado discográfico italiano es casi imposible para un músico especializarse en un género musical determinado y que él ha evolucionado de esa manera, prestando tanta atención a la armonía como al ritmo.
Alterna su trabajo como guitarrista con el trabajo de la enseñanza.
Este disco te va a emocionar como pocas cosas de las que uno puede escuchar últimamente. Es de una delicadeza, un tino y una belleza que, al sentir de nuevo un cálido reencuentro con las melodías eternas de los Beatles, te las hace sentir de nuevo como una flor que recién brota: fresca, juvenil, bellísima, lozana...
Un encanto.
Y espero que mi sobrino el tremendo Diego lo disfrute tanto como yo y no me saque carpiendo del inefable territorio inconquistable de la Monga...
Abrazote a mi querido tremendo Diego y a todos sus cofrades mongosos.
01 And I Love Her
02 Here, There And Everywhere
03 Can’t Buy Me Love
04 Come Together
05 Day Tripper
06 Blackbird
07 Drive My Car
08 Something
09 Michelle
10 Norwegian Wood
11 Yesterday
12 Please, Please Me - From Me To You
13 Let It Be
14 Hey Jude
15 Here Comes The Sun
jueves 13 de agosto de 2009
Larry Coryell - Monk, 'Trane, Miles & Me
Larry Coryell nació el 2 de Abril de 1943 en Galveston, Texas. Estudió guitarra clásica y, después de haber debutado en la escena pop de Seattle, se mudó a New York en 1965, donde comenzó a tocar jazz. Antes de formar sus propias bandas, Coryell tocó con Chico Hamilton y Gary Burton.
En 1973, formó The 11th House con Randy Brecker, Mike Mandel, Danny Trifan y Alphonse Mouzon, y su disco debut, Introducing The 11th House, fue uno de los pioneros del jazz-rock. Tres años y cuatro discos depués, el grupo se disolvió y Coryell se concentró por un tiempo en la guitarra acústica, grabando una serie de discos solo, en duo o en trio, con guitarristas como Joe Beck, Steve Khan, Emily Remler y Philip Catherine. Más tarde grabaría tambien con John McLaughlin y Paco de Lucia bajo elnombre de The Guitar Trio.
La carrera de Coryell es larga y prolífica: en 40 años de trayectoria ha grabado más de 70 discos como líder o junto a otros músicos. En los 80's Coryell participó en un concierto junto a otros cuatro guitarristas: John Scofield, Larry Carlton, John Abercrombie y Tal Farlow. La grabación de ese fabuloso concierto, del que también participó el bajista John Patituci, la pueden conseguir aquí mismo, en Bienvenidos a la Monga!.
En Monk, 'Trane, Miles and Me (1999), el guitarrista brinda un homenaje a los músicos que lo inspiraron, pero los temas pasan por el tamiz del estilo de Coryell. Acompañado por el contrabajista Santi Debriano, el baterista Yoron Israel, el pianista John Hicks, que participa en cuatro de los nueve temas, y el saxofonista Willie Williams, que participa en dos, Coryell explora melodías como Trinkle Tinkle, de Thelonius Monk, Naima de John Coltrane, y All Blues de Miles Davis.
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domingo 9 de agosto de 2009
Enrique Villegas - Tributo a Monk
Cuando miro la fecha de mi último posteo en el blog, no lo puedo creer, pero... aquí estoy nuevamente! Nunca voy a terminar de agradecerle a Carlos por haber mantenido vivo y abierto este espacio durante mi ausencia del mundo virtual. De todas maneras corresponde decir en público lo que ya dije en privado: Gracias Carlos!
Y ya que Carlos inició el tema de los homenajes, les voy a dejar esta joyita que guardaba para una ocasión especial.
A fines de los '50, Enrique Villegas había viajado a Estados Unidos para grabar, contratado por el sello Columbia. Cuenta Segio Pujol en su artículo en el diario Página/12 que, luego de grabar dos discos de puro jazz, Columbia castigó a Villegas por su negativa a grabar un homenaje a Ernesto Lecuona, un compositor de música cubana que acababa de fallecer. Villegas no logró hacerle entender a los gringos ejecutivos de la compañía, que el era argentino y no cubano, y que tocaba jazz, y no son.
"Cuenta Nano Herrera que en 1964, cuando empezó a tratarlo, el Mono era prácticamente desconocido en Buenos Aires. Habían transcurrido nueve años de su partida y una nueva generación de músicos había tomado la posta. Algunos ni siquiera habían oído hablar de él. Otros lo creían retirado, gozando de una mitología modesta. Unos pocos sabían de sus glorias trashumantes. Sin embargo, había vuelto en un buen momento. Alfredo Radoszynski le ofreció grabar Enrique Villegas en cuerpo y alma, el primer disco de la segunda –y definitiva– etapa argentina. "
Grabado el 5 de enero de 1967, Tributo a Monk fue el tercero de los discos publicados por Trova, el sello de Radoszynski, luego del ya mencionado Enrique Villegas en cuerpo y alma (1965) y del mismo año que Metamorfosis, 24 preludios op. 28 de Chopin (1967). Al igual que en los dos discos anteriores, en esta sesión, el Mono fue acompañado por Jorge López Ruiz en contrabajo y Eduardo Casalla en batería.
Tributo a Monk es hasta este momento, uno de los discos de Villegas más difíciles de encontrar en la web (yo no lo ví publicado en ningún lado). El homenaje al gran Thelonius incluye un medley llamado Tributo a Monk, donde se puede escuchar 'Round Midnight, Bemsha Swing y Blue Monk, que era el lado A desl disco. El lado B estaba formado por It's only a paper moon, Charmaine, It might as well be spring y Saint Thomas.
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viernes 7 de agosto de 2009
Alfredo Remus, Manuel Fraga y Oscar Giunta, "Querido Bill. Tributo a Bill Evans" (2005).
Precisamente, la música de este trío tiene esa particularidad. El estrecho diálogo entre piano y contrabajo, como resultado de dos personalidades musicalmente expresivas, aunadas a uno de los bateristas más interesantes del jazz argentino, hace que este trío tenga una fuerte dosis de creativa improvisación.
Por lo general, este tipo de trío desarrolla cierto arquetipo en el que el piano dialoga con la batería en tanto que el bajo hace de pivot; en el caso de este combo, la situación es algo diferente, pues mientras que el interlocutor de Fraga es básicamente Remus, Giunta hace un impecable trabajo de acompañamiento, pero también dialoga con el colectivo. Para Remus, el capital más importante que tienen es la libertad, la que les permite una amplitud suficiente como para albergar a tres "espíritus creativos".
En relación con el tributo a Bill Evans, Fraga reconoció que fue en buena medida a instancias de la pasión que siente Remus por el pianista lo que lo llevó a hacer una suerte de renovada mirada a ese músico que reunió el mundo clásico con el jazz. "Estaba más orientada mi música hacia pianistas como Oscar Peterson, Errol Garner, McCoy Tyner o Hancock, hasta que Remus me generó un renovado interés por Evans y descubrí una forma de interpretación nueva, en la cual lo clásico tiene un papel muy importante", dijo Fraga.
Para Remus, Evans en un músico que con metodismo desarrolló un papel clave en el desarrollo del jazz. "Hice varios tributos a Evans, uno, por ejemplo, con Ricard Miralles (pianista y arreglador de Joan Manuel Serrat), pero nunca pude llevarlo tan lejos como en esta ocasión", afirmó el contrabajista, que en octubre cumplirá 50 años como músico de jazz profesional.
"Querido Bill", tema de Fraga, nació a raíz de un sueño de su hijo Tomás, un guitarrista muy prometedor, que ya actúa en la escena, en el que ambos pianistas charlaban animadamente. "El nombre del tema es cómo encabezaría una carta para contarle a un amigo el sueño de mi hijo", explicó el músico.
El trío habla un lenguaje en que la melodía es la forma de encuentro y, en este punto, la reflexión de Fraga aparece muy atinada. "¿Qué justifica la improvisación? Cuando un artista presenta la frase melódica para luego alejarse tanto como puede, no parece tener sentido musical; en realidad, nuestra forma es presentar el motivo melódico para luego trabajar desde ese lugar e improvisar", señaló Fraga.
Una relación poco común en la que los tres son coprotagonistas de una historia musical que tiene la melodía como el bien más preciado.
César Pradines
http://www.lanacion.com.ar/Archivo/nota.asp?nota_id=902019
QUERIDO BILL TRIBUTO A BILL EVANS
ALFREDO REMUS contrabajo
MANUEL FRAGA piano
OSCAR GIUNTA batería
1. You Don’t Know What Love Is (Raye / De Paul)
2. Beautiful Love (Young)
3. Time Remembered (Evans)
4. You Must Believe In Spring (Legrand)
5. Nardis (Davis)
6. Skylark (Carmichael / Mercer)
7. Querido Bill (Fraga)
8. All Blues (Davis)
9. Billie’s Bounce (Parker)
domingo 2 de agosto de 2009
Cassandra Wilson, "Belly of the Sun" (2002).
Desde mediados de los setenta actúa también por todo el circuito de las coffee-houses en Mississippi y Arkansas, habitualmente sola con su guitarra, a veces acompañada por un bajista y un percusionista. En una de estas actuaciones comienza una colaboración que desembocará en una larga amistad con la cantante, pianista y violinista Ronda Richmond, a la que años más tarde producirá un disco. En esos años su repertorio es muy variado, una mezcla de blues y música folk. Sus influencias desde el blues son sobre todo los músicos acústicos de entreguerras, especialmente Robert Johnson, Bukka White, Son House y Mississippi Fred McDowell, cuyos repertorios domina desde muy joven. Desde estos años sus otras grandes influencias son las cantantes folk-rock de los sesenta y setenta, especialmente Joni Mitchell y Laura Nyro.
Ya en esta época Cassandra comienza a no encajar muy bien en ese molde en el que se encuentran a gusto otras cantantes negras. Muchas de sus contemporáneas se ajustan mejor que ella a los patrones tan comunes para los músicos de jazz de la entonces incipiente década de los ochenta. Tal vez por ello los críticos tardaron bastante en apreciarla, confundiéndola, según la estrechez característica de aquel momento, con una superficial cantante de soul. Tampoco parecía encajar en la tradición del jazz, vista ésta en aquellos tiempos desde esa óptica estrecha entonces predominante en las publicaciones musicales. Los que la escucharon en ese momento comentan que su gusto por las versiones extrañas de temas de los artistas más diversos ya era en aquella época una característica que la hacía muy peculiar. Ya era una artista diferente, que buscaba algo nuevo, no una cantante más.
Estudia jazz con Alvin Fielder y canta con la Black Arts Music Society en Jackson, y toma contacto a través de esta asociación con lo que hacen las similares Black Artists Group de San Luis (BAG, Grupo de artistas negros) y la Association for the Advancement of the Creative Musicians de Chicago (AACM, Asociación para la promoción de músicos creativos). Como a muchos otros artistas de su generación, estas conexiones con el BAG y la AACM influirán muchísimo en su carrera. En 1981 obtiene su diploma en Comunicación de Masas en la Universidad de Jackson y comienza a trabajar como relaciones públicas en un canal de televisión en Nueva Orleáns. Durante sus años en la ciudad forma parte de la banda de Earl Turbington y profundiza en su interés por Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan y Betty Carter. Estas dos últimas, junto con Abbey Lincoln, serán dos de sus influencias mayores a partir de ese momento, que se suman a la evidente relación que su música tiene ya con la de la inclasificable Nina Simone.
Precisamente ahí está la clave de su peculiaridad: lo que la hacía diferente era precisamente aquello que no podía asumir la crítica de estos años, dominada por tesis rígidas, a veces incluso implacables, como las de Stanley Crouch. Ese cuadriculado esquema de la historia del jazz como algo lineal y aislado de impurezas externas era muy común entre la crítica más conservadora de esos años, en pleno cierre de filas ante la fusión. En el hecho de no admitir ese esquema reside gran parte del encanto de una vocalista distinta: su arte comprende todo el espectro de la Gran Música Negra, definida por el Art Ensemble Of Chicago y otros miembros de la AACM, como un todo unido donde el jazz sólo es una parte, eso sí, muy importante. Pero igual de importantes son para ella otros tipos de música negra (soul, blues, funk, hip hop), americana (folk, country, gospel) o no (africana). En Europa su música fue algo mejor recibida, debido en parte a sus primeras grabaciones en un sello que en el viejo continente tenía una reputación intachable, Black Saint, o en el sello JMT, que irrumpió en el mercado de forma fresca y con sorprendentes apuestas, muy bien recibidas.
En 1983 se traslada a Nueva York, y nada más llegar a la metrópolis del Jazz conoce a Dave Holland y a Steve Coleman –también recién llegado, desde Chicago– un músico cuyas ideas le impactarán definitivamente. Coleman integra a Cassandra en su incipiente colectivo M-Base en Brooklyn, junto a Geri Allen, Greg Osby, Graham Haynes, Lonnie Plaxico, Kenny Davis, Marvin "Smitty" Smith y el resto de miembros fundadores de este movimiento. Al mismo tiempo también trabaja en estos primeros años en el Rhythm Club de Bob Belden y en la formación New Air del saxofonista Henry Threadgill, uno de los mejores representantes de la AACM de Chicago en Nueva York.
Ya en las primeras tres grabaciones de los Five Elements de Steve Coleman, Motherland Pulse, On The Edge Of Tomorrow y World Expansion (de 1985, 86 y 87, todas para el sello alemán JMT), su voz destaca poderosamente dentro del fenomenal colectivo de los M-Base, encajando a la perfección con su música a caballo entre el jazz, el funk y el hip hop. En el 86 canta también en el disco Air Show Nº 1 del New Air de Threadgill para el sello italiano Black Saint. En esos primeros momentos de su carrera discográfica sorprende muchísimo su sonido poderoso, muy parecido al de la Sarah Vaughan madura, tanto en el timbre como en su enorme registro de más de cuatro octavas, pero con matices aun más oscuros en el registro grave, similares a los de Nina Simone. No obstante hay algo más, aún no muy evidente, que ya la hacía diferente de las otras cantantes que llegan en esos años a la escena del jazz, como Dianne Reeves, Rachel Ferrell, Nnenna Freelon o Carmen Lundy.
Fragmento de un largo texto sobre Cassandra de Jorge López de Guereñu, publicado en www.tomajazz.com
tracks:
1. The Weight
2. Justice
3. Darkness on the Delta
4. Waters of March
5. You Gotta Move
6. Only a Dream in Rio
7. Just Another Parade
8. Wichita Lineman
9. Shelter From the Storm
10. Drunk as Cooter Brown
11. Show Me a Love
12. Road So Clear
13. Hot Tamales
martes 28 de julio de 2009
Sheila Jordan, "Portrait of Sheila" (1962).
texto de Marcelo Cohen
para:
http://www.clarin.com/suplementos/cultura/2000/03/26/r-01203d.htm
Sheila Jordan (nacida Sheila Jeanette Dawson, el 18 de noviembre de 1928, en Detroit, Michigan) es una cantante y compositora de jazz norteamericana.
Su éxito a nivel masivo se ha visto de alguna manera limitado, pero la música de Jordan le ha ganado las alabanzas de muchos críticos, en particular por su capacidad de improvisar letras enteras; Scott Yanow la describe como "una de las cantantes más coherentemente creativas de todos/as los/as cantantes de jazz".
Sheila Jordan creció en Summerhill, Pennyslvania, antes de regresar a su lugar de nacimiento en 1940/41 donde tocó el piano y cantó semiprofesionalmente en los clubes de Detroit. Fue influida por Charlie Parker y fue parte de un trío llamado Skeeter, Mitch and Jean (ella era Jean) que compuso letras para los arreglos de Parker. Sheila también afirmó en su canción "Sheila´s Blues" que Charlie Parker escribió la canción "Chasing the Bird" para ella, pues ella y sus amigos eran conocidos por perseguirlo por los jazz-clubs en la década del 40.
En 1951 se mudó a New York y comenzó a estudiar teoría musical y armonía, enseñada por Lennie Tristano y Charles Mingus. Entre 1952 y 1962 estuvo casada con el pianista de Charlie Parker, Duke Jordan. A principios de los 60 tuvo apariciones y sesiones en el Page Three Club, en Greenwich Village, donde estaba actuando junto al pianista Herbie Nichols, además de trabajar en diferentes clubes y bares de New York.
En 1962 fue descubierta por George Russell, quien hizo con ella una grabación del tema "You Are My Sunshine" en el álbum de él Outer. Posteriormente en ese año, Sheila grabó el disco Portrait of Sheila (grabado el 19 de septiembre y el 12 de octubre de 1962), que fue vendido al sello Blue Note.
En la década siguiente, Jordan se retiró de la música para ocuparse de su hija. Se ganó la vida trabajando como secretaria legal.
Posteriormente, en esa misma década, cantó liturgias jazzísticas en diferentes templos como los de Cornell y Princeton, NYC. Jordan grabó con Don Heckman (1967-68), Lee Konitz (1972), Roswell Rudd (1972-75) y comenzó por aquel momento su larga relación de trabajo con Steve Kuhn.
En 1974 fue nombrada "Artist in Residence" en el City College y estuvo enseñando allí durante 1975. El 12 de julio de ese año grabó el disco Confirmation. A finales del 76 grabó un album en dueto, titulado simplemente Sheila with Arild Andersen (bajista), para el sello SteepleChase. En 1979 fundó un cuarteto con Kuhn, Harvie Swartz y Bob Moses. Durante los 80 estuvo trabajando en dúo junto a Harvie Swartz y grabó con él varios discos. Hasta 1987 trabajó en una agencia publicitaria y grabó Lost and Found en 1989.
Sheila Jordan es asimismo una compositora y puede trabajar tanto en el bebop como en el free jazz. Además de los músicos referidos, ha grabado con el George Gruntz Concert Jazz Band (TCB, ECM), con Harvie Swartz (MA Recordings), con Cameron Brown, Carla Bley (Escalator over the Hill) y Steve Swallow (Home). Además de Blue Note, ha encabezado grabaciones para los sellos Eastwind, Grapevine, SteepleChase, ECM, Palo Alto, Blackhawk y Muse.
Trax
1. Falling In Love With Love
2. If You Could See Me Now
3. Am I Blue?
4. Dat Dere
5. When The World Was Young
6. Let's Face The Music And Dance
7. Laugh! Clown! Laugh!
8. Who Can I Turn To Now
9. Baltimore Oriole
10. I'm A Fool To Want You
11. Hum Drum Blues
12. Willow Weep For Me
Secreto exclusivo para tripulantes de La Monga y fans
acérrimos del tremendo Diego:
podés encontrar más discos de la Jordan clickeando aquí
viernes 24 de julio de 2009
Chico Buarque, "Vida" (1982).
Se le conoce principalmente por sus canciones de refinada armonía, deudoras en parte de Antonio Carlos Jobim, y por sus letras, que oscilan entre una temática de carácter intimista, hasta cuestiones como la situación cultural, económica y social de Brasil. A lo largo de su vida ha ido alternando su carrera musical con la de novelista y dramaturgo. Su último libro, Budapeste (2005), fue muy aclamado y ganó el importante Prêmio Jabuti.
Nació en el seno de una familia intelectual y privilegiada. Su padre, Sergio Buarque de Hollanda, era un conocido historiador y sociólogo. Buarque fue un niño estudioso con un interés precoz en la música y la escritura. Desde temprano le impresionó la música, sobre todo la bossa nova y en especial el trabajo de João Gilberto.
Se casó con la actriz Marieta Severo, con quien tiene tres hijas (Sílvia, Helena y Luísa).
El debut público de Buarque como músico y compositor ocurrió en 1964 y pronto se hizo una reputación a través de su participación en festivales musicales y programas de televisión. Su primer álbum, Chico Buarque, mostraba el trabajo por venir, con sambas pegadizas, caracterizadas por juegos de palabras creativos y un trasfondo de nostalgia trágica.
Su cada vez mayor actividad política contra la dictadura militar de Brasil le valió ser arrestado en 1968 y lo movió al exilio a Italia en 1969. Chico Buarque regresó a Brasil en 1970, donde empleó su fama y habilidad para escribir canciones como protesta contra la dictadura. En esta época su canción de protesta (ligeramente disimulada) "A pesar de você" pasó desapercibida de alguna manera por los censores militares y se convirtió en el himno del movimiento democrático. Después de vender 100.000 copias, el sencillo fue finalmente censurado y todas las copias fueron retiradas del mercado. A pesar de la censura, canciones como "Samba de Orlý" (1970), "Acorda amor" (1974) y "Vai passar" (1983) hicieron patente la continua oposición de Chico.
Durante los años setenta y ochenta, Chico colaboró con cineastas, dramaturgos y músicos en trabajos que protestaban contra la dictadura.
En el año del golpe militar de Brasil, 1964, Chico escribió sobre la situación y evitó la censura al usar analogías crípticas y juegos de palabras. Por ejemplo, en la canción "Cálice" juega con las palabras portuguesas para "cállese" y "cáliz" para cantar sobre la opresión militar bajo la apariencia de relato bíblico. Aunque bien es cierto que sus letras también abordan temas de carácter más personal, con un aire sutil, y en un contexto musical hondo y refinado.
En 1998, la escuela de samba de Mangueira ganó el primer lugar del carnaval carioca con un tema de homenaje a Chico Buarque.
de la Wikipedia.
faixas
1. Vida
2. Mar e lua
3. Deixe a menina
4. Já passou
5. Bastidores
6. Qualquer canção
7. Fantasia
8. Eu te amo (Participação vocal: Telma Costa)
9. De todas as maneiras
10. Morena de Angola
11. Bye bye, Brasil
12. Não sonho mais
miércoles 22 de julio de 2009
Cat Stevens, "The Very Best of Cat Stevens" (comp. 1990).
Hijo de madre sueca y de padre greco-chipriota. Cuando tenía 8 años, sus padres se separaron pero siguieron conviviendo como familia en la misma casa. Habitaban el piso superior del restaurante de su propiedad, donde todos trabajaban.
Su primer instrumento musical fue el gran piano que había en la casa. No sólo por parte de padre y madre asimiló diferentes culturas en su infancia, sino que su casa estaba además abierta a diferentes amigos y familiares. Musicalmente es el heredero de una formación clásica pero también del amor por lo popular y por las danzas y canciones folclóricas griegas que escuchaba su padre. Su nombre "Cat Stevens" surgió porque su novia decía que tenía ojos de gato pero por lo general logró hacer su primer álbum gracias a su hermano, que un día gritó a toda una calle que su hermano tenía gran talento y así lograron su primer contrato en EMI Music.
A los 15 años descubrió que quería ser un músico y poco después que, además, quería ser una estrella pop-rock.
Con el nombre artístico Cat Stevens, vendió millones de discos especialmente en los años 1960 y 1970.
Después de una experiencia cercana a la muerte decidió convertirse al islam y abandonar la música alrededor de 1978. Es entonces cuando adoptó el nombre Yusuf Islam.
Muchas de las canciones más famosas de Cat Stevens fueron publicadas en los años previos a su conversión al islam y él es cuidadoso respecto a sus derechos. Por ejemplo no ha permitido que sus canciones se usen en anuncios comerciales.
En 1989, fue muy criticado cuando apoyó la fatwa del Ayatollah Ruhollah Jomeini contra Salman Rushdie, debido a la supuesta blasfemia cometida por el autor anglo-hindú en su novela "Los versos satánicos". Más tarde se descubrió que había sido cogido por sorpresa y que los medios desnaturalizaron el sentido de sus palabras. Un poco después hizo un comunicado donde dejaba muy claro que, aunque detestaba el contenido del libro, no estaba de acuerdo con la "fatwa".
Una vez convertido al Islam decidió dejar la música, pues consideraba que el "bussines" que la rodea interfería en los nuevos conocimientos que deseaba adquirir. Su amor por los niños le llevó a fundar dos escuelas y una universidad, los alumnos de las cuales son reputados en todo el Reino Unido. Gran parte de su fortuna la ha dedicado a ayudar a las víctimas de las guerras y desastres naturales (Bosnia, Iraq, Darfur, Tsunami, Gaza).
Le fue otorgado el premio "Hombre por la Paz" a sugerencia de Mijail Gorbachov.
Sin embargo Yusuf no ha dejado de cantar y grabar canciones de una gran belleza desde que dejó el mundo de la música. Se trata de canciones religiosas llamadas "anachid" cuya belleza sorprenderá a más de uno.
Participó en el concierto dado en conmemoración de la liberación de Nelson Mandela junto con otros artistas en Sudáfrica.
En 2006 volvió al "pop" pues como dice él: "soy un espejo donde los musulmanes se miran para ver el mundo occidental y donde mis compatriotas se miran para ver el Islam". En 2006 grabó "An other cup", compendio de canciones pop donde se puede encontrar una visión mística de la vida, siempre en "El camino de la Paz", pues Yusuf es un hombre de paz.
Actualmente sigue participando en conciertos junto con otros artistas con el fin de recaudar fondos para ayuda humanitaria.
Su pensamiento es el de un Islam abierto a toda la humanidad, intentando demostrar que el mensaje del Islam ha sido manipulado por unos y por otros hasta el punto de convertirlo en algo irreconocible. Considera que la mejor forma de seguir a Moisés o a Jesús es seguir a Mahoma, el último Mensajero que ratifica y actualiza los mensajes anteriores.
de la Wikipedia.
trax
01 Where Do The Children Play
02 Wild World
03 Tuesday's Dead
04 Lady D'Arbanville
05 The First Cut Is The Deepest
06 Oh Very Young
07 RubyLove
08 Morning Has Broken
09 Moonshadow
10 Matthew And Son
11 Father And Son
12 Can't Keep It In
13 Hard Headed Woman
14 (Remember the days of the) Old School Yard
15 I Love My Dog
16 Another Saturday Night
17 Sad Lisa
18 Peace Train
domingo 19 de julio de 2009
Peter Gabriel, "Us" (1992).
Tras publicar el disco The Lamb Lies Down on Broadway, el séptimo del grupo, Gabriel decidió dejar el grupo por diferencias artísticas y personales, siendo el único miembro de la banda con familia; no hubo ruptura personal y las buenas relaciones con sus antiguos compañeros permitieron la colaboración de varios de ellos a lo largo de la exitosa carrera solista de Gabriel.
Su primer éxito fue el sencillo Solsbury Hill, una canción autobiográfica en la que expresa sus sentimientos al dejar Genesis. Aunque logró éxito crítico y aceptable éxito comercial desde temprano en su carrera solista, (p.e. "Games Without Frontiers" de su tercer álbum y "Shock the Monkey" del cuarto), Gabriel logró el máximo éxito comercial y popularidad con las canciones de su disco de 1986 So, en particular "Sledgehammer." Su siguiente disco, Us, producido seis años después, reflejó los problemas personales que atravesaron la vida de Gabriel (su divorcio y una relación fallida con la actriz Rossanna Arquette), y si bien tuvo un éxito menor con "Steam", no fue comparable en ventas con So; el año 1989 Gabriel compuso e interpretó su segunda banda sonora para cine, "Passion", para La Última Tentación de Cristo de Martin Scorsese, una obra de altísimo nivel. Tras un hiato de siete años, Gabriel regresó con la puesta en escena para el Domo del milenio, en Londres, llamada "Ovo", en el 2000; la música para la película Rabbit Proof Fence el 2001 y finalmente su disco Up, de éxito menor. También colaboró en el año 2004 con el tema central del juego Myst IV: Revelation, con "Curtains", cara B del single "Big Time" procedente del álbum So.
En los inicios de su carrera solista, Gabriel se negó a ponerle títulos a sus discos, considerándolos más bien ejemplares de una revista. Sólo la presión del sello distribuidor en Estados Unidos puso un título en el cuarto disco (Security) y lo obligó a ponerle títulos a sus discos desde el quinto (So). Para identificarlos se suele recurrir al número de orden o a detalles de la carátula; en realidad existe un tácito acuerdo entre todos los fans para llamar al primero, segundo y tercer discos como Car, Scratch y Melt respectivamente. - - Peter Gabriel tiene dos hijas de su primer matrimonio, Melanie y Anna, y un hijo, Ralph Isaac, del segundo. Melanie fue cantante de apoyo en el tour Growing Up, y está iniciando una carrera solista. Anna realizó la película Growing Up on Tour: A Family Portrait.
Peter Gabriel es uno de los fundadores de On Demand Distribution (OD2) y co-fundador con Brian Eno de MUDDA, "magnificent union of digitally downloading artists".
En la década de los 80 fue pionero en la fusión con todo tipo de músicas étnicas y no es extraño encontrar en sus temas percusiones de absoluta inspiración africana, y guiños a otras culturas. Sobresaliente en ello resulta su álbum Passion.
De hecho la figura de Peter Gabriel se encuentra estrechamente ligada a los festivales WOMAD, y su éxito con el álbum So le permitió fundar la discográfica Real World que ha permitido grabar discos y difundir su música a autores de todos los lugares de la tierra.
Más allá de su condición de músico, Peter Gabriel ha estado comprometido a lo largo de casi toda su carrera con los problemas sociales más variados, tales como la discriminación en Sudáfrica, haciendo oír su voz a menudo en los foros internacionales. En la actualidad colabora con el movimiento que pretende el reconocimiento de los derechos a los simios.
de la Wikipedia.
All songs written by Peter Gabriel.
1. "Come Talk to Me" – 7:06
2. "Love to Be Loved" – 5:18
3. "Blood of Eden" – 6:38
4. "Steam" – 6:03
5. "Only Us" – 6:30
6. "Washing of the Water" – 3:52
7. "Digging in the Dirt" – 5:18
8. "Fourteen Black Paintings" – 4:38
9. "Kiss That Frog" – 5:20
10. "Secret World" – 7:03
* Peter Gabriel – vocals, keyboards
* Tony Levin – bass
* David Rhodes – guitar
* Manu Katché – drums
* The Babacar Faye Drummers – sabar drums
* Doudou N'Diaye Rose – drum loop
* David Bottrill – programming
lunes 13 de julio de 2009
Gato Barbieri, "Ruby, Ruby" (1977).
Representante destacado del jazz latino, participó en su juventud en la banda de otro destacado jazzista argentino, Lalo Schifrin. Ha abordado también en su carrera el jazz de vanguardia, sobre todo en la década de 1960, y el pop y la fusión a finales de la década de 1970.
Ha sido influenciado por John Coltrane, Pharoah Sanders y Carlos Santana. Su música tiene frecuentemente un tono desgarrado, a base de notas largas y con un volumen elevado.
A los doce años aprende a tocar el clarinete tras sentirse impresionado por la escucha de Now's the Time de Charlie Parker. Se traslada con su familia a Buenos Aires en 1947 y continúa recibiendo lecciones de música, cambiándose al saxo alto; hacia 1953 se convierte en una celebridad musical gracias a sus actuaciones en la orquesta de Lalo Schifrin. A finales de la década, comenzó a dirigir sus propios grupos, tocando ya el saxo tenor. Se traslada a Roma en 1962 y conoce en París a Don Cherry, uniéndose a su grupo y empapándose del jazz de vanguardia. Tocó también con la Mike Mantler's Jazz Composers' Orchestra a finales de la década de 1960.
Ya en la década de 1970, experimenta un cambio musical y se decide por la reincorporación en su música de melodías, instrumentos, armonías, texturas y ritmos sudamericanos, con dos excelentes músicos, Domingo Cura y Adalberto Cevasco. Discos como el directo El Pampero on Flying Dutchman y sus obras para Impulse, con exploraciones de ritmos y texturas brasileñas, afrocubanas y argentinas, le proporcionaron un gran prestigio en el mundo del jazz.
Fue, no obstante, un éxito comercial el que lo llevaría a sus cotas más altas de popularidad: su sensual banda sonora para la película de Bernardo Bertolucci Último tango en París, de 1972. Un contrato con A&M en los Estados Unidos le llevó a realizar discos de fusión entre jazz y el pop a finales de la década de 1970. Se centró luego, a principios de la década de 1980, en un sonido sudamericano más intenso e influenciado por el rock, aunque sus oscilaciones estilísticas son constantes en su carrera.
Aquejado de serios problemas al corazón y afectado por la muerte de su mujer, Barbieri estuvo inactivo prácticamente a lo largo de toda la década de 1990, pero regresó en 1997, tocando intensamente en el Playboy Jazz Festival de Los Ángeles, grabando a partir de entonces varios discos.
de la Wikipedia.
tracks
01 Ruby
02 Nostalgia
03 Latin Reaction
04 Ngiculela-Es Una Historia-I Am Singing
05 Sunride
06 Adios
07 Blue Angel
08 Midnight Tango
Músicos:
Gato Barbieri, Wayne Andre, Joe Caro, Joe Clayton, Paulinho Da Costa, Chuck Domanico, Jon Faddis, Paul Faulise, Steve Gadd, John Gale, Peter Gordon, Don Groinick, Eddie Guagua, Steve Jordan, Gary King, Tom “Bones” Malone, Eddie Martinez, Cachete Maldonado, Portinho, Bernard “Pretty” Purdie, Lee Ritenour, Alan Rubin, Lew Soloff, David Spinozza, Marvin Stamm, David Taylor, Ian Underwood, Lenny White.
miércoles 8 de julio de 2009
Joni Mitchell, "Painting with Words and Music" (ripeado de DVD, en vivo, 1998).
Este concierto especial de 1998 arroja una bienvenida luz sobre su trabajo, desde ese cuarto de siglo pasado desde Spark, con 22 canciones dominadas por el acento confesional que sigue siendo la marca más fuerte de Mitchell. Canciones anteriores como "Big Yellow Taxi" y "Just Like This Train" retienen su encanto, pero es en las piezas más maduras de Mitchell, como "Amelia" (de Hejira) y "Sex Kills" (de Turbulent Indigo) donde mejor se muestra la profundidad y agudeza de su trabajo. Una banda soberbia -que incluye a Brian Blade, Mark Isham, Larry Klein y Greg Leisz- proporciona un marco vigoroso y empático, bien ajustado a esa paleta con colores del jazz, el folk y el pop que Mitchell estampa en sus canciones. Para añadir aun mayor intimismo a la presentación hay un escenario de diseño circular, una pequeña audiencia y una bienvenida falta de efectos de "gran" producción; en cambio, Mitchell se da el gusto de exhibir antes del concierto el trabajo de su segunda carrera, la de pintora, mediante una panorámica de su galería de trabajos visuales.
La delicada salud de Mitchell durante los 90, además de toda una vida de fumadora, ha dejado una marca en su voz, que ha perdido gran parte de su registro superior. Aun así, hay una riqueza añadida a su registro bajo, que realza el arte de esta sobreviviente de mirada aguda. Los viejos fans reconocerán asimismo las ráfagas de sus risas chiquilinas entre canción y canción, además de poder saborear de qué modo han madurado las capacidades de Mitchell como escritora e instrumentista (especialmente su sonido nuevo y sorprendente con la guitarra eléctrica).
adaptado de la reseña de Sam Sutherland.
Track Listing:
1. Tiger Bones
2. Big Yellow Taxi
3. Just Like This Train
4. Night Ride Home
5. Crazy Cries Of Love
6. Harry's House
7. Black Crow
8. Amelia
9. Hejira
10. Sex Kills
11. The Magdalene Laundries
12. Moon At The Window
13. Face Lift
14. Why Do Fools Fall In Love?
15. Trouble Man
16. Nothing Can Be Done
17. Song For Sharon
18. Woodstock
19. Dreamland
dos aclaraciones importantes:
1) como podrás ver vos mismo/a si te interesa en los comentarios acerca de este producto en lugares como Amazon.com, la calidad de sonido del original de este DVD no es la óptima. con esto queremos aclarar que la calidad de sonido de este post no remite a la calidad del ripeo sino, en todo caso, insisto, a los defectos del original.
2) agradezco inmensamente a mi sobrino el Chelo, de quien es en realidad este post... ¡Mil gracias Marcelo por tu segunda incursión en el sagrado territorio del tremendo Diego!!!
lunes 6 de julio de 2009
Nick Cave & the Bad Seeds, "The Boatman's Call" (1997).
adaptado de la reseña de AMG.
Track listing
All tracks composed by Nick Cave.
1. "Into My Arms" – 4:15
* Nick Cave – vocals, piano
* Martyn P. Casey – bass
2. "Lime Tree Arbour" – 2:56
* Nick Cave – vocals, piano, Hammond
* Mick Harvey – bass
* Thomas Wydler – drums
3. "People Ain't No Good" – 5:42
* Nick Cave – vocals, piano, vibes
* Mick Harvey – vibes
* Martyn P. Casey – bass
* Thomas Wydler – drums
* Warren Ellis – violins
4. "Brompton Oratory" – 4:06
* Nick Cave – vocals, Casio
* Blixa Bargeld – guitar
* Martyn P. Casey – bass
* Thomas Wydler – maracas
5. "There Is a Kingdom" – 4:52
* Nick Cave – vocals, Hammond
* Blixa Bargeld – guitar
* Mick Harvey – acoustic guitar
* Conway Savage – piano, backing vocals
* Martyn P. Casey – bass
* Thomas Wydler – drums
* Jim Sclavunos – Bells
6. "(Are You) The One That I've Been Waiting For?" – 4:05
* Nick Cave – vocals
* Mick Harvey – guitar, Hammond
* Conway Savage – piano
* Martyn P. Casey – bass
* Jim Sclavunos – drums
7. "Where Do We Go Now but Nowhere?" – 5:46
* Nick Cave – vocals
* Blixa Bargeld – guitar
* Mick Harvey – acoustic guitar
* Conway Savage – piano
* Martyn P. Casey – bass
* Thomas Wydler – drums
* Warren Ellis – violin
8. "West Country Girl" – 2:45
* Nick Cave – vocals, piano
* Blixa Bargeld – piano treatment
* Mick Harvey – acoustic guitar
* Martyn P. Casey – bass
* Thomas Wydler – drums
* Warren Ellis – violin
9. "Black Hair" – 4:14
* Nick Cave – vocals
* Mick Harvey – bass organ
* Warren Ellis – piano accordion
10. "Idiot Prayer" – 4:21
* Nick Cave – vocals, Hammond
* Blixa Bargeld – guitar
* Mick Harvey – guitar
* Conway Savage – piano
* Martyn P. Casey – bass
* Thomas Wydler – drums
* Warren Ellis – violin
11. "Far from Me" – 5:33
* Nick Cave – vocals, piano, Hammond
* Blixa Bargeld – guitar
* Martyn P. Casey – bass
* Thomas Wydler – drums
* Warren Ellis – violin
12. "Green Eyes" – 3:32
* Nick Cave – vocals, piano
* Mick Harvey – acoustic guitar
* Jim Sclavunos – melodica
jueves 2 de julio de 2009
Charlie Mariano & Quique Sinesi, "Tango para Charlie" (2000).
Entre otros destacados músicos, actuó con Dino Saluzzi en diversos festivales en Europa y grabó dos discos en la Argentina. Pablo Ziegler, pianista del Quinteto de Astor Piazzolla, lo invitó a integrar su Cuarteto para Nuevo Tango, y con él grabó dos CD y realizó giras por Estados Unidos, Canadá, Alemania, Grecia, Italia, Inglaterra, México, Colombia, Bolivia y Brasil.
Por otro lado, con el grupo Alfombra Mágica -junto a Horacio López, Matías González y al cual se incorporó más tarde Carlos Aguirre- grabó los primeros tres discos para el sello Melopea.
Ha tocado, entre otros, con Carlos Aguirre, Pedro Aznar, Daniel Binelli, Bernardo Baraj, Jorge Cumbo, Paquito de Rivera, María Gabriela Epumer, Juan Falú, Osvaldo Fattoruso, León Gieco, Manolo Juárez, Marcelo Moguilevsky, Rubén Rada, Beto Satragni y Lito Vitale.
Participó de festivales internacionales en Suecia, Alemania, Dinamarca, Turquía, Uruguay, Francia y en Argentina. El músico reside actualmente en Argentina y Europa.
Editó libros de partituras y discos en diversos lugares del mundo. Algunos de ellos son Cielo abierto (CD reeditado en 1986, con Marcelo García y el Mono Hurtado), Color cielo (1999); ha realizado conciertos con Charlie Mariano y grabó el compacto Tango para Charlie; Viaje Latinoamericano, con Sergio Terán y Pablo Paredes; Prioridad a la emoción, con Daniel Messina; y el CD Microtangos Guitarra Solista.
El saxofonista alto y compositor Charlie Mariano (Boston, 1923) debutó en 1948 al lado del trompetista Shorty Sherock, mientras estudiaba en la "Schillinger House", actualmente la célebre y renombrada Berklee School of Music. Discográficamente debutó con el arreglista Nat Pierce, con quien estuvo dos años (1949 y 1950). Posteriormente trabajó con Chubby Jackson y Bill Harris. Entre 1953 y 1955 colaboró con la orquesta del maestro Stan Kenton, donde llegó a ser uno de sus grandes instrumentistas. Posteriormente se trasladó a Los Ángeles, donde se contactó con el grupo del baterista Shelly Manne y con otros músicos de la Costa Oeste.
En 1959 contrajo matrimonio con la pianista y compositora japonesa Toshiko Akiyoshi, con la que formó un cuarteto junto al contrabajista Gene Cherico y el baterista Eddie Marshall. Tras algunos años de matrimonio, la pareja se separó, conyugal y musicalmente, y Charlie formó un nuevo cuarteto con otro saxofonista alto: Jerry Dodgion, pero su carrera empezó a mostrar síntomas de decadencia. Viajó por Europa y Extremo Oriente, y en Alemania se contactó con músicos jóvenes e inquietos, cuyas señas de identidad, musicalmente hablando, eran la fusión del jazz con el rock.
Charlie Mariano siempre fue un músico valiente, innovador y admirador del estilo de Charlie Parker.
Músico ecléctico y de gran emotividad, su afán por abarcarlo todo lo perdió en ocasiones, y su música se resentía por esa actitud fragmentaria. A pesar de todo, Charlie Mariano siempre fue un músico creativo, inteligente y poroso respecto de otros estilos musicales.
Track Listing
01. Berliner Tanguismos Part I (Quique Sinesi) 5:18
02. Berliner Tanguismos Part II (Quique Sinesi) 2:48
03. Berliner Tanguismos Part III (Quique Sinesi) 5:37
04. Berliner Tanguismos Part IV (Quique Sinesi) 4:32
05. The Lady (Charlie Mariano) 7:17
06. Faluseando (Quique Sinesi) 2:24
07. Zephyr (Charlie Mariano) 7:19
08. Tarde De Lluvia En Koln (Quique Sinesi) 5:42
09. Alta Paz (Quique Sinesi) 4:32
10. If Only (Charlie Mariano) 4:11
11. Tango Para Charlie (Quique Sinesi) 6:53
12. Gone (Charlie Mariano) 2:00
Artist List
Charlie Mariano – alto saxophone, flute
Quique Sinesi – 7 string spanish guitar, charango, piccolo guitar
domingo 28 de junio de 2009
Tok Tok Tok, "It Took So Long" (2003).
Klein es asimismo el compositor de la música de la mayoría de las canciones del grupo, y Akinro de las letras en inglés, aunque la banda se ha caracterizado por sus versiones de otros cantantes o compositores (sus discos segundo y tercero, 50 Ways to Leave Your Lover y Love Again, lanzados en 1999 y 2000, están compuestos íntegramente de versiones). El grupo es especialmente famoso en Alemania y Austria, aunque es conocido en los círculos de jazz y soul de toda Europa occidental, la que recorrieron en una gira en 2006.
El grupo es internacional por vocación, contenido y orígenes: Tokunbo Akinro es hija de alemán y nigeriana, criada hasta los diez años en Nigeria; Morten Klein es hijo de alemán y danesa: y el grupo ha tenido colaboradores de Islandia (Hrólfur Vagnssonnut), EE. UU. y Gran Bretaña. Hasta 2007 ha recibido premios en Alemania (German Jazz Award por "It Took So Long" y "About") y Francia (SACEM, sociedad de autores y compositores), y ha publicado nueve álbumes, de los cuales uno es en directo ("Reach Out...and Sway Your Booty", 2007), además de un dvd ("Live in Bratislava", 2005).
Morten Klein es un instrumentista extremadamente versátil, y en varios discos ha incluido instrumentación vocal, es decir, elementos de percusión o de cuerda realizados con su propia voz, mientras que Akinro es una vocalista de jazz y soul con un enorme registro.
TRACKS
1. It Took So Long
2. Weight
3. Like Music from the Skies
4. Secrets of the Night
5. Nothing Stays the Same
6. I Cannot Sleep
7. Day in the Life
8. Something Restless
9. Spooky
10. Can You Keep It?
11. When You're Far Away
jueves 25 de junio de 2009
Nnenna Freelon, "Better than Anything" (comp. 2007).
Tras una aparición estelar con Ellis Marsalis, graba su primer disco en 1992, que atrae la atención de la crítica, que rápidamente ve en ella la influencia de Sarah Vaughan. Su segundo álbum fue recibido más favorablemente, y en ocasión del tercero, incluso los más recalcitrantes detractores se vieron obligados a reconocer el extraordinario talento de la cantante y su prodigiosa voz. Freelon extrae su repertorio no sólo del jazz, sino también de la música pop y folk, asimilando dichas corrientes en una síntesis muy personal. Nnenna Freelon, sin duda, ha encontrado ya un estilo que se pone aún más de manifiesto cuando cambia de sello discográfico en 1966 e inicia un camino mucho más personal, encarnado sobre todo en su segunda grabación para Concord Jazz, Maiden Voyage (1998), en el que, entre otras cosas, expone su interés por el papel que la mujer ha de desarrollar en el ámbito musical y en la sociedad en general.
En el 2000, Freelon debuta en el campo de la interpretación en What Women Want, y graba su primera producción propia, Soulcall. Freelon ha grabado y actuado con una variada gama de músicos, y un examen de ese elenco puede testimoniar acerca de los gustos de la cantante y por donde se encaminan sus pasos. Esos artistas son, entre otros, los exquisitos Kenny Barron y Herbie Hancock, Joe Beck, Christian McBride y Kirk Whalum.
La voz de Freelon es rica en calidades emocionales, acompañada últimamente de un sonido fuerte. No obstante, si las circunstancias musicales así lo demandan, es capaz de dar con el tono cool aunque sensual, especialmente persuasivo cuando se trata de baladas. Su variedad de registros le permite crear desde un escenario propicio a la confidencia a otro en el que se interpretan en clave de humor clásicos del pop, del soul, del jazz o del gospel, todo en un clima de libertad en el que siempre cabe el recurso a la improvisación.
Nnenna actuó varias veces con la legendaria Julie Andrews en la "Society of Singers", en la "Ella Awards" y en "Variety's The Childre's Charity" como vocalista del grupo "Stephen Sondheim Tribute" en el Carnegie Hall de Londres y en muchos festivales, con un gran éxito. En su quinto álbum grabado para el sello discográfico Concord Records, titulado Live, Nnenna aporta todo su talento y el resultado es un disco intimista de extraordinaria belleza. Se grabó en el "Centro de Kennedy" en Washington DC, entre el 21 y 22 de febrero de 2003. El disco resume toda una década de carrera musical, con más de 20 años en la carretera. Ha sido dos veces ganadora en los premios "Billie Holiday Award" de la prestigiosa Academia de Jazz y de los premios "Eubie Blake Award". También ha sido nominada dos veces para "Lady of Soul" de Soul Train Award. Nnenna ha realizado varias giras con importantes músicos como Ray Charles, Ellis Marsalis, Al Jarreau y George Benson entre otros.
DATOS TOMADOS DE APOLOYBACO
trax
1. Better Than Anything
2. I Won't Dance
3. Straighten Up And Fly Right
4. Nature Boy
5. Them There Eyes
6. I Say A Little Prayer
7. Body And Soul
8. Button Up Your Overcoat
9. The Tears Of A Clown
10. Ooh Child
11. One Child At A Time
12. Balm In Gilead
lunes 22 de junio de 2009
Renato Russo, "The Stonewall Celebration Concert" (1994).
En cierta ocasión, preguntado por una periodista del Jornal de Brasil si era un muchacho introspectivo, respondió en tono irónico: "Yo aprovechaba los días de lluvia".
Hijo de padre economista del Banco do Brasil, y de madre profesora de inglés, Renato tuvo una infancia tranquila, en una familia de clase media alta, donde pudo adquirir una buena formación cultural, principalmente después de su estancia fuera de Brasil.
A los siete años de edad, "Juninho", como era llamado en aquel entonces, se trasladó a Nueva York, porque el padre tenia que hacer allí un curso, y allí se matriculó en una escuela local. Juninho y Carmen Teresa, su hermana, pudieron entonces ampliar la lengua de Shakespeare.
Después de retornar a Río, la familia se instaló en Brasilia. Allí comenzaría la fase más traumática hasta entonces. En 1975, con 15 años, Renato quedó imposibilitado para caminar. Sufría epifosiliosis, una dolencia extraña que atacaba los huesos. Pasó por diversos tratamientos y operaciones quirúrgicas. Volvería a caminar a los 17 años.
A pesar de la complicación natural de la situación, Renato acabó aprovechando el tiempo para leer. Llegó a inventarse una banda ficticia en la cual el cantor/alter ego se llamaba Eric Russel. El sobrenombre artístico era un homenaje colectivo al filósofo Jean Jacques Rousseau, al pintor naif Henri Rouseau y al filósofo Bertrand Russell. Este mezcla filosófica y artística daría origen al "Russo" del Renato.
Antes de realizar su sueño, no obstante, el futuro músico aún sería profesor de inglés, programador de radio y periodista. Enseñando en la Cultural Inglesa, fue escogido por la entidad para recibir al Príncipe Carlos, cuando el monarca inauguró una de las filiales del grupo. Allí estaba Juninho con su perfecto inglés.
Por aquellos años andaba con una cierta "pandilla de la colina". Muchachos que se reunían en un conjunto de locales construidos para albergar a profesores y funcionarios de la UnB. Un enclave de libertad en una Brasilia sombría. Envueltas por las drogas y las garrafas de vino, diversas bandas de punk rock surgían del núcleo cultural. "Mucha gente lo encontraba aburrido, pero Renato era el catalizador. Era quien unía a toda aquella gente. Quien hacía que las cosas sucediesen" decía Renato Rocha, el entonces futuro bajista de Legión Urbana. Frecuentaba fiestas, escuchaba discos importados. El gusto general era por el punk.
"Del 76 al 78 yo escuchaba mucho rock progresivo. Entonces el progresivo acabó. Genesis y Yes perdieron componentes. Comencé a escuchar a los Beach Boys, Jefferson Airplane, Bob Dylan y Leonard Cohen. Entonces los periódicos pasaron a hablar mal de toda esa gente. Apuntaban para los Sex Pistols. Yo me sentía picado por la curiosidad" comentaba Renato Russo a la revista Bizz.
Con esas influencias, y las de The Clash y Eddie And The Hot Rods, Renato, que aún no se llamaba Russo, formó "Aborto Eléctrico". Renato tocaba el bajo, Fê era el batería y André se ocupaba de la guitarra y la voz. Llegaron a tener cierto cartel en las pequeñas fiestas de Brasilia.
Renato se manifestó siempre beligerante contra la falta de ética, los prejuicios, las injusticias. Durante sus trabajos buscó el rescate de los valores morales, sin ser panfletario.
Un día de 1984 saltó la noticia bomba: Renato Russo se había cortado las venas. La conmoción fue general. Pero el implicado insistía en decir que el gesto no pasaba de haber sido un accidente. "Me corté las venas pero no para matarme ni para nada. Fue un juego, y yo estaba bebido", explicaba el joven. Era una burrada para llamar la atención de algún muchacho. Renato era visceral, capaz de apasionarse con la mayor facilidad. Y de frustrarse aún con mayor facilidad.
Según el periodista Arthur Dapieve, en la biografía del músico, en la serie Perfiles de Río, la inactividad de Renato Russo planteaba problemas. Había perdido alguna movilidad en la mano y no podía tocar el bajo durante algún tiempo. El músico también estaba queriendo tener más libertad para cantar y cuidar los intereses de Legión Urbana, su grupo.
En esa época, los "Paramalas do Sucesso" ya habían grabado y tenían mucho suceso. Con el ejemplo de los amigos de la Capital, "los legionarios" pensaban que era una cuestión de tiempo para que alcanzasen la fama. Renato estaba ilusionado. Llegó a decirle a sus padres que sería el líder de la mejor banda del país.
Una cinta demo de Legión Urbana sonaba en la Radio Flaminense de Río, madre del renacimiento del rock brasilero de los años 80.
Después de dos meses en Brasilia, tuvieron la noticia de que el productor del disco sería el periodista José Emilio Rondeau. Con él, llegaron a un acuerdo entre lo que la discográfica deseaba y los que los muchachos aceptaban hacer. Poco tiempo después sería lanzado el disco Legión Urbana. Había quien decía en la EMI que el objetivo era vender Paralamas y derribar a Legión. Pero el vinilo se saltó las expectativas vendiéndose de salida 50 mil copias.
En 1988, alegando no poder engañar más a su público, Renato Russo asumió públicamente ser homosexual, aunque antes la homosexualidad aparecía camuflada en algunas letras de la Legión, como "Daniel en la cueva de los leones" y "Soldados". . "Esto forma parte de mi vida, no es un problema", acostumbraba decir. Y realmente no lo era. En cambio sí eran problemáticas sus relaciones afectivas.
El cantor tuvo dos grandes pasiones. La primera surgió en 1990, cuando conoció en un bar de Nueva York al americano Robert Scott, enganchado a las anfetaminas. La relación duró dos años y el muchacho llegó a convivir con Renato en Río de Janeiro. En la temporada americana, llegaron a sumergirse durante un mes y medio en sesiones constantes de heroína. "Pienso que voy a estar unos diez años escribiendo músicas del tipo Mi amor partió", comentó alguna vez.
A finales del 90, el poeta buscó la autointernación para tratarse del problema del alcoholismo. En la clínica incendió unos muebles como protesta por la prohibición de tocar un violín para los otros pacientes en la celebración de fin de año.
El músico compró un apartamento en Ipanema, zona sur de Río de Janeiro. Estaba muy deprimido, tenso, irritado y bebiendo como loco. Tenía la convicción de que era portador del SIDA. Le faltaba coraje para hacerse las pruebas. Tal vez por eso, cuando recibió el resultado que verificaba sus temores, su reacción fue más que conformista: fatalista.
En 1993 inició un tratamiento para librarse de la dependencia a sustancias químicas. Para salir de la depresión, Renato grabó en 1994 el disco en solitario The Stonewall Celebration Concert, en el cual interpretaba canciones populares americanas. El álbum conmemoraba los 25 años del surgimiento del movimiento gay en Estados Unidos y traía en la portada una recordatoria dejada para Scott.
La otra pasión de Renato fue el joven carioca Cristiano, un muchacho de la periferia con el que el artista se relacionó hasta mediados de 1995. La ruptura ocurrió durante la grabación del segundo disco en solitario, con canciones en italiano, de título Equilibrio distante.
Este trabajo es uno de los más premiadísimos, y en sus canciones se homenajea a la colonia italiana de donde eran sus bisabuelos, que habían llegado al Brasil como inmigrantes.
A comienzos de 1996, comenzó a tener serios problemas de salud que perjudicaron los trabajos del álbum de estudio de la Legión La tempestad (o El libro de los días). Renato se encerró en su apartamento tras haber concluido el álbum, y allí fue donde falleció en octubre del mismo año por las complicaciones del SIDA.
En las últimas semanas de vida, Renato no salía de casa, se negaba a comer, se apartó de sus amigos. Se encerró a cal y canto en su apartamento de Ipanema, solamente en compañía de su padre y de un enfermero. No quería tomar más el penoso cóctel de drogas que los médicos le habían recetado. "Cuando tomo el cóctel es como si me estuviese comiendo un cachorro vivo. Es el cachorro que me come por dentro", le dijo a un amigo.
A la tarde, los vecinos repararon que la música, siempre alta en el segundo piso del edificio de la calle Nascimento Silva, había cesado. Y los fans no dejaron de reparar luego que la frase URBANA LEGIO OMNIA VINCIT (La Legión Urbana vence todo, en latín), estampada en todos los discos de la banda, estaba ausente en A Tempestade, su último álbum.
En 1997 salió el album Último solo. Ese trabajo contiene canciones anteriores y no incluidas en los anteriores álbumes. Estos tres discos completan las grabaciones en solitario de Renato Russo.
resumido del texto hallado en:
http://www.islaternura.com/APLAYA/NoEresElUnico/R/RUSSOrenato/RussoUNICO.htm
trax
1. Send In The Clowns
2. Clothes Of Sand
3. Cathedral Song
4. Love Is
5. Cherish
6. Miss Celie'S Blues
7. The Ballad Of The Sad Young Men
8. If I Loved You
9. And So It Goes
10. I Get Along Without You Very Well
11. Somewhere In My Broken Heart
12. If You See Him, Say Hello
13. If Tomorrow Never Comes
14. The Heart Of The Matter
15. Old Friend
16. Say It Isn't So
17. Let'S Face The Music And Dance
18. Somewhere
19. Paper Of Pins
20. When You Wish Upon A Star
21. Close The Door Lightly When You Go
domingo 21 de junio de 2009
Elis Regina, "Saudade do Brasil" (CD doble, 1980).
Nació —con el nombre de Elis Regina Carvalho Costa— el 17 de marzo de 1945 y falleció el 19 de enero de 1982. Elis Regina nació en Porto Alegre (al sur de Brasil), donde empezó su carrera como cantante a los 11 años en el programa de radio para niños O Clube do Gurí en la radio Farroupilha.
A finales de los años sesenta y principios de los setenta, Regina ayudó a popularizar el trabajo del movimiento Tropicalia, grabando canciones de músicos como Gilberto Gil.
Elis Regina a menudo criticó la dictadura brasileña que persiguió y exilió a muchos músicos de su generación. En una entrevista en 1969, declaró que Brasil estaba siendo gobernado por "gorilas". Su popularidad la mantuvo fuera de prisión, pero finalmente fue obligada por las autoridades a cantar el himno nacional de Brasil durante un espectáculo en un estadio, lo que despertó la ira de muchos brasileños de izquierda.
En 1974 editó con Tom Jobim el álbum Elis & Tom, considerado por críticos musicales como uno de los mejores discos de bossa nova de todos los tiempos.
Tuvo tres hijos: João Marcelo Bôscoli (hijo de su enlace con Ronaldo Bôscoli), y Pedro Camargo Mariano y Maria Rita Mariano (hijos también del pianista y compositor César Camargo Mariano). María Rita ha logrado ser una cantante de mucha popularidad.
Elis Regina murió por una sobredosis de drogas, tranquilizantes y alcohol en 1982, a los 36 años.
de la Wikipedia.
faixas
Disc: 1
1. Abertura/Arrastao
2. Terra de Ninguem
3. Maria Maria
4. Agora Ta!
5. Alo, Alo Marciano
6. Cancao Da America
7. As Aparencias Enganam
8. O Primeiro Jornal
9. Moda de Sangue
10. Marambaia
Disc: 2
1. Presidente Bossa Nova
2. Conversando No Bar
3. Onze Fitas
4. Menino
5. Aos Nossos Filhos
6. Sabia
7. Mundo Novo Vida Nova
8. Aquarela Do Brasil
9. O Que Foi Feito Devera
10. Redescobrir
viernes 19 de junio de 2009
Caetano Veloso, "Noites de Norte. Ao Vivo" (CD doble, 2001).
Personalmente, he mantenido una opinión diferente. Por un lado, me gusta el calor de la música registrada fuera de los estudios; por otro considero saludables las re-versiones del repertorio y las reiteraciones de estilos que este tipo de disco favorece. Naturalmente, como de cualquier lado, pueden surgir obras buenas, obras aceptables u obras malas.
Entiendo que la reacción contraria se justifica por el riesgo al comercio banal. Pero me gustaría ver un mayor rigor crítico por parte de quien exhibe tanta antipatía por el mercado, por el éxito y por las grabadoras.
El disco Fina Estampa estaba asentado en canciones inéditas muy fuertes: "Cucurrucuru Paloma", "Lábios que bejei", "Você esteve com meu bem", "O samba e o tango" etc. El disco Livro (En vivo, "Prenda Minha") en la ausencia total de canciones de estudio.
Ahora, Noites do Norte. Bien, esta vez terminé aprobando el documento de un show completo. Es el disco de show más disco-de-show que hice hasta el momento.
No sólo está ahí todo el repertorio (y en el orden en que fueron tocadas), sino que además está también toda la impureza técnica de las presentaciones del show en su primera fase, cuando el mismo aún no estaba tan maduro como ahora.
Como en el caso de Prenda Minha, Circuladô o Fina Estampa, no hice personalmente ningún trabajo de post-producción en estudio para corregir lo que no me gustase de mis participaciones vocales. Sólo que en aquellos discos hubo una selección: Como se trataba de una pequeña parte del show, me permitía hacer una selección de lo que mejor estuviese. También hubo en aquellos casos una mudanza en el orden de las canciones. En este está todo.
Para mí, el disco es un tesoro por el trabajo de los músicos. El sonido que resulta de las guitarras de Davi y Pedrinho con los coros de Cesinha, Márcio, Junior, Du y Jó –en el diálogo singular que ese sonido mantiene con el arco musical de Jaques Morelembaum- es también una poderosa máquina. Ella produce liberación.
Me acuerdo de los ensayos: Todas mis ideas se traducían con una asustadora precisión en los timbres de la guitarra de Davi; precisión vigorosa por parte de los percusionistas (con Márcio siempre liderando); intervenciones sabias de Pedrinho; una perfecta seguridad por parte de Cesinha, todo eso con la interpretación general de Jaques, siempre explicando lo que estaba pasando musicalmente y mostrando cómo hacer para que todo pasase más claramente y conscientemente. Él conseguía eso hablando con calma –y lo que es más eficaz- tocando con inspiración.
Fue también Jaquinho quien después de organizar nuestra mente musical en los ensayos, entró a los estudios y dirigió la producción, orientando la recreación de los sonidos en la mezcla. Como lo grabamos el día de mi cumpleaños, tuve (y puedo compartirla con los que compran este CD) la presencia de Lulú Santos.
Así, aunque pida disculpas por eventuales demostraciones de inhabilidad de mi parte, aconsejo comprar y escuchar este CD doble y extensísimo, donde, sobre todo gracias a los instrumentistas, se puede entrar en contacto con una milagrosa parte de lo que más vivo se hace en música en Brasil.
Caetano
Noviembre de 2001.
faixas
1 - Two Naira Fifty Kobo 2 - Sugar Cane Fields Forever 3 - Noites Do Norte 4 - 13 De Maio 5 - Zumbi 6 - Haiti 7 - O Último Romântico 8 - Cobra Coral 9 - Como Uma Onda (Zen Surfismo) 10 - Mimar Você 11 - Araçá Blue 12 - Escândalo 13 - Menino Deus 14 - Magrelinha 15 - Rock' N' Raul 16 - Zera A Reza 17 - Dom de iludir / Tapinha 18 - Caminhos Cruzados 19 - Tigresa 20 - Trem Das Cores 21 - Samba De Verão 22 - Gatas Extraordinárias 23 - Língua 24 - Cajuína 25 - Gente 26 - Tropicália 27 - Eu E A Brisa 28 Homenagem ao Jorge Amado*.
* (Nota): Este está afuera del show, pero como me pareció un momento emotivo (había muerto Jorge Amado hacía poco) lo agregué al recital.
si querés bajatelo de acá
sábado 13 de junio de 2009
Toninho Horta & Carlos Fernando, "Qualquer Canção - A Música de Chico Buarque" (1994).
La forma de encarar la MPB que tiene Carlos Fernando tiene mucho de jazz, especialmente de cool. Fue el vocalista de un grupo de jazz brasileño llamado Nouvelle Couisine, que ya no existe. Y dicen los cumpas brasileños que han tenido la suerte de escucharlo en vivo que cantando jazz es verdaderamente impagable.
En cuanto a Toninho, vaya este texto:
Un músico de creatividad caudalosa, más de veinte discos, un estilo que combina el samba con el jazz y el pop de aires cariocas. La forma de tocar del brasileño Toninho Horta influyó en un guitarrista como Pat Metheny, que tomó ciertas líneas de armonización de ese estilo.
Considerado uno de los grandes guitarristas contemporáneos, la revista Melody Maker lo calificó, en 1977, como el "mejor intérprete de guitarra en el mundo".
Más allá de semejantes reconocimientos, Horta, se reveló como una persona sencilla y dijo que su estilo era, básicamente, el de un guitarrista de estilo minero con muchas influencias.
Nacido en un hogar musical (sus padres tocaban la guitarra y la mandolina), creció escuchando música clásica y jazz. Ella Fitzgerald, Frank Sinatra, Wes Mongomery, Barney Kessel y Stan Getz amenizaron las calurosas tardes en el hogar familiar. Quizá de aquellos días tomó esa sensualidad vigorosa tan presente en el saxo tenor de Getz.
A los diez años tocaba la guitarra y a los trece hizo su primera composición para que su hermana Gilda la cantara. "Era algo así como un pre bossa nova, una música abolerada", señala el músico desde su casa en Belo Horizonte.
A los 18 años, pisó Río de Janeiro para quedarse y poder conocer a Tom Jobim. También conoce a la inigualable Elis Regina, quien lo incorpora en su grupo para trabajar en los arreglos, junto con otro guitarrista y compositor minero, Nelson Angelo.
Pero su relación con Milton Nascimento es determinante no sólo para su carrera artística, sino también para desarrollar una dirección como compositor.
Forma parte del movimiento El Club de la Esquina, liderado por Nascimento, cuya fuerza lo ayudará para convertirse en un sideman prestigioso y buscado por su originalidad a la hora de armonizar e interpretar.
Actuó con toda la línea de grandes artistas brasileños, como Jobim, Elis, Caetano Veloso, Chico Buarque, Hermeto Pascoal, Gal Costa, Maria Bethania, Lenny Andrade, Nana Caymmi, Nana Vasconcelos y Joao Bosco.
Arreglador de mano delicadísima y sesionista incomparable, sólo en 1980, con "Terra de pássaros", es reconocido en toda su dimensión.
Viaja a Nueva York, donde se radica por diez años y asombra al mundo jazzístico de los Estados Unidos. Actuó con Pat Metheny, Wayne Shorter, Paquito D´Rivera, Randy Brecker, Larry Carlton, Gil Evans, Gary Peacock y Omar Hakim, entre otros.
Fuente para la reseña: Parte de un reportaje de César Pradines para el Diario La Nación, edición del 29/07/04
Tracks
1. Samba E Amor
2. Pedro Pedreiro
3. Joana Francesa
4. Tatuagem
5. Carolina
6. Brejo Da Cruz
7. Bastidores
8. Trapaças
9. Quem Te Viu, Quem Te Vê
10. As Vitrines
11. Qualquer Canção
12. Futuros Amantes
jueves 11 de junio de 2009
Dusko Goykovich, "Samba Tzigane" (2006).
Ciudadano de Munich, Alemania, Dusko tiene todavía una apretada agenda de giras, que incluye actuaciones con small band, con big band, y apariciones como invitado en múltiples países europeos, además de Japón y Corea.
Por lo general muy admirado por sus perfectas líneas bebop y por sus entrañables baladas (la mayor parte de ellas con trompeta o flugel en sordina), Goykovich abrió un nuevo capítulo en el 2003, cuando presentó "Samba do mar", su primer album completamente inspirado en el Brasil, que cautivaría y conquistaría a auditores del mundo entero. Acompañado por un equipo de su elección en guitarra, bajo y batería y emprendiendo una mezcla de clásicos (Jobim, Villa-Lobos) además de originales, la ejecución de Dunko añade un toque fresco, elegante, a veces elegíaco, a las adorables melodías de la música del Brasil. "Samba do mar" fue un gran éxito, recibió una gran aclamación crítica y ganó el prestigioso premio de la German Record Critics.
Ahora, Dusko y su equipo internacional -Ferenc Snétberger en guitarra, Martin Gjakonovski en bajo, Jarrod Cagwin en batería- vuelven al Brasil con "Samba Tzigane" en el sello Enja Records. Presentan en el disco apariciones de invitados como el flautista brasileño Márcio tubino y la adorable cantante brasileña Celine Rudolph. El nuevo álbum versiona un territorio aun más amplio de temas del samba y la bossa. Además de los clásicos de Jobim, Villa-Lobos, Baden Powell y Luiz Antonio, ofrece originales relajados y encantadores de Tubino, Rudolph y el mismo Goykovich. Lanzado en ocasión del 75mo. aniversario de Dusko, en octubre del 2006, este album celebra la melodiosidad, imaginación y vitalidad de un gran trompetista.
1.Samba Tzigane
2.Melodia Sentimental
3.Meninha Moca
4.O Grande Amor
5.A Descoberta Da Lentidao
6.Trio Loco
7.Samba Triste
8.Coracao Del Sul
9.Five O'Clock In The Morning
10.Este Seu Plhar
11.Everyday And Everynight I Dream Of You
sábado 6 de junio de 2009
Morelenbaum2 & Sakamoto, "Casa" (2002).
Nota de: QUICO ALSEDO
MADRID.- Sólo una casa. Apenas una construcción de paredes blancas y aire minimal, con vistas a Río de Janeiro. Quizás la madriguera de, pongamos, un mito de la bossa nova: Antonio Carlos Jobim.Tal vez, incluso, «un instrumento musical» en el que, asegura Ryuchi Sakamoto, «hasta las ventanas suenan, vibran con la música».
La casa. Y, dentro, Sakamoto y los Morelenbaum, ex colaboradores de Jobim. Grabando, durante sólo cinco días, las canciones de Jobim. En el piano que usaba Jobim. Sakamoto sentado en la silla en que solía hacerlo el maestro, Jobim (1927-1994).
Pero una Casa que es, al fin, un delicioso álbum (Sony), y que ahora llega a España en directo: hoy a Madrid (sala La Riviera) y el próximo lunes a Barcelona. El feliz encuentro de un trotamúsico de la vanguardia de fin de siglo, Sakamoto (Tokio, 1952), con dos de los mimbres con que Tom Jobim solía construir sus melodías: el chelo de Jaques Morelenbaum y la tenue voz -como manda el canon- de su hija Paula.
«Desde allí se oye el viento, el rumor del océano, los insectos, las ranas del jardín», recuerda Sakamoto: «Naturaleza por todas partes... Jobim la amaba». Por los grandes ventanales, a lo lejos, el Jesús del Corcovado. Y también por las esquinas de Casa se cuela, cómo no, el discurso de esa naturaleza a la que, dice el japonés, «Jobim dedicó la vida».
Desnudez y simplicidad
La casa: una «maravilla» de simplicidad proyectada por el propio hijo de Jobim, Paulo, arquitecto y también músico. Curiosamente, con leve reminiscencia oriental: «El suelo, por ejemplo, es de madera desnuda, muy japonés», dice Sakamoto. Desnudez clave, además, también en la casa grabada: un prodigio de artesanía y concisión. Apenas piano, chelo y voz. Regusto totalmente vintage.
Pero sencillez que Sakamoto, con una parquedad muy asiática -habla casi en haikus-, quiere desmentir: «Su música es fácil de escuchar, pero no de hacer. Tardaba en componer una canción hasta dos y tres años».
El piano que Jobim utilizó durante 20 años, que ahora llena Casa, parece haber hipnotizado a Sakamoto: «Es que lo he sentido dentro, y a la vez creo que yo me he metido en él».
El japonés conoció a la viuda de Tom Jobim en 1995. Fue, claro, en la casa. «Estuvimos una tarde allí, bebiendo, tocando, fue divertido, muy natural y ya entonces me fijé en cómo sonaban las ventanas». Sakamoto cuenta que ya entonces fantaseó con la idea de homenajear a Jobim, «pero no se lo comenté a nadie».Sólo tres años después, Paula Morelenbaum recibió telepáticamente el mensaje. Sakamoto aceptó al momento: Casa estaba en marcha.Como guinda, además, Paulo Jobim hizo una aportación al proyecto: Tema para Ana, un acuático corte instrumental sólo registrado por el maestro en una cinta que Paulo localizó en Nueva York.
Y Sakamoto, acostumbrado ya al turismo musical -en su currículo, desde el techno pop a lo Kraftwerk de YMO a las bandas sonoras de El último emperador y Tacones lejanos, por ejemplo-, ya tenía nueva escala en su particular viaje: «Podría vivir en cualquier parte... Este planeta es sólo uno y yo vivo en él».
Pero no ha albergado esta Casa sólo un triángulo amoroso. Sakamoto: «Al final de la grabación de un tema, un pájaro se posó en el piano y empiezó a cantar ¡con el timing perfecto!». Cuenta el japonés que, de inmediato, llamaron a Ana Jobim a Nueva York: «Quién sabe, quizás sea lo que imagináis», les dijo. Ellos se miraron. Tom volvía a casa.
http://www.elmundo.es/papel/2002/10/02/cultura/1240224_impresora.html
1. As Praias Desertas
2. O Amor em Paz
3. Vivo Sonhando-Dreamer
4. Inutil Paisagem
5. Sabia
6. Chanson pour Michele
7. Bonita
8. Fotografia-Photograph
9. Imagina
10. Estrada Branca
11. O Grande Amor
12. Cancao em modo menor
13. Tema para Ana
14. Derradeira Primavera
15. Esperanca perdida-I Was Just One More For You
16. Sem Voce Album Version
17. Samba Da Aviao
18. Improvisation (Live)
domingo 31 de mayo de 2009
Simone, "Essential" (comp. 2000).
Simone fue contratada por la CBS americana, y grabó inmediatamente en USA, siendo alabada por la crítica. En ese nuevo período, marcado por un éxito descomunal, tuvo éxitos con temas como "Alma" (Sueli Costa/Abel Silva), "Tô Que Tô" (Kleiton/Kledir), "Um Desejo Só Não Basta" (Francisco Casaverde/Fausto Nilo), "Você é Real" y "Yolanda" (Pablo Milanés/Chico Buarque). Lanzó Café Com Leite en 1996; el CD estuvo dedicado a las composiciones de Martinho da Vila, autor que compartió con ella el tema "Ex-Amor".
Simone ha seguido actuando con regularidad en Brasil, Portugal y USA. En 1997, fue incluida en la serie de Sony de las Celebridades de la Música de la MPB (compartió ese privilegio con Ângela Maria, Sílvio Caldas y Cauby Peixoto), con la edición de una caja de 4 CDs que conmemoraron los 25 años de su carrera. En el 2000, publicó Fica Comigo Esta Noite, con clásicos del repertorio romántico de la samba brasileña.
datos tomados de la AMG.
FAIXAS
1. Cantos De Maculelê
2. O Que Será
3. Face A Face
4. Maria Maria/Cigarra
5. Sambas De Roda Da Bahia
6. Coqueiro De Itapoã
7. Bodas De Prata
8. Começar De Novo
9. Mulher E Daí
10. Revelação
11. A Sede Do Peixe
12. Tô Voltando
13. Canoa, Canoa
14. Mar E Lua
15. Gota D'Água
16. Eu
17. Estrela Da Canção
sábado 30 de mayo de 2009
Zizi Possi, "Mais Simples" (1996).
Cantando sola desde que era una niña, Possi comenzó a tomar clases de piano a los 5 años. A los 20, abandonó el intensivo programa en Composición Musical de la Universidad del Estado de Bahía y comenzó a trabajar como actriz en un musical, descubriéndose a sí misma como cantante.
En 1978, partió hacia Río, adonde fue invitada por Roberto Menescal para grabar su primer álbum, Flor do Mal. El primer éxito de Possi fue el tema que dio título a su segundo album, Pedaço de Mim, de Chico Buarque, tomado de la obra de este Opera do Malandro, en la cual participó ese mismo año. En los 80, Possi expandió su repertorio pop, a expensas de la MPB, logrando éxito con "Asa Morena" (Zé Caradípia, 1982). Otros éxitos de esa década fueron "Perigo" (Nico Resende/Paulinho Lima, 1986), "A Paz" (Gilberto Gil/João Donato, 1987); "É A Vida Que Diz" (Marina) y "O Amor Vem Pra Cada Um" (versión de "Love Comes to Everyone" de George Harrison). El LP Estrebucha Baby (1989) representó una fase diferente, casi experimental, siendo la primera vez que "Meu Erro" (Herbert Vianna) fue grabado no como rock o pop (como fue escrita) sino como un tema de una densa interpretación, que funcionaba como el aggiornamiento de la MPB que hacía ingresar diferentes géneros, fenómeno que encontraba en Brasil sentimientos cruzados.
En los 90, el show Sobre Todas As Coisas representó para ella el hallazgo de una coherencia interna tras haber tomado diferentes caminos. Premiada por el éxito durante las giras, aceptó la sugerencia de Marcos Suzano de incorporar el cello de Lui Coimbra, para grabar el álbum Sobre Todas As Coisas (1991).
La estética de un sonido acústico sumado a los clásicos de la música brasileña se intensificó en Valsa Brasileira (1993) y en sus álbumes posteriores. Valsa Brasileira tuvo dos éxitos importantes: "Bom Dia" (Swami Jr./ Paulo Freire) y "Lamento" (Pixinguinha).
Faixas
1. Melodia sentimental
2. Béradêro
3. Filho de Santa Maria
4. Olho de peixe
5. Mais simples
6. Um beijo meu
7. Se meu mundo cair
8. Explode coração
9. Mundo cruel
10. Eu quero um samba
11. Só pra chatear
12. Provei
13. Brasil
14. Juízo final
martes 26 de mayo de 2009
Joyce, "Hard Bossa" (1999).
Las canciones de Joyce han sido interpretadas y grabadas por los principales intérpretes de música brasileña, como Milton Nascimento, Elis Regina, Gal Costa y Astrud Gilberto. El redescubrimiento en los 90 de su album Feminina (1980), delicado tejido de folk y samba en un sencillo estilo acústico, le supuso el ganar una nueva generación de admiradores en Europa y Japón y ampliar el número de seguidores de una música que combina los ritmos brasileños, las armonías jazzísticas y unas letras inteligentes con una bellísima voz de gran expresividad. Para Jobim, hombre poco dado al exceso en el halago, Joyce era una de las grandes cantantes de todos los tiempos.
faixas
1 Zoeira (Paulo César Pinheiro - Joyce)
2 Quarup (Paulo César Pinheiro - Joyce)
3 Criança (Joyce)
4 Nome de guerra (Paulo César Pinheiro - Joyce)
5 London Samba (Maurício Maestro - Joyce)
6 Todos os Santos (Paulo César Pinheiro - Joyce)
7 Juparana (Paulo César Pinheiro - Joyce)
8 Novelo (Paulo César Pinheiro - Joyce)
9 Hard bossa (Joyce)
10 Vatapá (Lea Freire - Joyce)
viernes 22 de mayo de 2009
Jussara Silveira, "Canções de Caymmi" (1998).
se eu fosse só o vento...
se eu fosse vento e saudade
se eu podesse ser vento e me chamar Dorival...
Canções de Caymmi, de Jussara Silveira, es un trabajo que tiene todo lo necesario para ser considerado un disco de Música Popular Brasilera. "O mestre" Dorival, bahiano, guitarrista, letrista, compositor, cantante, es un artista popular, como pocos pueden jactarse de serlo. Corrijo, debería decir: popular sin concesiones, como pocos, etc.
La bahiana Jussara Silveira se atreve a las canciones de Caymmi y las canta, dice, sopla, mastica, respira; y revitaliza un repertorio que sobrevive y se agiganta con el tiempo. En su trabajo hay no sólo un homenaje al gran mestre, sino también a un modo de concebir la música popular.
Hace un par de renglones se afirmó que revitaliza un repertorio -como si la obra de Caymmi lo necesitara- y es que estas canciones inmortales son recreadas, re - creadas, por la voz y el candor de Jussara, con el apoyo de tipos como Jaques Morelenbaum, Ronaldo Bastos y Luiz Brasil.
Jussara, Canções de Caymmi, editado en 1998, es un álbum para escuchar y vivir una vez más y soñar con esa Bahía casi mítica, casi inexistente de tan bella en el recuerdo que proponen estas canciones, y llamar al viento...
Lista de Temas:
01- O Vento
02- Lá vem a Baiana
03- Nem Eu
04- O Anjo da Noite
05- Você diz que amar é crime . Vou vê Juliana
06- Maracangalha
07- Yayá não sabe . Você não sabe amar
08- Horas
09- Milagre . História por sinhozinho
10- Canto de Nanã . Quem vem pra beira do mar
11- Saudade de Itapoã
12- Adalgisa
13- O Vento (Vinheta)
domingo 17 de mayo de 2009
Jun Miyake - Innocent Bossa In The Mirror
Comentando un disco de nuevas versiones de viejos éxitos de la Bossa Nova, a Carlos le agarró la saudade de otros tiempos, en que la Bossa era algo más que un tempo que, aplicado a casi cualquier cosa, da como resultado un producto comercializable como lounge. Es así, mi querido amigo, aquello que tenía de nuevo la Bossa parece haber quedado reducido a un beat repetido por una máquina, o en el mejor de los casos, a versiones sin alma y sin ideas nuevas.
Existen, si embargo, algunas raras excepciones. Una de ellas es este disco de Jun Miyake, un japonés nacido en Tokyo y graduado en el Berkley College of Music. Descubierto por la leyenda del Jazz Terumasa Hino, Jun comenzó su carrera como trompetista de jazz, grabando con Ron Carter y Al Foster, entre otros.
Jun Miyake se desarrolló luego como compositor, arreglador, productor y músico. Miyake ha publicado 13 álbumes en su país natal, y compone música para anuncios publicitarios, obras de teatro, películas de largometraje, y piezas para danza, como las que realizó en colaboración con el coreógrafo Philippe Decouflé.
Este disco lo descubrí gracias al siempre sabio consejo de Joe Sixpack, autor de una fabulosa Guía de la Música Brasilera. Acerca de Inocent Bossa In The Mirror dice Joe Sixpack: "Un rareza, un hermoso disco enteramente nuevo de Bossa Nova hecho por outsider. El multi instrumentista japonés Jun Miyake nunca se había acercado a la música brasileña entes de este álbum, pero con la ayuda de los modernistas Arto Lindsay y Vinicius Cantuaria, Miyake lanza un delicado hechizo que recuerda los mágicos días de gloria de Joao Gilberto, Carlos Lyra y otros grandes. Como lo hace en sus propios albumes, Lindsay escribe y canta las letras en portugués, mientras Cantuaria aporta el más suave, más convincente acompañamiento con guitarra imaginable. El piano de Miyake recuerda el inquietante sonido de Erik Satie, y mientras cada track tiende hacia una prolongada exploración de un único tema ( una canción con una percusión extraña, otro con un flugelhorn como instrumento líder), el efecto total es mágico y sereno."
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viernes 15 de mayo de 2009
Celso Fonseca & Ronaldo Bastos, "Polaroides" (2006).
Fonseca también tocó y grabó con Chico Buarque, Djavan, Milton Nascimento, Caetano Veloso, Gal Costa, Elza Soares, Marisa Monte, João Bosco, Jorge Benjor, Leila Pinheiro, Simone, y varios otros. Su curriculum incluye varias giras internacionales, cuatro actuaciones en el Festival de Montreux y en varios otros festivales en Europa, Canadá, USA y Japón. En 1986, comenzó a trabajar como productor, trabajando para Vinícius Cantuária. También produjo discos para Daúde, Virgínia Rodrigues, Leo Gandelman, Gal Costa y muchísimos otros artistas. Las canciones de Fonseca han sido grabadas por Caetano Veloso, Gal Costa Gilberto Gil, Maria Bethânia, Ney Matogrosso, Nana Caymmi, Milton Nascimento, Carlinhos Brown, Daúde, Vinícius Cantuária, Verônica Sabino, Adriana Maciel y Zizi Possi.
Al notable letrista Ronaldo Bastos se lo conoce principalmente por haber sido compañero varias veces de Milton Nascimento.
Pero también demostró ser un competente productor. A través de su sello discográfico Dubas Música, estuvo a cargo de los álbumes Clube da Esquina 2 (Milton Nascimento) y Amor de Índio (Beto Guedes). Fue premiado por estas producciones y también por su trabajo para Nana Caymmi y Toninho Horta. Bastos escribió letras para varios otros compositores, tales como Lulu Santos ("Um Certo Alguém"), Marina Lima, Edu Lobo, Toninho Horta, Caetano Veloso, João Donato, Djavan, Tom Jobim y Beto Guedes. Ney Matogrosso grabó su "Olhos de Farol" (con Flávio Henrique) en el álbum del mismo título.
Bastos también tuvo éxito escribiendo covers que fueron grabados por Gal Costa, Beto Guedes y Sarah Vaughan.
En este disco se presentan 14 pequeñas joyas, que demuestran la vigencia de la atemporal bossanova, que se muestra tremendamente frágil, susurrante y embriagadora alrededor de la bella guitarra de Celso Fonseca, sola (My broken heart) o acompañada por cuidados arreglos de cuerda (Satélite bar , Slow Motion Bossa Nova), melosos teclados (Meu Tudo Pra Mim), una simple y maravillosa percusión (La Piú Bella Del Mondo) o bellas flautas y vientos (Valeu). Una bossa que se presenta seductora y vital cuando se rodea de un espléndido y cálido saxo que recuerda la pareja Jobim-Getz (Denise Bandeira), o de un chispeante órgano que parece rememorar los gloriosos días de Walter Wanderley (Samba É Tudo). Bossa que a veces se acerca al jazz más cool y sugerente (Out of the blues , Ledusha Com Diamantes), al pop soul sofisticado y melodioso (A Noite É Meu Ópio) e incluso al folk pop de los 60 (Polaroides). Un disco con sabor a clásico, con una línea muy definida alrededor de la bossa más clásica, pero con múltiples y ricos matices que incluyen hasta insospechadas bases programadas.
datos tomados de lacoctelera.com y AMG.
Tracklist:
--------------
01. Satelite Bar (4:04)
02. Denise Bandeira (2:57)
03. Ela Vai Pro Mar (3:19)
04. Meu Tudo Pra Mim (4:13)
05. La Piu Bella Del Mondo (4:40)
06. Polaroides (3:34)
07. My Broken Heart (3:30)
08. Samba e Tudo (4:57)
09. Valeu (4:43)
10. Out Of The Blues (3:55)
11. A Noite e Meu Opio (3:48)
12. Ledusha Com Diamantes (4:38)
13. Slow Motion Bossa Nova (4:50)
14. Sorte (4:01)
martes 12 de mayo de 2009
Marisa Monte - Infinito ao meu redor (Audio del DVD)
Marisa Monte nació el 1 de julio de 1967 en Río de Janeiro y desde mediados de los 90 se ha convertido en una de las cantantes brasileñas más populares.
Su padre era el director musical de Portela, una de las más importantes escolas do samba de Río de Janeiro. Así, rodeada de música, creció Marisa, que desde pequeña estudió piano, batería y más tarde guitarra. En su adolescencia grabó algunos demos y fue corista de la banda pop Laranja da terra.
Comenzó a estudiar canto lírico y al cumplir la mayoría de edad viajó a Italia a perfeccionarse. Allí la descubrió, cantando música brasilera en un pub, Nelson Mota, que estaba preparando un show llamado Tudo veludo. El show se estrenó en 1987 en el canal JazzMania, en Río, y el éxito fue tal que Marisa, comenzó a ser considerada una de las voces más prometedoras de la música popular brasileña.
Entre 1988, fecha en que apareció MM, su primer disco, y 2008, cuando se editó Infinito ao meu redor, Marisa Monte ha grabado ocho discos en estudio y editado DVDs con conciertos. Infinito ao meu redor es el segundo de estos DVDs y contiene un documental que muestra la vida de la artista durante la gira de presentación de sus discos Universo ao meu redor e Infinito particular.
El DVD viene acompañado de un CD con nueve canciones, pero el archivo que les presentamos, es el audio extraído del DVD, un archivo con 19 canciones grabadas en vivo. Infinito ao meu redor presenta a la cantante acompañada por una orquesta, interpretando temas de los discos que motivaron la gira y clásicos de su repertorio, como Alta Noite, Não Vá Embora o María de verdade. El concierto termina con Não é proibido, un tema cuya versión original se puede escuchar en Rarezas y Colaboraciones vol. 3, y que nunca había sido grabado en un disco.
¡Que lo disfuten!
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lunes 11 de mayo de 2009
Joyce e Toninho Horta, "Sem Você" (1995).
Toninho Horta es probablemente el más grande guitarrista que ha dado Brasil desde Baden Powell, aún cuando su obra no goza del reconocimiento que merece, especialmente en el propio Brasil. Esta grabación, Sem Você, producida para el público japonés, y muchos años después disponible en el mercado occidental, es un emotivo homenaje a Jobim, marcado por la extraordinaria calidad musical de Toninho Horta.
Fuente para la reseña: www.jazznoend.com
01. Ela é carioca (Tom Jobim - Vinicius de Moraes) (3:53)
02. Correnteza (Tom Jobim - Luiz Bonfá) (3:35)
03. Inútil paisagem (Tom Jobim - Aloysio de Oliveira) (4:52)
04. Frevo de Orfeu (Tom Jobim - Vinicius de Moraes) (3:04)
05. Lígia (Tom Jobim) (3:35)
06. Vivo sonhando (Tom Jobim - Vinicius de Moraes) (2:37)
07. Dindi (Tom Jobim - Aloysio de Oliveira) (4:02)
08. Só danço samba (Tom Jobim - Vinicius de Moraes) (4:02)
09. Outra vez (Tom Jobim) (3:41)
10. Sem você (Tom Jobim - Vinicius de Moraes) (3:39)
11. Este seu olhar / Só em teus braços (Tom Jobim) (2:39)
12. Estrada do sol (Dolores Duran - Tom Jobim) (2:45)
13. Ela é carioca - Replay (Tom Jobim - Vinicius de Moraes) (4:08)
domingo 10 de mayo de 2009
Trio da Paz - Partido Out
Partido Out es el tercer album del Trio da Paz, el trío formado por Romero Lubambo en guitarra, Nilson Matta en contrabajo y Duduka da Fonseca en percusión. El título surge de un juego de palabras con "partido alto", una forma de samba que se caracteriza por la improvisación.
Lubambo, Matta y Fonseca son instrumentistas sorprendentes, pero esa habilidad no va en detrimento de su capacidad como compositores. En temas como Melancia, donde se lucen Lubambo y Fonseca, el baião P'ro Flávio, o una maravillosa mezcla entre armonías de Bach y ritmo de baião, Bachião, los músicos encuentran un vehículo para probar su destreza.
El lado melódico del disco está formado por temas como Paraty, composición de Nilson Matta que es de las más lindas del disco, Luísa, de Toninho Horta, Rosa, tema que Matta escribió para su madre, y Song for Kaya, que Lubambo dedicó a su sobrina.
Trio da Paz asombra con su sonido, su fusión natural de lo brasilero, su cretividad y espontaneidad. Que lo disfruten!
Descargalo haciendo clic aquí.
jueves 7 de mayo de 2009
Nilson Matta & Friends, "Walking with My Bass" (2006).
Habiendo tocado con casi todos los que tienen un nombre en la música popular brasileña, Nilson tiene un vasto círculo de amigos musicales y una rica fuente de colaboradores con quienes contar cuando planifica un CD propio.
"Este proyecto" -dice Nilson- "representa un poco de toda mi vida musical y expresa mi gratitud hacia los artistas con quienes he compartido hasta ahora esta vida. He trabajado con todos los músicos que están en este CD, excepto uno, en grabaciones a lo largo de más de 30 años".
Walking With My Bass no es tanto una muestra espectacular del bajo de Nilson como sí de sus talentos para los arreglos. Este album de jazz brasileño, con Nilson tan bien acompañado, prodiga una variedad de estilos y rasgos musicales, además de bellos trabajos vocales y de expertos instrumentistas que conforman un grupo totalmente diverso, en el que se cuentan Rosa Passos, Joyce & Tutti Moreno, Ivan Lins, João Bosco y el siempre incomparable Filó Machado.
He aquí los temas
Naná: Un tratamiento de big-band para este clásico del jazz, con refinados solos a cargo de Claudio Roditi (trompeta) y Anne Drummond (flauta).
Samba Sem Você: Rosa Passos dando lo mejor de su talento jazzístico. Su impecable trabajo de división y de swing mantiene una conversación con el juguetón bajo de Nilson y la conducente percusión de Valtinho.
Take the A Train/Smile: Estas pistas representan las dos facetas del trabajo armónica-bajo-batería. La primera es juguetona y enérgica; la segunda, una meditación lírica.
Atlântida: Un modesto arreglo de voces, piano, guitarra, bajo y batería que brinda resultados pródigos. El scat de Ivan y el solo bajístico de Nilson sobresalen.
“Berimbau” es una exploración del bajo como instrumento melódico. Y por qué no, si tiene más cuerdas que un berimbau. "Here´s That Rainy Day" está dominado por el sutil piano de Kenny Barron.
I Only Have Eyes for You: Joyce (una de las pocas vocalistas brasileñas que puede hacerlo) canta en inglés y toca la guitarra. Tutti en la batería y Nilson en el bajo completan un arreglo íntimo.
Bossa for Copacabana: Compuesto por Nilson Matta, este instrumental pleno de swing presenta solos adorables a cargo de Helio Alves (piano) y Claudio Roditi (trompeta).
Perfume de Cebola: El sonido de Filó Machado es, como dicen en portugués, inconfundível. Aquí canta su propia melodía con letras de Cacaso, cuyo nombre fue curiosamente omitido en los créditos.
Jade: João Bosco sabe cómo imbuir de un fuerte sabor africano sus letras terrestres (“Luz talismã misterioso cubanacã/Delícia sensual de maçã/Saborosa manhã”), así como también lo hace en el arreglo de esta canción poderosa.
Night and Day: Este arreglo bulle. El saxo de Harry Allen y la flauta de Anne Drummond saltan y danzan mientras el bajo de Nilson y la percusión de Cro Baptista mantienen el ritmo funcionando.
Creek: Anne Drummond es la que conduce, con un virtuoso trabajo de flauta, y la asisten Helio Alves (piano), Vic Juris (guitarra) y Paulo Braga (batería).
Nilson Matta & Friends: Walking With My Bass
(Blue Toucan Music BT0120819; 2006) 67:32 min.
faixas
01. Nanã (Moacir Santos/Mário Telles)
02. Samba Sem Você (Rosa Passos/Fernando de Oliveira)
03. Take the A Train (Billy Strayhorn)
04. Atlântida (Ivan Lins/Celso Viáfora)
05. Berimbau (Baden Powel/Vinicius de Moraes)
06. I Only Have Eyes for You (Harry Warren/Al Dubin)
07. Bossa for Capacabana (Nilson Matta)
08. Perfume de Cebola (Filó Machado/Cacaso)
09. Smile (Charles Chaplin)
10. Jade (João Bosco)
11. Here’s That Rainy Day (Jimmy Van Heusen/Johnny Burke)
12. Night and Day (Cole Porter)
13. Creek (Vitor Assis Brasil)
traducido y adaptado por Carlos del texto hallado en:
http://daniellathompson.com/Texts/Reviews/Matta-Walking.htm
jueves 30 de abril de 2009
Mayra Andrade, "Navega" (2006).
Después de recorrer varios festivales del mundo, regresó para grabar en 2006 su primer álbum: Navega (Sony-BMG). Con este trabajo, Mayra se impone como una de las promesas de la música de Cabo Verde, recogiendo el testigo de grandes voces de la isla como la de Cesaria Évora.
Así, sin dejar de beber de la cultura caboverdiana, Mayra Andrade impone su estilo único sobre el escenario. Su cálida voz y sus interpretaciones ricas en colores y ritmos hacen de Mayra una artista singular. Puede cambiar con una facilidad increíble de “morna” a “funana” y de “coladeira” a “batuque” añadiendo su toque personal en estilo jazz.
Lo que dice la prensa.
"Una de las voces más prometedoras de Cabo Verde que no pierde de paso su alma” (Vibrations)
"De una soltura vocal y escénica asombrosa, Mayra Andrade se afirma como una de las más prometedoras revelaciones de la música caboverdiana " (Le Monde)
"El Cabo Verde de Mayra se parece a una isla a sotavento, barrida por las olas que traen a su orilla efluvios cargados de jazz, soul, músicas africanas y brasileñas." (Les Inrockuptibles)
"Mayra Andrade, caricia de Cabo Verde" (Liberation)
La cantante caboverdiana Mayra Andrade está ultimando su esperado segundo disco, cuyo lanzamiento está previsto para abril de 2009.
texto tomado de:
http://www.bamwam.com/01_artistas/mayra.htm
Tracks
1. Dimocransa
2. Lapidu Na Bo
3. Mana
4. Tunuca
5. Comme S'il En Pleuvait
6. Nha Sibitchi
7. Lua
8. Navega
9. Poc Li Dente É Tcheu
10. Dispidida
11. Regasu
12. Nha Nobéza
domingo 26 de abril de 2009
Rodrigo Rodrigues, "Fake Standards" (2001).
Precioso porque funciona como una cátedra de cómo recrear los clásicos de la canción americana pre-rock´n´roll, y atemporal por reunir un repertorio inmune a las modas, el mismo que en los últimos años ha sido banalizado por decenas de cantantes, con Rod Stewart al frente.
Con la excepción de Suzanne Vega (compositora del pop americano que fue un éxito en los años 90 con "Luka" y de quien aparece en este disco el tema "Caramel"), Rodrigues apela a los autores que ayudaron a escribir el cancionero de la primera mitad del siglo XX. Gente como Irving Berlin (“Let´s Face The Music and Dance”, “Isn´t It A Lovely Day” y “Change Partners”), Hoagy Carmichael” (“I Get Along Without You Very Well”), Richards Rodgers e Lorenz Hart (“My Funny Valentine”), David Raksin e Johnny Mercer (“Laura”) y Walter Donaldson & Gus Khan (“Love Me or Leave Me”).
Una instrumentación minimalista -las guitarras del cantante o de Mario Mango, y algunos vientos eventuales, como saxofón, clarinete y gaita, ejecutados por el propio Rodrigues- que realza a un intérprete preciso, con algo de João Gilberto, Joe Mooney y Chet Baker. Voz límpida, dicción perfecta, sin apelar a vibratos, Rodrigo Rodrigues saborea cada sílaba de las sabrosas letras. De “fake” (falsos, fraudulentos) estos standards no tienen nada. Rodrigo consigue dar una nueva lectura a canciones que ya han recibido grabaciones casi definitivas, de artistas como Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Frank Sinatra y Chet Baker.
FAKE STANDARDS
1. Let's Face the Music and Dance
2. Love Me Or Leave Me
3. Cry Me a River
4. September Song
5. I've Never Been in Love Before
6. Sweet Lorraine
7. Isn't This a Lovely Day
8. Caramel
9. Change Partners
10. It's Only a Papermoon
11. Moonlight in Vermont
12. I Get Along without You Very Well
13. Laura
14. My Funny Valentine
viernes 24 de abril de 2009
McCoy Tyner, "McCoy Tyner with Stanley Clarke and Al Foster" (2000).
Como lo declara el título, el pianista McCoy Tyner se empareja aquí con dos compañeros inspirados e inspiradores, que conforman una sección rítmica que posee un toque liviano y a la vez cantidades de energía. Mientras que por momentos había parecido que a Tyner le daría por dirigir él un trío, eso aquí nunca ocurre. En vez, el trío toca aquí sobre muchos de los cimientos post-bop habituales y lo hace con una vitalidad fresca.
La empatía es visible desde la apertura, "Trane-like", en la que el bajista Stanley Clarke y el baterista Al Foster crean un entorno rítmico pujante que hace que las teclas de McCoy suenen como piedras danzando a lo largo del agua. Esta centelleante interpretación se extiende hasta "Will You Still Be Mine?" y hasta la afrocubana "Carriba", mientras que el pianista hace una expansiva panorámica del blues en su "Goin´Way Blues", en la que combina abordajes tradicionales y modernistas. Clarke es igualmente competente, sea en su rol de acompañante o en el de solista, esté tocando acústico o eléctrico. Él usa reservadamente su bajo eléctrico, contribuyendo con un contagioso funky a la primera toma de "I Want to Tell You ´Bout That" y con una reverberante conducción a su otro original en el disco, "In the Tradition of", una melodiosa bossanova que recuerda a Antonio Carlos Jobim. Pero quizás sea Foster quien haga lo máximo para hacer tan lograda esta sesión. Su batería echa chispas, y él produce una musicalidad que levita sin resultar nunca intrusiva. Los resultados son profundos para la tradición del formato piano-trío, y es el mejor lanzamiento que Tyner ha tenido en muchos años en este formato.
adaptado de la reseña de Stuart Broomer
trax
01. Trane-Like
02. Once Upon A Time
03. Never Let Me Go
04. I Want To Tell You 'Bout That (Electric Bass Version)
05. Will You Still Be Mine
06. Goin' 'Way Blues
07. In The Tradition Of
08. The Night Has A Thousand Eyes
09. Carriba
10. Memories
11. I Want To Tell You 'Bout That (Acoustic Bass Version - Alternate Take)
jueves 23 de abril de 2009
Bob Brookmeyer - Bob Brookmeyer and Friends
Nacido en Kansas City, Missouri, en 1929, Robert Brookmeyer es uno de los escasos músicos de jazz que han elegido el trombón de pistones como instrumento en su carrera.
En 1952 se unió al grupo del saxofonista Stan Getz, donde empezó ser conocido. Un año más tarde ocupó el lugar del trompetista, Chet Baker en el famoso cuarteto de Gerry Mulligan y permaneció en él entre 1954 y 1957.
Tras una aparición en el festival de Newport de 1958, decidió trabajar de forma independiente con su propio nombre y grabó algunos discos, entre ellos, uno famoso con el pianista, Bill Evans. En 1963 se incorpora a un proyecto que daría jugosos momentos en la historia del jazz: la famosa bigband organizada por el saxo barítono, Gerry Mulligan conocida como "Concert Jazz Band".
En 1964 Brookmeyer convocó a algunos amigos para grabar un disco como líder. Stan Getz, viejo compañero de ruta, estaba en uno de los momentos más importantes de su carrera. Había regresado de Dinamarca y el disco Jazz Samba, grabado junto al guitarrista Charlie Bird, le había permitido recuperar popularidad, introduciendo, además, la bossa nova en estados Unidos. Ese mismo año grabaría su famoso disco junto a Joao Gilberto.
Elvin Jones, por su parte, formaba parte del Cuarteto de John Coltrane, que a fines de ese año grabaría A Love Supreme. Ron Carter y Herbie Hancock formaban parte del grupo de Miles Davis, que ese año se convertiría, con la incorporación de Shorter, en el segundo Quinteto. Junto a esos músicos grabó el trombonista Bob Brookmeyer su disco Bob Brookmeyer and Friends
A pesar del nivel de los músicos y del excelente momento que atravesaban todos, la primera jornada de grabación no los dejó satisfechos. Getz invitó entonces al joven vibrafonista Gary Burton, de 21 años, para que vaya al estudio al día siguiente a brindar "apoyo moral".
Burton cuenta su sorpresa ante la amigable bienvenida que le dió Brookmeyer cuando apareció sopresivamente con su vibráfono. El trombonista decidió cambiar algunos arreglos para incluirlo.
Jones, Carter y Hancock forman una base sólida que permite a Brookmeyer y Getz desarrollar su cretividad. La calidad de las interpretaciones y la química que existe entre ellos y Burton dieron como resultado este disco maravilloso, de tono relajado y romántico.
La edición original estaba formada por ocho temas, tres originales de Brookmeyer y cinco standards. Esta edición incluye tres temas decartados originalmente, entr ellos el bellísimo Pretty Woman, de Brookmeyer, y Day Dream, tema en el que participa el cantante Tony Bennet.
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miércoles 15 de abril de 2009
Miles Davis - Salle Playel
A fines de 1964, Miles Davis comenzó a darle forma al grupo que se conocería como el Segundo Quinteto. El primero había estado integrado por el saxofonista John Coltrane, el pianista Red Garland, el contrabajista Paul Chambers y el baterista Philly Joe Jones.
Cuando Coltrane abandonó el grupo, Davis comenzó a trabajar con distintos saxofonistas hasta que se encontró con Wayne Shorter. Este segundo quinteto, integrado por Shorter, Ron Carter en contrabajo, Herbie Hancock en piano y Tony Williams en batería tuvo una breve pero prolífica existencia, grabando junto a Davis discos fundamentales como E.S.P., Miles Smiles, Nefertirti y Filles de Killimanjaro.
Wayne Shorter es el centro creativo de la banda, y el trabajo de Miles es el de dirigir, arreglar y pulir. Escuchar los temas de Shorter grabados en sus discos solistas o por el Quinteto de Miles Davis, muestran la forma en la que Miles influía sobre los músicos y la música que tocaba su banda.
Esta grabación no oficial, es la última que existe del Quinteto, antes de su disolución. Fue realizada en París, el 6 de Noviembre de 1967 en Salle Playel. El reprtorio incluye originales de la banda como Agitation, Masqualero o Footprints y standards como 'Round About Midnight y I Fall In Love Too Easily. Que lo disfruten!
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miércoles 8 de abril de 2009
McCoy Tyner - Counterpoints
McCoy Tyner es uno de los favoritos de este blog. Carlos lo sabe, y por eso me alegra cada tanto, con alguno de sus discos.
En Julio de 1978, en el festival Live Under The Sky, que se llevó a cabo en Tokio, Japón, McCoy Tyner dividió en dos su presentación. Una parte él solo tocando el piano, la otra junto a Ron Carter en contrabajo y Tony Williams en batería. La grabación de ese concierto se publicó en dos discos, en los que esos sets están mezclados: Passion Dance, publicado en 1978, y Counterpoints, publicado en 2004.
Counterpoints abre con una composición de Tyner, The Greeting. Tyner y Carter sorprenden con sus solos y sus ideas, y la energía del Williams es impresionante. Un año antes de este concierto, el trío ya había grabado seis temas en el disco de Tyner Supertrios, donde habían probado su compatibilidad.
Prelude to a Kiss, de Duke Ellington, es el mejor momento de Counterpoints. Interpretado como un dueto de piano y contrabajo, comienza con unos acordes delicados de Tyner, que poco a poco se vuelve más extrovertido y experimental. Durante su solo, se pueden escuchar sus característicos riffs. En contraste, Carter toca de una forma mucho más clásica, en un estilo mucho mas orientado al bebop.
El disco se completa con dos temas del set de solo piano (Aisha y Sama Layuca) y un tema que nunca había sido editado en ningún otro disco, Iki Masho (Let's Go).
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jueves 2 de abril de 2009
Trío Los Chasquis - Musique Creole d'Equateur et du Perou
Justo en el momento en que la reunión plenaria de la Junta Directiva de Bienvenidos a la Monga! estaba discutiendo su despido por abandono de sus tareas, llegó una encomienda de Nestor, nuestro hombre en Francia.
Algunos de los miembros de la Junta, sucias sus conciencias por la infame acción que pretendían llevar a cabo, se echaron debajo de la mesa, suponiendo que podía tratarse de un atentado del futuro desempleado. Por supuesto que no se trataba de una bomba, si no de el disco que hoy les presento aquí.
El Trio Los Chasquis, que nada tiene que ver con Los Chaskis de Rodolfo Dalera, está formado por Queta Rivero, Santiago "Cato" Caballero y Ricardo Eyzaguirre, y editaron Musique Creole D'Equateur Et Du Perou (Música Criolla de Ecuador y Perú) en 1995 en Francia.
En Musique Creole..., el Trío Los Chasquis hace un recorrido por los estilos criollos más conocidos: el vals, la polca y la marinera peruanos y los ecuatorianos sanjuanito, tonada, pasillo, pasacalle y albazo. También incluyen dos festejos y un landó afroperuanos.
En punto de caramelo, el vals que abre el disco narra una fiesta a la que concurren los distintos ritmos del folclore peruano. A continuación, otro vals, el sentido y romántico Nuestro secreto. Otros temas que destacan dentro del repertorio peruano son la marinera limeña El Jilguero, el vals Lima de Octubre, la polca Labios rojos y el landó Azúcar de caña, que fuera incluído en una recopilación del sello de world music, Putumayo.
Parentesis: A los que disfruten de este disco les recomiendo darse una vuelta por La Pata Maldita, donde van a encontrar una magnífica colección de música criolla de Perú.
Del repertorio ecuatoriano vale la pena destacar el pasillo Añoranzas, el albazo Tu cariñito, el sanjuanito Pobre corazón y la tonada tradicional La naranja. Es notoria la influencia de la música indigena en algunos de los estilos ecuatorianos como el sanjuanito o la tonada.
Alguno puede señalar que entre los destacados nombré, más o menos, la mitad del disco, pero que quieren que haga si me gusta! La voz de Queta Rodríguez tiene una característica que remite a otro tiempo, como si nos llegara a través de una radio a válvula, directo desde la época de oro de la canción criolla, entre 1940 y 1960.
Gracias Néstor!
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domingo 29 de marzo de 2009
Varios - The Soul of Black Perú
El folclore peruano, riquísimo y variado, puede agruparse en tres grandes grupos definidos por las características geográficas: el folclore costeño, el andino y el amazónico. En la costa, más influida por la cultura española y más proclive al mestizaje, se combinan ritmos tradicionales europeos con ritmos de origen africano.
La mitad de la población de la Lima colonial estaba compuesta por esclavos negros, y la influencia de su cultura sobre la música criolla actual fue enorme. La zamacueca, por ejemplo, es un baile de origen afroperuano que dió origen a la marinera, que es hoy considerada la danza nacional del Perú.
Dice Wikipedia que la zamacueca es un estilo musical y baile limeño en el que se representa el asedio amoroso de una mujer por parte de un hombre. Proviene de la terminología de "zamba "clueca" en alusión a aquél asedio, similar al que efectúan los gallos a las gallinas. Esta terminología probablemente nace a partir de la conjunción y mestizaje de los bailes de los esclavos negros y los gitanos durante la inspirada afición que existía por la pelea de gallos en el Virreinato del Perú, sobre todo en Lima y la costa norte de Perú. De la zamacueca surgirían también la cueca chilena, la cueca cuyana, la zamba argentina y la cueca norteña o boliviana.
La comunidad negra tiene, además, ritmos que le son propios como el alcatraz, el festejo o el landó, que son comunes entre las comunidades negras de la costa sur del Perú. Esta música fue marginal durante muchos años, hasta que a mediados de los 60s, los creadores como Nicomedes y Victoria Santa Cruz y los interpretes como Abelardo Vázquez, formados por Porfirio Vázquez en la primera esuela de Folclore en Perú, comienzan a lograr difusión comercial para el género.
Afro Peruvian Classics - The Soul of Black Peru es una recopilación de la música negra de Perú seleccionada por David Byrne. Cuenta Susana Baca que el profesor de español de David Byrne, le hizo escuchar al es Talking Heads, como parte de una clase, la canción María Landó. Byrne quedó fascinado con la cantante y la canción, y contactó a Baca.
The Soul of Black Peru reune un excelente puñado de canciones entre las que destacan No me cumben, del legendario Nicomedes Santa Cruz, Prendeme la vela de Abelardo Vásquez, la potente Enciendete candela, de Roberto Rivas, la conmovedora Azúcar de caña, de Eva Ayllón, el Landó del fabuloso conjunto Perú Negro y el de Chabuca Granda, y el tema que le dio proyección internacional a Susana Baca, María Landó.
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jueves 26 de marzo de 2009
Salazar, González, Stagnaro, Casaverde - Cuatro guitarras
Esta es una de esas cosas maravillosas que uno se topa por casualidad en la red. La verdad es que excepto a Lucho González no conozco a los otros músicos.
Víctor Salazar, Lucho González, Ramón Stagnaro y Félix Casaverde son considerados los mejores guitarristas peruanos de la actualidad, según pude leer en algunos sitios dedicados a la música peruana. En este disco se reúnen para interpretar algunos valses criollos peruanos clásicos, de autores como Manuel Acosta Ojeda, Victoria y Nicómedes Santa Cruz y Pablo Casa Padilla.
Aunque creo que nadie los extrañaría si no estuvieran allí, los arreglos de cuerdas que suenan de fondo en algunos temas, no alcanzan para empañar las magníficas interpretaciones de estas cuatro guitarras. Lamentablemente no cuento con información que permita individualizar a los interpretes e indique quien interviene en cada pieza.
Puedo decirles, sin embargo, que no se pueden perder canciones como Rosa Luz, En un atardecer y Lima dominguera. Que lo disfrutes!
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martes 24 de marzo de 2009
Varios - Guitarristas
Hace ya un tiempo, Horacio, viejo amigo del blog me envió la esta excelente recopilación de guitarristas argentinos realizada en los 1988 por el sello Melopea. El cassette reune piezas interpretadas por distintos artistas editados por el sello y nunca fue reeditado en CD.
En los temas interpretados por Ricardo Lew, Lito Epumer y Mingui Ingaramo se pueden reconocer la influencia de Pat Metheny y el Miles Davis de discos como Amandla, sonidos que marcaron la etapa del Jazz Fusión. Las guitarras no quieren llorar, de Lito Nebbia, comparte ese sonido, sin embargo al impronta de Nebbia como compositor es claramente reconocible dentro de la recopilación.
Gotas de Néctar, de Quique Sinesi, es una bellísima composición "llena de climas y sonidos sensibles", dice el sobre interno del cassette. Luis Borda, Hugo Romero y Lucho Gonzáles se inclinan hacia los ritmos autóctonos, aunque claro, fuera de las formas tradicionales.
Coincido con Horacio en decir que es Improvisación por marineras, de Lucho González, el tema más lindo dentro de una recopilación que no tiene desperdicio. Afirma Horacio: "Se la recomendaría a todos los amigos!"
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