lunes 23 de noviembre de 2009

Liliana Herrero - Rarezas y Colaboraciones Vol. 1

Las biografías que se encuentran en Internet, dicen que Liliana Herrero es una cantante argentina, nacida en 1948 en Villaguay, Entre Ríos. Que en 1966 se mudó a Rosario, Santa Fe, para estudiar Filosofía y allí formó parte de los grupos vocales Contracanto y Canto Libre. Que allí, también, conoció a Fito Páez, que la convenció de dedicarse a la música de manera profesional y que fue el productor de sus dos primeros discos.

Esos discos, con un repertorio folclórico y una instrumentación y arreglos más cercanos al rock, fueron bien recibidos por algunos, pero bastante resistidos por otros. Sobre todo por un sector importante de la crítica. Recuerdo un comentario aparecido en Clarín allá por 1995 o 1996, antes del lanzamiento de El diablo me anda buscando... Además de no gustarle el estilo de Herrero, el autor argumentaba que el aporte de la artista era nulo, debido a que no era compositora de la música que interpretaba.

La crítica fue tan feroz y tenía tanta saña, que provocó la reacción de otros músicos. No sólo de sus amigos más cercanos, cómo Fito Páez, si no también de, entre otros, la gran interprete argentina: Mercedes Sosa, una figura a esas alturas indiscutible, y que tampoco fue compositora.

Todo esto no impidió que Herrero continuara experimentado, explorando los límites, creciendo como cantante, durante los veintidós años transcurridos desde ese primer disco grabado en una porta estudio de ocho canales.

La búsqueda permanente y la actitud renovadora la han relacionado con las vanguardias y los músicos más jóvenes, de la misma manera que sus investigaciones para rescatar del olvido o para encontrar nuevas lecturas del repertorio tradicional, y el prestigio adquirido en este tiempo, la acercan a grandes artistas populares como Mercedes Sosa o Teresa Parodi.

Esto la ha convertido, en los últimos años, en una de las cantantes que más ha grabado como invitada de otros artistas. Ayudando a impulsar a jóvenes artistas o grabando junto a otras figuras ya consagradas, Herrero le ha puesto la voz a una gran cantidad de canciones fuera de sus discos.

En estos días la discográfica Epsa Music, ha lanzado bajo el nombre de Catálogo, una caja que reune seis discos de Herrero como solista (Liliana Herrero, (1987), Esa fulanita (1989), Isla del Tesoro (1994), El diablo me anda buscando (1997), Recuerdos de provincia (1999), Confesión del viento (2003), el disco doble Litoral (2005), y un DVD grabado en vivo de 2007 junto a importantes invitados.

Enterados de esto, el equipo de investigadores de Bienvenidos a la Monga no quiso ser menos y comenzó a preparar lo que será el tercer lanzamiento de La Monga Records: una recopilación de canciones donde participa Liliana Herrero que se encuentran dispersos en los discos de distintos artistas, en bandas de sonido de películas o en discos colectivos.

El resultado está hoy aquí: Rarezas y Colaboraciones Vol. 1 es el primero de tres archivos repletos de canciones cantadas por Liliana Herrero que no van a encontrar en ninguno de sus discos oficiales. Ojo! No están todos. En el camino quedaron algunas canciones que no encontramos y otras que preferimos no incluir.

Este primer volumen recopila el repertorio más ligado al folclore: ¿Que será?, del disco Piojos y piojitos; Esa fulanita, Echen coplas y Nadie lo riega, grabadas en América en cueros, de Leda Valladares; Zamba del abuelo, con el bajista Willy González; Zamba del cielo, grabada junto a Mercedes Sosa y Fito Páez y editada en Cantora; Las voces del río, con Teresa Parodi; El cambá, grabado como invitada de La Chicana y Ay, por qué Dios me daría, con la percusionista Mariana Baraj.

Hay también grabaciones no oficiales en vivo, como la lindísima versión de El cosechero, junto al bajista Daniel Maza y Me voy quedando, del Cuchi Leguizamón, junto a Fito Páez en un concierto para la televisión. Por último queda mencionar mis dos canciones favoritas de esta recopilación: la bellísima Creciente de nueve lunas, con Rocio Palazzo, y la Zamba de la toldería, fabulosa versión que no me canso de escuchar del tema de Buenaventura Luna, grabada en Negro, disco de Horacio Fontova.

Decidí incluir, también, la Zamba del lino, un tema grabado por Herrero en 1973 e incluído en la recopilación El tiempo quizás... Esa recopilación, y por lo tanto ese tema grabado 16 años antes de su disco debut, se encuentra agotada y ha quedado fuera de la caja de Epsa. La Zamba del lino está cantada en un estilo muy diferente al que Liliana Herrero desarrollaría más tarde. Y es bellísima.

Que lo disfruten!

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La foto es cortesía de Sebastián Miquel

viernes 20 de noviembre de 2009

Cuchillo de palo - Cuchillo de palo

Hace un tiempo, Pirator, a quien conocí aquí en la red, me invito a participar de InsomniaWeb, un foro donde es posible compartir, no sólo música, si no también, y sobre todo, ideas. Fue allí, en InsomniaWeb, y en un post de Pirator, donde conocí y escuché por primera vez a Cuchillo de palo.

Durante diez años Juancho Perone (percusión y voz), Ivan Tarabelli (teclados) y Claudio Bolzani (guitarras y voz) fueron la banda que acompañaba a la cantante Liliana Herrero. Liliana Herero (1987) y Esa Fulanita (1989), los dos primeros discos de Liliana Herrero, en los que Perone, Bolzani y Tarabelli participaron, marcaron un quiebre en el folklore argentino. Como señala Pirator, hay en esos discos, una manera novedosa de trabajar los arreglos, los timbres y las texturas de la música.

Pero la participación de los integrantes de Cuchillo de palo no se limitó a un simple acompañamiento. Hablando acerca de Esa Fulanita, dice Liliana Herrero en su página oficial: "Los arreglos de este disco pertenecen a Juancho Perone, Iván Tarabelli, Roy Elder, Claudio Bolzani y Carlos Velloso Colombres. En Buenos Aires, Fito introdujo algunos "bocadillos"; arreglos de voces, algún que otro tecladito, en fin todas esas cosas que él sabe percibir y que, sumado a los arreglos de los chicos, transforman este disco en una suerte de estallido molotoff en medio de un juego con la cultura popular argentina. Yo sugerí texturas, colores, climas, dinámicas y, estimulada por estos músicos terribles, canté."

En la misma dirección apunta Perone en un reportaje publicado en el diario La Nación: "Con el trío armamos esa base novedosa que contrastaba tanto con la garra y el timbre de Liliana. Juntos diseñamos ese sonido, que forma parte de su propuesta actual y de la nuestra con Cuchillo de Palo".

El trío grabó en 2000 un disco títulado Cuchillo de palo, donde continúan explorando las texturas y formas del folclore, y que fue editado por la Municipalidad de Rosario. En la ya citada nota de La Nación, dice Perone: "Cuando nos preguntan, decimos que hacemos folklore cubista, porque desarmamos un tema para mirarlo desde otro lugar. No es nueva esta idea. Es algo que viene desarrollando gente como Dino Saluzzi o Eduardo Lagos. Para nosotros hacer una versión es como dar una opinión. Por eso tomamos temas clásicos que la gente tiene en la oreja, para que sepan cuál es nuestro punto de vista. Mientras uno no traiciona, eso está bien. Para el folklore no hay límites."

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miércoles 18 de noviembre de 2009

Dino Saluzzi - Dedicatoria

La primera vez que escuché a Saluzzi, fue en el maravilloso film Saluzzi, ensayo para bandoneón y tres hermanos, de Daniel Rosenfeld. Me cautivaron tanto el protagonista y su música como el film en sí mismo, y ese fue el punto de partida para comenzar a investigar en la obra del bandoneonista salteño.

La discografía de Saluzzi es extensa y abarca tres etapas: una primera etapa de música folclorica, de la cual sólo es posible conseguir una o dos recopilaciones; una segunda etapa (1978-1984) donde sin abandonar el repertorio folclórico se inclina hacia el jazz rock, a la que es posible acceder a través de Vivencias I y II, editados por el diario Página/12; y su etapa europea, tal vez la de más difícil acceso musicalmente, pero la más probable de encontrar en las disquerías.

Bienvenidos a la Monga ya publicó Bandoneón tierra adentro, Bandoneón tierra adentro Volumen 2 y Bermejo, discos que anteriormente no estaban disponibles en la red. Hoy me llena de alegría poder presentarles Dedicatoria, del año 1978.

Dedicatoria, que también está disponible en el blog Los que no se consiguen, es el disco donde Saluzzi comienza a transitar caminos diferentes. Aquí comienza la etapa Jazz-Rock de Saluzzi, que continuará en Bermejo y en el disco doble Vivencias.

La poca información que existe sobre Dedicatoria, la obtuve de un sitio japonés. Pese a mis escasos conocimientos del idioma, y gracias a la ayuda de mi dicccionario Japonés-Español, pude llegar a las siguientes conclusiones.

1) Este disco, muy apreciado en Japón, cuenta con la producción de Litto Nebbia y Rodolfo Alchourrón.

2) A los japoneses, grandes conocedores de la obra del bandoneonista salteño, les llama mucho la atención la inclusión de una lindísma versión de Juan Panadero, cantada por el propio Dino Saluzzi.

3) Dino Saluzzi se encarga de tocar, no sólo el bandoneon, si no que también toca la percusion y los sintetizadores, y como ya dijimos, canta.

4) Cuando estaba traduciendo los nombres de los músicos participantes me asaltó una duda, pues este sitio acredita como percusionista invitado a Manoro Juárez. Como ya dije, mis conocimientos del japonés no son muy bastos. Temí entonces estar errando y que se tratara del pianista Manolo Juárez, pero después de cerciorarme confirmé que los japoneses lo escriben así, Manoro y dicen que toca la percusión. Vean por ustedes mismos!.

5) Además tocan en el disco: Rodolfo Alchourrón (guitarra, percusión), Néstor Astarita (batería, percusión), Ricardo Domínquez (guitarra electrica, guitarra), "Chachi" Ferreyra (flauta), Santiago Giacobbe (piano electrico), "Nene" Giménez (percusión), Jorge "Negro" González (contrabajo electrico), José María Llorente (percusión), Litto Nebbia (sintetizadores, teclados, voces, percusción) y Mariano Tito (bajo electrico).

Que lo disfruten!

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lunes 16 de noviembre de 2009

Dauner, Mariano, Saluzzi - Live in Concert

Cortesía de nuestro amigo Pablo C, les presento hoy este fabuloso disco. Grabado en vivo en Hamburgo, Alemania, en 1990, es el tercero y último de los discos que grabaron juntos. Antes habían editado One Night in '88 y Pas de Trois.

Wolfgang Dauner es un pianista y compositor alemán. Durante los 70 lideró varias bandas de jazz fusión, con las que incluso montaba piezas de teatro, o segmentos de ópera y danzas durante sus permformances. Estudió trompeta, piano y composición en la escuela de música de Stuttgart, It was one of the first European free jazz recording sessions.

Charlie Mariano, fallecido recientemente en Junio, fue un saxofonista americano. Tocaba el saxo alto que nació en Boston, Massachusetts y murió en Colonia, Alemania, donde se había mudado a Colonia a mediados delos '70. Tocó con numerosos músicos, entre ellos Stan Kenton big bands, Toshiko Akiyoshi, su primer esposa, Charles Mingus. En alemania tocó con Eberhard Weber, the United Jazz and Rock Ensemble, la banda liderada por Dauner y con otros importantes músicos.

Timoteo "Dino" Saluzzi, es un bandoneonista y compositor nacido en la provincia de Salta, Argentina. Saluzzi inició su carrera en Salta, para mudarse muy joven a Buenos Aires, donde trabajó como músico sesionista y en orquestas. Saluzzi se trasnformó pronto en un bandoneonista con un estilo propio y empezó a liderar su popia banda. Esto no detuvo su búsqueda, y su música siguió creciendo y cambiando. Desde mediados de los '80s, Saluzzi reparte su tiempo entre Europa, donde habitaulmente es invitado a tocar y grabar, y Salta, donde vive su familia.

La hermosísima versión de Se va la murga, de Jaime Roos, con la que empieza el disco, lo deja a uno con ganas de más... Y por suerte hay más. Mucho más

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sábado 14 de noviembre de 2009

Les Primitifs du Futur - Cocktail d'amour

La historia de Les Primitifs du Futur comienza en 1986, cuando Robert Crumb fue invitado al festival de Comics de Angoulême. Después del festival, Crumb se quedó viviendo unos meses en París. Como es sabido, Robert Crumb es un admirador de los discos de los '20 y los '30. Principalmente discos de blues y country, pero tambien música francesa, como la variedad popular de la musette parisina. La musette es un estilo musical que fue predominante en Paris en los años '30, donde el acordeón es el instrumento principal.

Dominique Cravic comparte con Crumb esta pasión y, junto a su amigo Didier Roussin, había formado algunos conjuntos con los que tocaban blues. Cuando Crumb y Dominic Cravic se encontraron y descubrieron sus pasiones en común, el resultado natural fue una espontánea “jam”. Entusiasmados con los resultados, grabaron un disco con seis temas, donde conviven el blues y la musette: Cocktail d'amour.

El disco original fue lanzado en 1987, en una edición límitada en vinílo que es hoy una pieza de colección. En la reedición que hoy presentamos aquí, los seis primeros tracks corresponden a Cocktail d'amour; los siguientes 12 temas están interpretados por Bluestory y por The New Blue 4, dos de los grupos de blues fundados por Cravic y Roussin.

Partiendo desde Cocktail d'amour y a través de los discos siguientes, Trop de Routes, Trop de Trains (1993) y World Musette (1999), es posible escuchar la evolución y el crecimiento de la banda hacia esa fascinante mezcla de rumba, tango, blues, de vals y de mussette, que ellos denominaron precisamente como World Mussette (Mussette mundial) música popular de raíz francesa, pero de carácter cosmopolita.

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martes 10 de noviembre de 2009

Kessel, Manne & Brown - The Poll Winners

Esta banda se formó un día que llovía, por eso le pusieron... Los ganadores de encuestas. Bueno en realidad no fue exactamente por lo de la lluvia, si no más bien por el hecho de que sus integrantes habían sido elegidos por el público de distintas revistas, como los mejores en sus repectivos instrumentos.

El guitarrista Barney Kessel, el contrabajista Ray Brown, y el baterista Shelly Manne, ganaron las encuestas del año 1956 en las revistas Down Beat, Metronome y Playboy, votados por los lectores. Kessel y Brown ya habían tocado juntos en el Trío de Oscar Peterson, y en numerosas sesiones de grabación.

Kessel había comenzado su carrera en una banda liderada por el cómico Chico Marx. Rapidamente se posicionó como un guitarrista clave en la era post Charlie Christian. Tocó con Charlie Parker, Oscar Peterson y Sonny Rollins, entre otros. Fue elegido mejor guitarrsita por los lectores de las revistas Esquire, Down Beat, Playboy entre 1947 y 1960. Durante los '60s Kessel se covirtió en uno de los maás requeridos sesionistas: grabó con Phil Spector, The Beach Boys & The Monkees.

Hasta que hace unos días nuestro amigo Braulio me hizo llegar este disco, yo nunca había escuchado a Barney Kessel y nada sabía de él. Kessel es, en verdad, un guitarrista sorprendente. Con talento y un sonido claro e innovador para la época, Kessel ayudó a la guitarra a ganarse un lugar entre los instrumentos de jazz.

Recordemos que no fue hasta después de la Segunda Guerra Mundial, cuando los pequeños grupos empezaron a tener aceptación, que la guitarra fue considerada un instrumento versátil, y usada tanto para acompañamiento rítmico o como instrumento solista y melódico. Fueron Barney Kessel, Kenny Barrel, Herb Ellis y Tal Farlow quienes convirtieron a la guitarra en un instrumento "serio".

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domingo 8 de noviembre de 2009

John Pizzarelli, "John Pizzarelli Meets the Beatles" (1998).


John Pizzarelli (Paterson, 6 de abril de 1960), cantante y guitarrista estadounidense de jazz. Poseedor de una voz cálida y suave, y de una presencia elegante, Pizzarelli es uno de los principales representantes del neotradicionalismo jazzístico aplicado al canto. Hijo del guitarrista Bucky Pizzarelli, John empezó a cantar con su padre a los 20 años e hizo su grabación de debut en 1983 con I'm Hip -- Please Don't Tell My Father. Como guitarrista, manifiesta influencias de Les Paul y Django Reinhardt.
En 1993 el John Pizzarelli Trio hizo de telonero en una de las últimas giras de Frank Sinatra, llegando a participar en la celebración del 80 cumpleaños de este en el Carnegie Hall. En 1997 participó en la producción de Broadway Dream, un homenaje al compositor Johnny Mercer. Su disco de 1998 Meets the Beatles, le presenta reinterpretando canciones clásicas del grupo de Liverpool, y al año siguiente rindió homenaje a una de sus más grandes influencias, Nat King Cole, con P.S. Mr. Cole. Pizzarelli firmó en 1999 con el sello Telarc y grabó dos discos de estándares, Kisses in the Rain y Let There Be Love, en 2000. Desde entonces, ha grabado un disco con el pianista George Shearing y ha celebrado sus diez años de música con su trío grabando un disco en directo Live at Birdland en 2003.
Apartándose por un momento del swing, Pizzarelli grabó Bossa Nova en 2004, cantando composiciones de Antonio Carlos Jobim como "The Girl from Ipanema" y "Aguas de Março". En 2005 presentó nuevos estándares en Knowing You y, respaldado por la Clayton-Hamilton Jazz Orchestra, le ha rendido homenaje a Sinatra en 2006 con Dear Mr. Sinatra.

tomado de la Wikipedia.

01 - Can't Buy Me Love 03:36
02 - I've Just Seen A Face 02:48
03 - Here Comes The Sun 05:04
04 - Things We Said Today 04:16
05 - You've Got To Hide Your Love Away 03:27
06 - Elenor Rigby 05:03
07 - And I Love Her 03:56
08 - When I'm 64 02:45
09 - Oh Darling 04:04
10 - Get Back 04:00
11 - Long And Winding Road 03:46
12 - For No One 03:12

John Pizzarelli - guitar, vocals
Martin Pizzarelli - bass
Ray Kennedy - piano

viernes 6 de noviembre de 2009

Varios - Brazil: Forró - Music for maids & taxi drivers

El Forró es una denominación bajo la cual se agrupan distintos ritmos bailables, propios de las zonas rurales del Nordeste de Brasil. Estos ritmos, habitualmente se tocan con acordeón y un ritmo rápido y sincopado, similar al samba.

El subtítulo del disco, Música para mucamas y conductores de Taxi, se refiere al hecho de que para muchos brasileros, el forró es un ritmo rural, propio de la clase trabajadora que migra hacia las ciudades.

Joe Sixpack, autor de Slipcue, compara el fenómeno del Forró con el de la música Mariachi en México, o a la cumbia colombiana: si bien algunos pocos artistas com Luiz Gonzaga o Jackson do Pandeiro, alcanzaron éxito a nivel nacional, cientos de artistas han grabado para pequeños sellos regionales. El forró alcanzó gran popularidad en los '50s, pero fue marginado durante el reinado de la bossa nova, para ser rescatado por los tropicalistas en los '70s. Revitalidado el forró, surgieron nuevas estrellas, como Elba Ramalho, que inrodujo elementos disco y de pagode, en el viejo estilo campesino.

Esta recopilación reúne canciones de cuatro artistas que, al momento de grabarlo, gozaban de cierta popularidad en el Nordeste de Brasil, pero nunca habían ingresado al estudio. La idea del proyecto fue del productor y flautista Zé da Flauta, que al conocer a Duda da Passira y Toinho de Alagoas, resolvió hacerlos grabar algunas canciones, sumando a Heleno dos Oito Baixos y José Orlando. El disco, ganó en 1991 un premio Grammy Awards en la categoria "Traditional Folk".

A bailar amigos. A bailar con las mucamas y los conductores de de taxis!

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martes 3 de noviembre de 2009

Varios - O Doutor do Baião

Y ahora, mis queridos amigos, es tiempo de un poco de Forró!!!!

Como ya hemos dicho anteriormente, el Forró agrupa una variedad de estilos musicales y danzas típicas del nordeste de Brasil. Con un ritmo sincopado y generalmente tocado con acordeon, el Forró perdió protagonismo con el auge de la Bossa Nova, pero los tropicalistas lo rescataron del olvido en los 70's.

Uno de los géneros incluídos en la denominación Forró es el baião. Humberto Teixeira, conocido como el "Doutor do Baião" fue abogado, diputado, compositor y letrista de muchos de los éxitos de Luiz Gonzaga, "O Rei do Baião". Juntos, entre 1945 y 1950, compusieron muchos de los grandes éxitos del género, entre ellos canciones emblemáticas como Asa Branca.

Teixiera, nació el 5 de enero de 1915, en Iguatu, Ceará, una zona semi árida del nordeste de Brasil. Estudió mandolina y flauta y a los 15 años se mudó a Rio de Janeiro para estudiar medicina. Más tarde cambiaría esta carrera por la de Derecho, recibiendose en 1943.

Fue en su estudio de abogado donde un día llegó a verlo Luis Gonzaga, que buscaba un letrista conocedor de los ritmos populares del nordeste. Durante todo los años pasados desde su partida de Ceará, Humberto Teixeira había continuado componiendo, y algunos de sus temas, como Sinfonia do Café, habían alcanzado gran éxito, grabados por distintos interpretes. Sin embargo, lo que surgió de la reunión que esa noche tuvieron Luiz Gonzaga y Humberto Teixeira, fue una revolución.

El panorama musical de Brasil estaba dominado por el samba-canção y los ritmos importados de Estados Unidos. Gonzaga y Teixeira decidieron que, de todos los ritmos nordestino, el más apto al oído urbano era el baião, y reemplazaron los instrumentos típicos regionales por el acordeón, la zambomba y el triangulo. La llegada de este ritmo, cambió los rumbos de la Música Popular Brasilera.

EL Doctor del Baião también escribió junto a otros compañeros como su cuñado Lauro Maia, o Sivuca, con quien compuso Adeus, Maria Fulô ( grabada por los Mutantes en 1968), pero fue junto a Gonzaga con quien logró mayores éxitos. La sociedad se terminó en 1950 cuando Teixeira fue electo Diputado Federal.

Humberto Taixeira falleció en Rio de Janeiro el 3 de octubre de 1979, víctima de un infarto. Su hija, la actriz Denise Dumont fue quien gestó el homenaje plasmado en este disco.

O Doutor do Baião incluye los mayores éxitos de Teixeira interpretados por artistas consagrados que crecieron escuchando la música de Gonzaga y Teixeira en la radio: Elba Ramalho, Fagner, Chico Buarque, Gilberto Gil, Gal Costa, Maria Bethânia, Caetano Veloso y Lenine.

Los cuatro primeros temas fueron grabados en estudio. Maria Bethânia abre con “Asa Branca”; Caetano Veloso canta la poco conocida “Baião De Dois”; Sivuca y Gal Costa interpretan “Adeus Maria Fulô”, composición de Sivuca y Humberto Teixeira; finalmente Chico Buarque canta una versión inolvidable de “Kalu”.

Los siguientes 14 temas fueron grabados en vivo en el Teatro Rival, de Rio de Janeiro, durante la ceremonia de entrega del Premio Humberto Teixeira, la noche del 27 de agosto de 2002. Carmélia Alves, la mayor cantante femenina del género, la banda pernambucana Cordel do Fogo Encantado, Gilberto Gil, Lenine, Zeca Pagodinho, Fagner y Elba Ramalho. Al final, todos juntos cantan, junto al acordeonista Sivuca, una versión de Asa Branca.

Un disco lindísimo!!!!

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domingo 1 de noviembre de 2009

Milton Nascimento, "Clube da Esquina 2" (1978).


En esta remasterización de Abbey Road, el CD doble Clube da Esquina Vol. 2 evidencia detalles insospechados en el vinilo original, que data de 1978. El último álbum grabado para EMI finalizó el trabajo comenzado con Clube da Esquina, que cristalizó a un grupo de amigos y compositores del estado de Minas Gerais con un delicado repertorio de clásicos que tocaron profundamente al alma brasileña. "Nascente", "O Que Foi Feito Devera" (compartido por Milton Nascimento y Elis Regina), "Tanto", "Mistérios" (con guitarra de Joyce), "María, María" y "Que Bom Amigo" son testimonios de un cierto período de la historia del Brasil, contada con expresividad y pasión.

datos tomados de la AMG.

faixas
1. Credo.
2. Nascente.
3. Ruas da cidade.
4. Paixão e fé.
5. Casamiento de negros.
6. Olho d'agua.
7. Canoa canoa.
8. O que foi feito deverá
9. Mistérios
10. E daí
11. Canção amiga.
12. Cancion por la unidad de Latino America.
13. Tanto.
14. Dona Olympia.
15. Testamento.
16. A sede do peixe.
17. Léo.
18. Maria Maria.
19. Meu menino.
20. Toshiro.
21. Reis e rainhas do maracatú.
22. Que bom amigo.


jueves 29 de octubre de 2009

João Gilberto - Amoroso / Brasil

Amoroso / Brasil es una reedición de dos discos. Los ocho primeros tracks corresponden a Amoroso, un disco hermoso y apacible. Amosoros cuenta con arreglos de orquesta a cargo de Claus Ogerman, el mismo que trabajara con Jobim en varios discos, entre ellos el magnífico disco junto a Sinatra.

No soy un amante de este tipo de arreglos y creo que Ogerman en combinación con Jobim han producido verdaderos hitos de la música para ascensores. Los arreglos de Amoroso no dejan dudas al oyente de que el disco ha sido grabado en los 70`s, pero no tienen el carácter pretencioso de otros trabajos de Ogerman, ni apagan la deliciosa voz de Gilberto. Momentos como "Besame mucho" son memorables.

Joe Sixpack, autor de Slipcue.com, lo recomienda para una tarde tranquila en casa.

Brasil, que empieza en el track 9, es un disco sencillamente maravilloso. Caetano Veloso, Gilberto Gil y Maria Bethania acompañan a João Gilberto en el disco que marcó su regreso a Brasil, después de muchos años en el exterior.

Grabado en 1981, Brasil es un disco bellísimo. Gilberto, Caetano, Gil y Bethania cantan, alternandose, los versos de una misma canción, logrando un contraste en cuanto a los distintos fraseos, pero empatados en suavidad y dulzura.

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sábado 24 de octubre de 2009

Milton Nascimento, "Sentinela" (1980).


El compositor y cantante Milton Nascimento puede que tenga sus raíces en el Brasil, pero sus canciones han emocionado a públicos a lo largo de todo el mundo. Nacido en Río, los padres adoptivos de Nascimento, ambos blancos, lo llevaron a Tres Pontas, un pequeño pueblo en el estado de Mina Gerais, cuando él tenía 2 años. Su madre cantaba en un coro y en los festivales locales de música, muchas veces acompañada por Milton. El padre de Milton era maestro de matemática y reparaba aparatos eléctricos, y en algún momento dirigió una pequeña estación radial local, en la que un joven Milton trabajó ocasionalmente como DJ. Milton comenzó a cantar cuando adolescente. Cuando tuvo 19 años, Nascimento se mudó a la capital de Belo Horizonte y comenzó a cantar donde y cuando pudiera. Finalmente tuvo una gran oportunidad cuando la cantante Elis Regina grabó una de sus canciones, "Canção do Sal", en 1966. Regina le consiguió un espacio en un popular programa televisivo brasileño y, después de actuar en el Festival Internacional de la Canción en Brasil, su carrera ya estaba lanzada.
En 1972, trabajó junto a sus compañeros, los letristas Márcio Borges, Fernando Brant, Ronaldo Bastos y otros amigos más para grabar el disco Clube da Esquina, un álbum doble que obtuvo tres hits, entre ellos "Cais" y "Cravo é Canela". Esos temas siguen al día de hoy teniendo nuevas grabaciones y ya se han transformados en standards del Brasil a lo largo de los años. Desde aquel entonces Milton comenzó a grabar, comenzando con un álbum solista cuyo título fue su propio nombre, y a lo largo del tiempo Nascimento ya ha compuesto y grabado alrededor de 30 álbumes.
Este disco es un relanzamiento en CD del original de 1980, el primero para el sello Polygram después de que Milton Nascimento dejara el sello EMI. El álbum tuvo el apoyo fundamental de la percusión melódica del grupo Uakti, de Minas Gerais, además de las habituales orquestaciones muy cargadas. Nascimento tuvo un gran éxito con "Canção da América", pero varias canciones deben ser mencionadas por sus fuertes características melódicas, como la folklórica "Peixinhos do Mar", "Sueño con serpientes" (con Mercedes Sosa), "Cantiga" de Villa-Lobos, y "Sentinela" (con la cantante Nana Caymmi mostrando su fuerte y personal voz, de timbre similar a la de Nascimento, que sirve maravillosamente para mostrar la idea de devoción religiosa.)

datos tomados de la AMG.


faixas
01. O Velho.
02. Peixinhos Do Mar.
03. Tudo
04. Canção da América.
05. Sueño con Serpientes.
06. Roupa Nova.
07. Povo de Raça Brasil
08. Sentinela.
09. Caicó (Cantiga].
10. Bicho Homem.
11. Itamarandiba.
12. Um Cafuné na cabeça, Malandro, Eu quero até de Macaco.
13. Peixinhos Do Mar [Coro]


viernes 23 de octubre de 2009

Quintette du Hot Club de France - 25 Classics 1934-1940

Esta recopilación del Quintette du Hot Club de France llega a nosotros por cortesía de Braulio. El disco lleva por subtitulo The quintessential Django Reinhardt & Stéphane Grapelli, y según dice, Allmusic.com, de donde tomé alguna información para escribir el texto que sigue, es la mejor recopilación del conjunto liderado por el guitarrista gitano.

Si bien Django Reinhardt y el violinista Stéphane Grappelli solían improvisar juntos en los mismos clubes, fue Pierre Nourry, gerente del Hot Club, quien en 1934 les propuso la idea de formar una banda de cuerdas. Así surgió el Quintette du Hot Club de France. El quinteto original estaba formado por Reinhardt, Grapelli, Joseph Reinhardt, hermano de Django y Roger Chaput, en guitarras rítmicas, y el contrabajista Louis Vola.

Durante los años '30, el grupo giró con gran éxito por Europa. Se hicieron particularmente populares en Gran Bretaña, alcanzando un prestigio que creció en todo el continente y llegó a los Estados Unidos. Fue ese prestigio el que hizo que artistas como Rex Stewart, Louis Armstrong y Eddie South, pidieran zapar con la banda en sus giras europeas. Duke Ellington quedó tan impresionado por el guitarrista, que intentó contratarlo para su orquesta para una gira, pero fue en ese momento cuando empezó la Segunda Guerra Mundial.

Paréntesis. En 1933 el Duke había intentado contratar a Oscar Alemán, que debió rechazar la oferta pues tenía un contrato firmado con Josephine Baker. Aquí, en Bienvenidos a la Monga, pueden encontrar las primeras grabaciones de Alemán con su conjunto Les Loups. Cierra paréntesis.

Con el comienzo de la guerra Reinhardt dejó Inglaterra para volver a Francia; Grappelli en cambio, decidió quedarse. Durante siete años no volvieron a tocar juntos, pero Django Reinhardt decidió seguir adelante con el grupo, substituyendo miembros e instrumentos: en algunos períodos el quinteto llegó a ser sexteto, e incorporó un clarinetista y un baterista.

En 1946 Reinhardt viajó a Estados Unidos para unirse a la banda de Ellington, con quien realizó una gira. De vuelta en Francia volvió a reunirse con Grapelli y el quinteto con su instrumentación original, pero la insatisfacción de Reinhardt era evidente: Django quería salirse de la formula de la banda y tocar bebop. La banda finalmente se disolvió en 1948.

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miércoles 21 de octubre de 2009

Itzhak Perlman & John Williams - Duos for violin and guitar

Como ya he dicho en otras ocasiones, la música clásica no es, generalmente, lo que elijo escuchar. Sin embargo, es agradable dejarse guiar hacia nuevos universos sonoros y, desde que descubrí este fabulosa grabación de los Dúos para Violín y Guitarra de Paganini y Giuliani, lo escucho y lo elijo una y otra vez.

Los interpretes de las obras de Paganini y Giuliani, son el reconocido violinista Itzhak Perlman y el genial guitarrista John Williams.

Dice Wikipedia que Itzhak Perlman es uno de los más famosos violinistas de la segunda mitad del siglo XX. Nacido en Israel en 1945, contrajo poliomielitis a los cuatro años. La enfermedad le dejó secuelas que lo obligaron a utilizar muletas y a tocar sentado.

Estudió en la Academia de Música de Tel Aviv, antes de mudarse a los Estados Unidos, donde se presentó a la audiencia norteamericana en el programa de Ed Sullivan en 1958. A los 13 años ingresó en la Juilliard School, en la que estudió con Ivan Galamian y Dorothy DeLay. Debutó en el Carnegie Hall como solista en 1963.

Actualmente Itzhak Perlman reside en Nueva York. Además de tocar y grabar música clásica, Perlman también toca jazz y klezmer. Su versión de los 24 Caprichos de Paganini es una de sus grabaciones más conocidas.

El autraliano John Williams es hijo de un guitarrista de jazz inglés. Aprendió y dominó la guitarra desde muy pequeño, y en 1952 se traslada con su familia a Londres, donde estudia en la Royal College of Music y posteriormente con el guitarrista Andrés Segovia.

John Williams es considerado como uno de los guitarristas clásicos más importantes del mundo. También ha compuesto varias obras para guitarra, y ha rescatado y grabado música folclórica de lugares como Venezuela y África.

Creeme si te digo que vale la pena averiguar de que se trata!

Descargalo haciendo clic aquí.

lunes 19 de octubre de 2009

Edgar meyer - Bach Unaccompanied Cello Suites Performed on Double Bass

Edgar Meyer es un contrabajista estadounidense nacido en 1960. No es un músico fácil de encasillar ya que domina diversos estilos. Meyer se mueve con comodidad, como interprete y como compositor, en la música clásica, el bluegrass y el jazz. Aprendió a tocar el contrabajo con su padre y luego estudió en la Universidad de Indiana.

Su habilidad y virtuosismo le permiten lograr sonidos de un rango que uno creería imposibles para un contrabajo y desarrolla una forma melódica de tocar un instrumento relegado a un lugar de soporte, precisamente debido a su timbre. Esta técnica, le ha permitido tocar en el contrabajo obras originalmente compuestas para otros instrumentos como las Suites para chelo de Bach, que hoy presentamos aquí.

A partir de su re descubrimiento por Pau Casals, todos los grandes chelistas han interpretado estas Suites en algún momento de su carrera: Desde la ya mencionada y hermosa versión de Rostroprovich hasta la mega estrella Yo-Yo Ma. Dicen los que saben que la interpretación de Meyer se acerca, por su intención, a la de Casals. Aunque claro, las características del instrumento de lan un tono más oscuro.

Postear este disco es una vieja deuda que tenía conmigo mismo. Desde que Carlos publicó en su viejo blog la versión de Rostroprovich estuve dándole vueltas al asunto. La música culta no es mi fuerte y no es lo que más escucho, pero cada tanto es agradable darse una vuelta por estas sonoridades a las que aún no he domesticado mi oído.

Descargalo haciendo clic aquí.

sábado 17 de octubre de 2009

Más enlaces reparados

Continuamos ordenando la casa y reponiendo los enlaces caídos.

Que lo disfruten!

Juan Cedrón Trío - Gotán

Arnaldo Antunes - Colaboraciones (del post Colaboraciones y Rarezas)

Arnaldo Antunes - Dois o mais corpos no mesmo espaço

Bela Fleck & The Flecktones - Live at The Quick

Les Primitifs du Futur - World Musette

Les Primitifs du Futur - Trop de routes, trop de trains...

Tom Waits, Nick Cave & Friends - A Flowerdance's Collection

Nick Cave - The Best of Nick Cave

jueves 15 de octubre de 2009

Enlaces reparados

Así, como ilustra la foto, fue la cara que pusieron todos los que estaban en las oficinas de Bienvenidos a la Monga cuando vieron aparecer al administrador de este blog, el desaparecido Diego O'rei.

Y un par casi se desmayan cuando lo vieron ponerse a trabajar en reparar los enlaces. Es que hace tiempo que prometía en vano dedicarse a repararlos y siempre encontraba una excusa para postergarlo.

Entonces, señoras y señores, tal y como habíamos prometido a muchos y hace mucho, estamos trabajando en poner el sitio a punto. Faltan, todavía, un par de enlaces que serán actualizados en las próximas horas, mientras tanto, aquí están, estos son, los links arreglados, y son un montón.

Eduardo Lagos - Dialecto

Carlos Gardel - Evocaciçon lunfa

Totem - Totem (1971)

Caetano Veloso & Zé Wisnik - Onqotô

Milt Jackson & John Coltrane - Bags & Trane

Stevie Wonder - Innervisions

Stevie Wonder - Talking Book

Têtes raides - Ginette (10 ans)

Varios - Hot Woman

Varios - Revolution Rock, a Clash jukebox

domingo 11 de octubre de 2009

Luiz Bonfá, "Luiz Bonfá Plays and Sings Bossa-Nova" (1962).


Aunque oscurecido a veces por la figura majestuosa de Antonio Carlos Jobim y, en menor medida, por Joao Gilberto, Luiz Bonfá también estaba exactamente allí cuando nació la bossa nova. En efecto, por lo menos 2 de sus canciones, la cautivante "Manha de Carnaval" y la igualmente evocadora "Samba de Orpheus" sacudieron al mundo por lo menos 3 años antes de que las canciones de Jobim hicieran un impacto global, y prepararon el camino para la primera oleada brasileña. Por añadidura, Bonfá cultivó un estilo delicado y preciso en su guitarra clásica, aunque más apegada al ritmo tradicional del samba que la bossa nova de Gilberto y Jobim.
Nacido cerca de la bahía de Guanabara en Río -su padre fue un inmigrante italiano-, Bonfá tomó la guitarra a los 11 años y estudió guitarra clásica con el maestro uruguayo Isaias Savio. Luiz comenzó a trabajar como cantante en los clubes de Rio con los Quitandinha Serenaders, y allá por 1946 ya estaba apareciendo en la Radio Nacional de Brasil. Para el 57, Bonfá estaba comenzando a dividir su tiempo entre New York y Rio, viajando a EEUU con la cantante Mary Martin, además de escribir y grabar para el cine brasileño.
El punto de viraje en su carrera llegó en 1959, cuando el director de cine Marcel Camus le pidió a Luiz que contribuyera con algunas canciones a su versión fílmica de la obra Orfeo do Carnaval (que sería retitulada Black Orpheus en la pantalla). El director originalmente rechazó el tema "Manha de Carnaval" como tema principal del filme, pero después de intentar con lo que consideró una segunda tentativa inferior, Bonfá volvió a pelear por su primer tema y logró su cometido; y el tema se convirtió en un standard del pop/jazz/folk global.
A finales de los 50 y en los 60, Bonfá comenzó a grabar diferentes álbumes para el mercado americano, en los sellos Capitol, Dot, Atlantic, Cook, Philips, Epic y Verve; y él y sus canciones aparecieron prominentemente en el álbum Jazz Samba Encore, junto a Jobim y Stan Getz. Sus habilidades como compositor fueron solicitadas en los lugares más impredecibles; por ejemplo, escribió para Elvis Presley la empalagosa "Almost in Love" (incluida en el olvidable filme de 1968 Live a Little, Love a Little).
El perfil de Bonfá desapareció virtualmente en América después de los 60, aunque continuó escribiendo y saliendo de gira, registrando en definitiva más de 50 álbumes. Pero resurgió en las disquerías de USA después de una brecha de 15 años en 1989, con el disco Non-Stop to Brazil para el sello Chesky, a lo que le siguió el deslumbrante The Bonfa Magic en 1991 (lanzado localmente por el sello Milestone) y también Moods en 1993 para el sello GSP. La banda de sonido original de Black Orpheus está disponible en edición CD por el sello Verve, una muestra de primera mano de Bonfá y Jobim encendiendo la antorcha para la explosión mundial de la música brasileña.
En enero del 2001, Luiz Bonfá murió de cáncer en Río de Janeiro.

tracks
1. Samba de Duas Notas (Two Note Samba)
2. Vem So (Come Here, My Love)
3. Sambalamento
4. Tristeza (Brazilian Blues)
5. Manha De Carnaval (Morning Of The Carnival)
6. Silencio Do Amor (The Silence Of Love)
7. Domingo A Noite (Sunday Night)
8. Ilha De Coral (Coral Island)
9. Adeus (Goodbye)
10. Quebra Mar (The Sea Wall)
11. Amor Que Acabou (The End of Love)
12. Chora Tua Tristeza (Cry Your Blues Away)
13. Bossa Nova Cha Cha

sábado 3 de octubre de 2009

Naná Vasconcelos, "Saudades" (1979).


Destacado varias veces como mejor percusionista a nivel mundial, el músico brasileño prefiere ser reconocido como un artista que sabe escuchar no sólo la música sino el silencio, elemento que sabe incorporar a su concepción orquestal de la percusión. Su búsqueda rítmica y tímbrica actualiza la tradición cultural y religiosa nordestina, en sus propios discos o en colaboraciones con los más variados músicos del mundo y siempre incluyendo al berimbau, su instrumento más característico. Capaz de pintar con sonidos, Naná sabe llenar de colores las músicas.
Naná Vasconcelos nació en Pernambuco, nordeste del Brasil, tierras tan famosas por sus sequías y pobreza material como por su enorme fertilidad cultural y religiosa. Esos extremos han sabido confluir en un arte en expansión que conforma gran parte del imaginario cultural brasileño. De ese universo forman parte los míticos cangaceiros, la literatura de cordel, los músicos repentistas, la capoeira, el cinema novo de directores como Glauber Rocha y la renovación de la música popular brasileña con figuras que van de Dorival Caymmi, Luis Gonzaga y Joao Gilberto a Caetano Veloso, Gilberto Gil y más recientemente Carlinhos Brown, Chico Science o Lenine. Con muchos de ellos ha tocado y grabado Naná; y todos son herederos de un clima caliente en ritualidad donde las numerosas manifestaciones religiosas de origen africano hacen que el sincretismo sea un gesto natural del nordestino. Tanto como su tendencia a emigrar y buscar nuevas regiones, alejadas de la aridez material, aunque quizás menos ricas en rituales y memorias de tiempos sin memoria.
Por eso, aunque comenzara su carrera acompañando también en sus inicios al gran Milton Nascimento, logró atraer la mirada musical de su país al trabajar con músicos ligados al jazz, como los argentinos Gato Barbieri y Agustín Pereyra Lucena y luego Don Cherry, Collin Walcott, Ron Carter, Lenny White o Pat Metheny. Por estos trabajos la revista especializada Down Beat lo destacó en varias oportunidades como mejor percusionista del mundo.
Fue, además, uno de los primeros músicos que independizó al berimbau de su uso tradicional en la capoeira, al hacerlo actuar incluso como solista junto a una orquesta sinfónica y siempre aplicando su concepción orquestal de la percusión, con la que ha enriquecido las posibilidades armónicas y tímbricas de lo percusivo. Admirador del compositor brasilero Heitor Villalobos, que desde la tradición de la música erudita se acercó e integró a sus composiciones los sonidos y estructuras de la música popular del Brasil, Naná toma un impulso desde las mismas raíces de la música popular y religiosa nordestina y hace crecer paisajes desbordantes a su alrededor, con una capacidad visual que plasmó en los discos que hizo junto a otro gran explorador como Egberto Gismonti y en todos sus creaciones para bandas sonoras de películas y agrupaciones de teatro y danza contemporánea.
Siempre interesado por el tema del cuerpo, ha desarrollado una técnica de percusión corporal que practica no sólo en sus grabaciones y conciertos sino en sus talleres destinados a transmitir nociones rítmicas corporales a todo tipo de personas, no sólo músicos o bailarines. Estos conceptos, además, los aplica en su Pernambuco natal en un programa de desarrollo social a través del arte - ABC das Artes Flor do mangue - para niños carenciados materialmente, obra que él mismo sostiene. El trabajo con niños había nacido de un proyecto de investigación sobre las posibilidades de curación de la música que realizó en Francia, donde colaboraba con un médico en la rehabilitación de chicos con dificultades de coordinación motora. Con ellos se comunicaba con los sonidos, en una forma natural de diálogo sanador que tenía como protagonista principal al berimbau, su instrumento preferido y el que dice tocar mejor. Aunque lo hayan destacado, justamente por sus capacidades técnicas, como mejor percusionista del mundo y aunque su música sea a veces catalogada como étnica, world music, jazz o ambient, él mismo se encarga de salirse de toda clasificación. Para Naná Vasconcelos, la música es algo sagrado: "Me gusta traer personas que tengan algo natural, verdadero que mostrar, y nada más natural que los pigmeos que son los verdaderos minimalistas. La tradición es la madre eterna de todo lo que traemos de creativo, moderno es sólo un nombre, un desfile y un hijo de la tradición, el hijo más joven se llama Internet".

TEXTO DE DIEGO RAMOS
para:
http://www.temakel.com/musicananavasconcelos.htm


faixas
01. O Berimbau
02. Vozes (Saudades)
03. Ondas (Na óhios de Petronila)
04. Cego Aderaldo
05. Dado

jueves 24 de septiembre de 2009

Stephane Belmondo, "Wonderland" (2002).


Stéphane Belmondo ha surgido como un músico singular y se ha convertido en uno de los músicos más solicitados de su generación. No hay duda de que es uno de los más excepcionalmente dotados músicos de jazz contemporáneo que hay hoy en día en Francia. En la familia se dice que la música llegó naturalmente a Stéphane antes de que hablase. Comenzó con el acordeón, pero antes de cumplir los seis años se decantó por la trompeta y posteriormente estudió este instrumento en el conservatorio de Marsella, consiguiendo su primer premio en 1986.
Posteriormente se trasladó a París, donde trabajó con músicos como René Urtreger, Alby Cullaz y Michel Graillier, uniéndose después a la big band 'Lumière' de Laurent Cugny, con quienes grabó dos discos. En 1987 lo escuchó Chet Baker en un concierto e invitó al joven músico a participar en el concierto que ofrecería la siguiente noche, donde lo presentó a la audiencia como el más prometedor trompetista de su generación en Europa.
En 1993 los hermanos Lionel y Stéphane se juntan para formar un quinteto, aunque también se unieron para un trío con la cantante Dee Dee Bridgewater, que preparaba un proyecto con el que rendir tributo a uno de los padres del hard bop, el pianista Horace Silver.
Stéphane vivió varios años en Nueva York, donde tocó con músicos como Toshiko Akiyoshi, Al Foster, Mark Turner y David Kikoski. También se volvió a unir a Bridgewater para una gira americana. En 1999 volvió a París para unirse a su hermano y contribuir a las incursiones experimentales del pionero de la música electrónica DJ Frédéric Galliano y posteriormente grabar el tercer álbum del Belmondo Quintet.
Aunque gran parte de esta selección viene de temas de Stevie que los oyentes conocen más que bien, Stéphane Belmondo no fue en busca de las más famosas canciones de Stevie Wonder en este disco dedicado a su música. Dentro de un cuarteto en el que estuvo Eric Legnini al piano, Stéphane encara estas melodías memorables que se prestan sorprendentemente bien para improvisaciones de jazz. Además de ocupar genialmente su posición de trompetista, Belmondo encara también instrumentos varios para explorar el sonido Wonder que aquí se hace, literalmente, una wonderland: una tierra de maravillas. Su hermano Lionel también ha organizado con Stephane algunas piezas, ocupándose de la flauta, el clarinete y clarinete bajo. Aunque se mueven con una pasmosa solvencia en una instrumentación netamente acústica, la música de este álbum sigue siendo fiel a las versiones originales de Wonder. El lirismo reina de manera suprema y confiere inesperada riqueza armónica a los temas.

1. Creepin'
2. You Will Know
3. All In Love Is Fair
4. Too High
5. The Secret Life of Plants
6. Girl Blue
7. Visions
8. Another Star
9. You´ve Got It Bad Girl
10. Too Shy to Say

domingo 20 de septiembre de 2009

Till Brönner, "Midnight" (1997).


Till Brönner (nacido en 1971) es un músico alemán de jazz, trompetista, cantante, compositor, arreglador y productor. Tiene un estilo jazzístico singular, influido por el bebop y el jazz de fusión, pero también por la música pop, las bandas sonoras de filmes (especialmente de las viejas películas alemanas), el country e incluso canciones pop alemanas. Su modo de tocar la trompeta está inspirado fundamentalmente por Freddie Hubbard y Chet Baker. Sus maestros más influyentes fueron Bobby Schew y el internacionalmente renombrado Malte Burba.
Till se formó en Roma y recibió formación clásica en la escuela jesuita Aloisiuskolleg, a lo que le siguió el estudio jazzístico de la trompeta en la academia de música de Colonia, con profesores como Jiggs Whigham y Jon Eardley.

datos tomados de la Wikipedia.

1. What's Going On
2. Midnight
3. Little Giant's Talking
4. Highway to Heaven
5. Reporting from Rangoon
6. Don't You Worry 'Bout a Thing
7. In the Meantime
8. Check That
9. Tribeca
10. Racer
11. Morning Ride
12. Waiting

domingo 6 de septiembre de 2009

Sonny Rollins, "Jazz Profile" (comp. 1988).


Theodore Walter "Sonny" Rollins (New York, 1930) nació en el seno de una familia de emigrantes venida desde Las Islas Vírgenes, en las Antillas. Su hermano tocaba el violín y él comenzó desde pequeño a tocar el piano. Por aquella época y siendo adolescente, compatilizaba sus estudios en la Universidad con el saxofón alto, instrumento utilizado por Louis Jordan, por aquel entonces muy popular. Pasada esa afición inicial al saxo alto, adoptó definitivamente el saxo tenor y en New York, comenzó a frecuentar los ambientes boopers, y con 18 años, participó en sus primeras sesiones de grabación bajo la dirección del cantante Babs Gonzales, con el sello Capitol y con el trombonista Jay Jay Johnson para Savoy. Ese mismo año de 1948, el pianista, Bud Powell lo elegía para formar parte de un quinteto -junto al trompetista Fats Navarro - que dejó para la posteridad los álbumes "Bouncing With Bud" y "Dance of the Infidels", para Blue Note ambos. Al año siguiente empezó a grabar regularmente para la casa Prestigie, bajo el liderazgo de Miles Davis, y ya en diciembre llegaron los primeros discos a su nombre.
Con una progresiva maduración artística e instrumental, Sonny Rollins grabaría en 1953 y 1954 al lado de The Modern Jazz Quartet, Tkelonious Monk, Art Farmer y especialmente, con Miles Davis, y en una de esas sesiones de grabación, tuvo por fin la oportunidad de grabar con su idolatrado, Charlie Parker. En aquel año presentó sus primeras composiciones y algunas de ellas se han convertido con el paso del tiempo en estándares del jazz, como "Óleo", "Airegin" y "Doxy". Dejó New York con una excelente reputación y se instaló en Chicago donde coincidió con su amigo, el baterista Max Roach, que actuaba con un quinteto en el que estaba Clifford Brown a la trompeta. Roach le propuso unirse a ellos en sustitución del saxo tenor Harold Land, y su permanencia con el baterista duró un año y medio.
Sonny Rollins grabaría al año siguiente el disco cumbre de su carrera: "Saxophone Colossus" (Prestige, 1956) con Tommy Flanagan al piano, Doug Watkins al bajo y Max Roach a la batería. En ese disco está el tema "St. Thomas", una composición que inaugura las inclinaciones de Rollins por el calipso -una herencia materna - y la obra maestra, "Blue Seven", un blues conceptualmente extraordinario. Aquel gran año, se cierra con Sonny Rollins The Jazzman de Thelonious Monk en el disco "Brilliant Corners", otra logradísima obra de Monk. Al año siguiente modifica el formato de su música y cambia el soporte del piano y opta por el contrabajo y la batería. Así graba "Way Out West" (Contemporary, 1957), la maratoniana sesión en el Village Vanguard (Blue Note, 1957) y la "Freedom Suite" (Riverside, 1958). A pesar de su extraordinario éxito en los cincuenta, y de estar considerado uno de los grandes saxofonistas del momento, la aparición de Ornette Coleman y la eclosión de Coltrane, en su etapa moderna, le habían desplazado de la vanguardia del jazz de la época.
Decidió tomarse un respiro de un par de años donde se le veía muy a menudo ensayando de noche en el puente neoyorquino de Williamsburg -que une Manhattan con Brooklyn -y a la vuelta grabó para RCA en enero de 1962, otro de sus grandes discos: "The Bridge". En ese álbum, se ve a un Sonny Rollins sereno, majestuoso y con un estilo depurado. El cuarteto que acompañó a Rollins en esa grabación fue: Jim Hall a la guitarra, Bob Cranshaw al contrabajo y Ben Riley a la batería. Al año siguiente graba con el maestro Coleman Hawkins, otro disco extraordinario a pesar de que ambos tocaban un sonido radicalmente distinto. En 1966 grababa la banda sonora de la película "Alfie" protagonizada por Michael Caine y al año siguiente reúne la rítmica de Coltrane -Elvin Jones a la batería, Jimmy Garrison al contrabajo- mas Freddie Hubbard a la trompeta para grabar su postrero intento de subirse a la corriente free del jazz: "Broadway Run Down" (Impulse, 1966).
Un nuevo retiro, esta vez desde 1969 a 1971, cuando inicia un flirteo con el jazz rock que no parece convencerle. Visita la India, estudia yoga y religiones asiáticas, y desconcierta a los críticos y puristas que, sin embargo, no se fijan en que Rollins conserva en el jazz-rock más elementos del bop que ningún otro músico. Ya, a principios de los 80, volverá a ser ese improvisador impetuoso y lírico que ha dejado atrás sus inquietudes. Riguroso y austero, preocupado por la perfección, no cesará jamás de explorar el jazz. Hoy, ya septuagenario y con un reciente disco en la calle "This is Whaty it Do" (Milestone, 2000) Sonny Rollins, es, sin duda alguna, el último de los gigantes del jazz que continúa con vida.

de apoloybaco.com

trax
1. Plain Jane
2. You Stepped Out of A Dream
3. Reflections
4. Sonnymoon for Two
5. Four
6. All the Things You Are
7. Blues for Philly Joe


sábado 29 de agosto de 2009

Charlie Haden with Jan Garbarek & Egberto Gismonti, "Folk Songs" (1979).


Como miembro de las primeras bandas del saxofonista Ornette Coleman, el bajista Charlie Haden se hizo conocido como uno de los padres fundadores del free jazz. Haden nunca se estancó en ningún nicho estilístico, sin embargo. Ciertamente, ha tocado su parte en lo que corresponde a una música de disonancias, en los 60 y 70 junto a Coleman y Keith Jarrett, y como líder de la Liberation Music Orchestra, por ejemplo, pero, en lo general, parece llevado a la consonancia. Obsérvese si no su trío con el saxofonista Jan Garbarek y el guitarrista Egberto Gismonti, cuyo álbum Silence para el sello ECM epitomizó una estética lírica y armónicamente simple, o si no también su trabajo en dúo con el guitarrista Pat Metheny.
Egberto Gismonti, por su parte, es mundialmente renombrado como multiinstrumentista y compositor. Fue profundamente influido por el maestro brasileño Heitor Villa-Lobos, cuyos trabajos reflejaron la diversidad musical del Brasil. Desde el batuque de los indios del Amazonas hasta la samba carioca y el choro, pasando por el frevo del Noreste, Gismonti captura la verdadera esencial del alma brasileña de un modo que es a la vez primitivo y sofisticado, y que refleja su visión personal, elaborada por años de formación y sapiencia clásica, en una multitud de lenguajes musicales en los que el jazz desempeña un rol significativo.
El tono helado y el uso liberal de tonos espaciados y prolongados del saxofonista noruego Jan Garbarek ha sido muchas veces perfecto para el sonido del sello ECM y, como resultado, él está en múltiples grabaciones de ese sello, sea como líder o como sideman. Él había ganado una competencia para músicos amateurs de jazz ya en 1962, lo que lo llevó a dar sus primeras presentaciones. Garbarek trabajó exhaustivamente en Noruega durante todo el resto de los 60, por lo general como líder pero también, durante 4 años, con George Russell (quien estuvo por un buen tiempo en Escandinavia). Garbarek comenzó a grabar para ECM a principios de los 70 y, aunque tuvo oportunidad de grabar con Chick Corea y Don Cherry, fue su asociación con el cuarteto europeo de Keith Jarrett lo que lo hizo famoso a mediados de los 70, y lo que dio por resultado grabaciones clásicas como My Song y Belonging.
Ésta es una de las mejores grabaciones del sello ECM, con el bajo a cargo de Charlie, Garbarek en saxo tenor y soprano y Egberto Gismonti pasando todo el tiempo de la guitarra al piano. Lo pueblan composiciones originales muy cargadas de elementos anímicos, improvisaciones que combinan el jazz y la world music y ensambles sumamente atmosféricos. Esta sesión permanece tanto como una muestra superior de música ambiente y como perfecta para una escucha bien atenta.

trax
1. Folk Song
2. Bodas de Prata
3. Cego Adelrado
4. Veien
5. Equilibrista
6. For Turiya

viernes 21 de agosto de 2009

Wayne Shorter, "Alegría" (2003).


Wayne Shorter (Newark, 1933) tocó el clarinete, pasándose al saxo tenor hacia el final de su adolescencia. Estudió música en la Universidad de New York a mediados de la década de 1950 antes de prestar servicio durante dos años en el ejército norteamericano. En sus días de estudiante había tocado con varias bandas, incluyendo la que dirigía Horace Silver, y al ser dado de baja del ejército conoció a John Coltrane, y juntos desarrollaron muchos enfoques teóricos sobre la música. En 1959 ingresó en los Jazz Messengers del baterista Art Blakey, permaneciendo en esa escuela de jazz hasta 1963. Con Blakey grabó mas de veinte álbumes, ganándose un merecido prestigio. 1959 fue también el año en el que grabó su primer disco a su nombre, el espléndido Blues a la Carte (Affinity, 1959).
Una etapa esencial de su carrera artística fue cuando en 1964 ingresó en el quinteto de Miles Davis, en el que estuvo hasta 1970. Allí coincidió con músicos de altísimo nivel como Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams. Las contribuciones de Shorter fueron muy importantes para el quinteto de Davis, el cual experimentó una expansión en los parámetros jazzísticos, muy innovadores, comparables a los cambios introducidos por el bebop en los años cuarenta. La influencia de Shorter a su maestro dio frutos en 1968 con la publicación de Miles in the Sky y Filles de Kilimanjaro, que incorporaban elementos como el teclado, la guitarra y el bajo eléctrico, tan comunes en el rock. Al año siguiente, Shorter participaría en el álbum considerado fundacional del jazz eléctrico, también, cómo no, liderado por Miles Davis, el extraordinario In a Silent Way (Columbia, 1969). Como fruto de esa extraordinaria colaboración con Miles, el selecto sello Blue Note le abrió las puertas, y comenzó una relación musical entre ambos extraordinariamente fructífera para el jazz. El debut de Shorter en ese sello fue en 1964, y no pudo ser más extraordinario. El saxofonista debutó con toda una obra maestra absoluta del jazz de todos los tiempos. Speak No Evil fue el fruto de una logradísima originalidad, de una capacidad creativa magistral, y el disco pasó muy pronto a formar parte de la mejor historia de esta música. A ese disco le siguieron varios más entre 1965 y 1970, de pareja calidad.
En 1970 Wayne Shorter cubriría otra importantísima etapa en su carrera profesional, cuando formó junto al teclista Joe Zawinul (con el que coincidió en su etapa con Miles) el grupo Weather Report. Este grupo se encargaría de formar un nuevo sonido de jazz-rock, atrayendo a una gran audiencia. Consecuencia de todo esto fue la venta en 1978 de más de un millón de copias de su disco Heavy Weather, que obtuvo cinco nominaciones a los premios Grammy. Los años con Zawinul ampliaron aun más el ámbito de Shorter, destacándose su apreciación de las formas más libres, dando rienda suelta a su deleite por el exotismo musical. Si bien el grupo Weather Report sentó las bases para muchas bandas de jazz fusión que siguieron, fundamentalmente por el paso de Jaco Pastorius por el mismo, su mayor virtud fue la capacidad del grupo para absorber la calidad individual de sus componentes en beneficio del colectivo.
Shorter fue un innovador importante que ejerció gran influencia sobre los músicos de hard bop y de jazz fusión, y hoy, todavía en activo y con la capacidad creativa intacta, sigue siendo uno de los músicos más imaginativos dentro del jazz, buscando constantemente nuevos horizontes pero, gracias a sus amplios conocimientos musicales, conservando lazos identificables con el pasado. En este sentido, es encomiable la aparición en este tercer milenio de varios y magníficos trabajos que confirman que la fuente creativa de este extraordinario músico no está todavía agotada.

texto tomado de:
http://www.apoloybaco.com/wayneshorterbiografia.htm

Playlist
01. Sacajawea
02. Serenata
03. Vendiendo Alegria
04. Bachianas Brasileiras No. 5
05. Angola
06. Interlude
07. She Moves Through The Fair
08. Orbits
09. 12th Century Carol
10. Capricorn II

lunes 17 de agosto de 2009

Luca Colombo, "Playing the Beatles" (2005).


Cuenta Luca de sí mismo en su bello website:
Que es guitarrista profesional desde el 87. Que nació en el 66. Que le gusta tanto la guitarra eléctrica como la acústica, que le gustan muchos estilos musicales pero que siente predileccion por el rock, el blues y la fusión.
Que trabaja como "session-man" en su país, Italia, fundamentalmente en el ámbito televisivo, y que ha tocado con muchos astros de ese país.
Dice que en su formación musical y guitarrística fueron primordiales Carlos Santana, J. Hendrix, R. Blackmore, J. Beck. Pero el jazz fusión para él es fundamental y agrega pronto los nombres de Pat Metheny, J. Scofield, M. Stern, y que le gusta el brío de tipos como Scott Henderson, A. Holdsworth, J.Satriani, E. Johnson, E. Van Halen, S. Vai.
Que le presta mucha atención a la música house, dance, techno, rap, insiste que le gusta mucho el rock (nombra a los Stones, a Police, Van Halen, Queen).
Y cuenta que a causa del mercado discográfico italiano es casi imposible para un músico especializarse en un género musical determinado y que él ha evolucionado de esa manera, prestando tanta atención a la armonía como al ritmo.
Alterna su trabajo como guitarrista con el trabajo de la enseñanza.
Este disco te va a emocionar como pocas cosas de las que uno puede escuchar últimamente. Es de una delicadeza, un tino y una belleza que, al sentir de nuevo un cálido reencuentro con las melodías eternas de los Beatles, te las hace sentir de nuevo como una flor que recién brota: fresca, juvenil, bellísima, lozana...
Un encanto.
Y espero que mi sobrino el tremendo Diego lo disfrute tanto como yo y no me saque carpiendo del inefable territorio inconquistable de la Monga...
Abrazote a mi querido tremendo Diego y a todos sus cofrades mongosos.

01 And I Love Her
02 Here, There And Everywhere
03 Can’t Buy Me Love
04 Come Together
05 Day Tripper
06 Blackbird
07 Drive My Car
08 Something
09 Michelle
10 Norwegian Wood
11 Yesterday
12 Please, Please Me - From Me To You
13 Let It Be
14 Hey Jude
15 Here Comes The Sun

jueves 13 de agosto de 2009

Larry Coryell - Monk, 'Trane, Miles & Me

Larry Coryell nació el 2 de Abril de 1943 en Galveston, Texas. Estudió guitarra clásica y, después de haber debutado en la escena pop de Seattle, se mudó a New York en 1965, donde comenzó a tocar jazz. Antes de formar sus propias bandas, Coryell tocó con Chico Hamilton y Gary Burton.

En 1973, formó The 11th House con Randy Brecker, Mike Mandel, Danny Trifan y Alphonse Mouzon, y su disco debut, Introducing The 11th House, fue uno de los pioneros del jazz-rock. Tres años y cuatro discos depués, el grupo se disolvió y Coryell se concentró por un tiempo en la guitarra acústica, grabando una serie de discos solo, en duo o en trio, con guitarristas como Joe Beck, Steve Khan, Emily Remler y Philip Catherine. Más tarde grabaría tambien con John McLaughlin y Paco de Lucia bajo elnombre de The Guitar Trio.

La carrera de Coryell es larga y prolífica: en 40 años de trayectoria ha grabado más de 70 discos como líder o junto a otros músicos. En los 80's Coryell participó en un concierto junto a otros cuatro guitarristas: John Scofield, Larry Carlton, John Abercrombie y Tal Farlow. La grabación de ese fabuloso concierto, del que también participó el bajista John Patituci, la pueden conseguir aquí mismo, en Bienvenidos a la Monga!.

En Monk, 'Trane, Miles and Me (1999), el guitarrista brinda un homenaje a los músicos que lo inspiraron, pero los temas pasan por el tamiz del estilo de Coryell. Acompañado por el contrabajista Santi Debriano, el baterista Yoron Israel, el pianista John Hicks, que participa en cuatro de los nueve temas, y el saxofonista Willie Williams, que participa en dos, Coryell explora melodías como Trinkle Tinkle, de Thelonius Monk, Naima de John Coltrane, y All Blues de Miles Davis.

Descargalo haciendo clic aquí.

domingo 9 de agosto de 2009

Enrique Villegas - Tributo a Monk

Cuando miro la fecha de mi último posteo en el blog, no lo puedo creer, pero... aquí estoy nuevamente! Nunca voy a terminar de agradecerle a Carlos por haber mantenido vivo y abierto este espacio durante mi ausencia del mundo virtual. De todas maneras corresponde decir en público lo que ya dije en privado: Gracias Carlos!

Y ya que Carlos inició el tema de los homenajes, les voy a dejar esta joyita que guardaba para una ocasión especial.

A fines de los '50, Enrique Villegas había viajado a Estados Unidos para grabar, contratado por el sello Columbia. Cuenta Segio Pujol en su artículo en el diario Página/12 que, luego de grabar dos discos de puro jazz, Columbia castigó a Villegas por su negativa a grabar un homenaje a Ernesto Lecuona, un compositor de música cubana que acababa de fallecer. Villegas no logró hacerle entender a los gringos ejecutivos de la compañía, que el era argentino y no cubano, y que tocaba jazz, y no son.

"Cuenta Nano Herrera que en 1964, cuando empezó a tratarlo, el Mono era prácticamente desconocido en Buenos Aires. Habían transcurrido nueve años de su partida y una nueva generación de músicos había tomado la posta. Algunos ni siquiera habían oído hablar de él. Otros lo creían retirado, gozando de una mitología modesta. Unos pocos sabían de sus glorias trashumantes. Sin embargo, había vuelto en un buen momento. Alfredo Radoszynski le ofreció grabar Enrique Villegas en cuerpo y alma, el primer disco de la segunda –y definitiva– etapa argentina. "

Grabado el 5 de enero de 1967, Tributo a Monk fue el tercero de los discos publicados por Trova, el sello de Radoszynski, luego del ya mencionado Enrique Villegas en cuerpo y alma (1965) y del mismo año que Metamorfosis, 24 preludios op. 28 de Chopin (1967). Al igual que en los dos discos anteriores, en esta sesión, el Mono fue acompañado por Jorge López Ruiz en contrabajo y Eduardo Casalla en batería.

Tributo a Monk es hasta este momento, uno de los discos de Villegas más difíciles de encontrar en la web (yo no lo ví publicado en ningún lado). El homenaje al gran Thelonius incluye un medley llamado Tributo a Monk, donde se puede escuchar 'Round Midnight, Bemsha Swing y Blue Monk, que era el lado A desl disco. El lado B estaba formado por It's only a paper moon, Charmaine, It might as well be spring y Saint Thomas.

Descargalo haciendo clic aquí.

viernes 7 de agosto de 2009

Alfredo Remus, Manuel Fraga y Oscar Giunta, "Querido Bill. Tributo a Bill Evans" (2005).


Remus y Fraga tienen una historia de colaboraciones importante; en 1998, se conocieron en el proyecto denominado Músicos y Cía. "De allí en adelante, fuimos estableciendo esta fuerte relación musical", recordó Fraga. Si bien fueron parte de proyectos en los que acompañaban a diferentes artistas, fue en dúo como desarrollaron una de las relaciones más fructíferas en términos musicales.
Precisamente, la música de este trío tiene esa particularidad. El estrecho diálogo entre piano y contrabajo, como resultado de dos personalidades musicalmente expresivas, aunadas a uno de los bateristas más interesantes del jazz argentino, hace que este trío tenga una fuerte dosis de creativa improvisación.
Por lo general, este tipo de trío desarrolla cierto arquetipo en el que el piano dialoga con la batería en tanto que el bajo hace de pivot; en el caso de este combo, la situación es algo diferente, pues mientras que el interlocutor de Fraga es básicamente Remus, Giunta hace un impecable trabajo de acompañamiento, pero también dialoga con el colectivo. Para Remus, el capital más importante que tienen es la libertad, la que les permite una amplitud suficiente como para albergar a tres "espíritus creativos".
En relación con el tributo a Bill Evans, Fraga reconoció que fue en buena medida a instancias de la pasión que siente Remus por el pianista lo que lo llevó a hacer una suerte de renovada mirada a ese músico que reunió el mundo clásico con el jazz. "Estaba más orientada mi música hacia pianistas como Oscar Peterson, Errol Garner, McCoy Tyner o Hancock, hasta que Remus me generó un renovado interés por Evans y descubrí una forma de interpretación nueva, en la cual lo clásico tiene un papel muy importante", dijo Fraga.
Para Remus, Evans en un músico que con metodismo desarrolló un papel clave en el desarrollo del jazz. "Hice varios tributos a Evans, uno, por ejemplo, con Ricard Miralles (pianista y arreglador de Joan Manuel Serrat), pero nunca pude llevarlo tan lejos como en esta ocasión", afirmó el contrabajista, que en octubre cumplirá 50 años como músico de jazz profesional.
"Querido Bill", tema de Fraga, nació a raíz de un sueño de su hijo Tomás, un guitarrista muy prometedor, que ya actúa en la escena, en el que ambos pianistas charlaban animadamente. "El nombre del tema es cómo encabezaría una carta para contarle a un amigo el sueño de mi hijo", explicó el músico.
El trío habla un lenguaje en que la melodía es la forma de encuentro y, en este punto, la reflexión de Fraga aparece muy atinada. "¿Qué justifica la improvisación? Cuando un artista presenta la frase melódica para luego alejarse tanto como puede, no parece tener sentido musical; en realidad, nuestra forma es presentar el motivo melódico para luego trabajar desde ese lugar e improvisar", señaló Fraga.
Una relación poco común en la que los tres son coprotagonistas de una historia musical que tiene la melodía como el bien más preciado.

César Pradines
http://www.lanacion.com.ar/Archivo/nota.asp?nota_id=902019


QUERIDO BILL TRIBUTO A BILL EVANS

ALFREDO REMUS contrabajo
MANUEL FRAGA piano
OSCAR GIUNTA batería

1. You Don’t Know What Love Is (Raye / De Paul)
2. Beautiful Love (Young)
3. Time Remembered (Evans)
4. You Must Believe In Spring (Legrand)
5. Nardis (Davis)
6. Skylark (Carmichael / Mercer)
7. Querido Bill (Fraga)
8. All Blues (Davis)
9. Billie’s Bounce (Parker)

domingo 2 de agosto de 2009

Cassandra Wilson, "Belly of the Sun" (2002).


Cassandra Wilson nace en Jackson, Mississippi, en 1955. Es hija de Herman Fowlkes, un guitarrista y bajista semiprofesional en muchos grupos de blues. Su madre, Mary Fowlkes, canta gospel en la iglesia. A los cinco años Cassandra canta en funciones escolares y a los nueve comienza estudios de piano y guitarra que continuará durante otros nueve años. Desde su adolescencia participa en las marching bands de Jackson, y en esa época comienza a actuar en la zona de San Luis, al frente de su propio grupo con dos guitarristas, una de las muchas circunstancias que se repetirán casualmente en su carrera, llena de detalles premonitorios.
Desde mediados de los setenta actúa también por todo el circuito de las coffee-houses en Mississippi y Arkansas, habitualmente sola con su guitarra, a veces acompañada por un bajista y un percusionista. En una de estas actuaciones comienza una colaboración que desembocará en una larga amistad con la cantante, pianista y violinista Ronda Richmond, a la que años más tarde producirá un disco. En esos años su repertorio es muy variado, una mezcla de blues y música folk. Sus influencias desde el blues son sobre todo los músicos acústicos de entreguerras, especialmente Robert Johnson, Bukka White, Son House y Mississippi Fred McDowell, cuyos repertorios domina desde muy joven. Desde estos años sus otras grandes influencias son las cantantes folk-rock de los sesenta y setenta, especialmente Joni Mitchell y Laura Nyro.
Ya en esta época Cassandra comienza a no encajar muy bien en ese molde en el que se encuentran a gusto otras cantantes negras. Muchas de sus contemporáneas se ajustan mejor que ella a los patrones tan comunes para los músicos de jazz de la entonces incipiente década de los ochenta. Tal vez por ello los críticos tardaron bastante en apreciarla, confundiéndola, según la estrechez característica de aquel momento, con una superficial cantante de soul. Tampoco parecía encajar en la tradición del jazz, vista ésta en aquellos tiempos desde esa óptica estrecha entonces predominante en las publicaciones musicales. Los que la escucharon en ese momento comentan que su gusto por las versiones extrañas de temas de los artistas más diversos ya era en aquella época una característica que la hacía muy peculiar. Ya era una artista diferente, que buscaba algo nuevo, no una cantante más.
Estudia jazz con Alvin Fielder y canta con la Black Arts Music Society en Jackson, y toma contacto a través de esta asociación con lo que hacen las similares Black Artists Group de San Luis (BAG, Grupo de artistas negros) y la Association for the Advancement of the Creative Musicians de Chicago (AACM, Asociación para la promoción de músicos creativos). Como a muchos otros artistas de su generación, estas conexiones con el BAG y la AACM influirán muchísimo en su carrera. En 1981 obtiene su diploma en Comunicación de Masas en la Universidad de Jackson y comienza a trabajar como relaciones públicas en un canal de televisión en Nueva Orleáns. Durante sus años en la ciudad forma parte de la banda de Earl Turbington y profundiza en su interés por Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan y Betty Carter. Estas dos últimas, junto con Abbey Lincoln, serán dos de sus influencias mayores a partir de ese momento, que se suman a la evidente relación que su música tiene ya con la de la inclasificable Nina Simone.
Precisamente ahí está la clave de su peculiaridad: lo que la hacía diferente era precisamente aquello que no podía asumir la crítica de estos años, dominada por tesis rígidas, a veces incluso implacables, como las de Stanley Crouch. Ese cuadriculado esquema de la historia del jazz como algo lineal y aislado de impurezas externas era muy común entre la crítica más conservadora de esos años, en pleno cierre de filas ante la fusión. En el hecho de no admitir ese esquema reside gran parte del encanto de una vocalista distinta: su arte comprende todo el espectro de la Gran Música Negra, definida por el Art Ensemble Of Chicago y otros miembros de la AACM, como un todo unido donde el jazz sólo es una parte, eso sí, muy importante. Pero igual de importantes son para ella otros tipos de música negra (soul, blues, funk, hip hop), americana (folk, country, gospel) o no (africana). En Europa su música fue algo mejor recibida, debido en parte a sus primeras grabaciones en un sello que en el viejo continente tenía una reputación intachable, Black Saint, o en el sello JMT, que irrumpió en el mercado de forma fresca y con sorprendentes apuestas, muy bien recibidas.
En 1983 se traslada a Nueva York, y nada más llegar a la metrópolis del Jazz conoce a Dave Holland y a Steve Coleman –también recién llegado, desde Chicago– un músico cuyas ideas le impactarán definitivamente. Coleman integra a Cassandra en su incipiente colectivo M-Base en Brooklyn, junto a Geri Allen, Greg Osby, Graham Haynes, Lonnie Plaxico, Kenny Davis, Marvin "Smitty" Smith y el resto de miembros fundadores de este movimiento. Al mismo tiempo también trabaja en estos primeros años en el Rhythm Club de Bob Belden y en la formación New Air del saxofonista Henry Threadgill, uno de los mejores representantes de la AACM de Chicago en Nueva York.
Ya en las primeras tres grabaciones de los Five Elements de Steve Coleman, Motherland Pulse, On The Edge Of Tomorrow y World Expansion (de 1985, 86 y 87, todas para el sello alemán JMT), su voz destaca poderosamente dentro del fenomenal colectivo de los M-Base, encajando a la perfección con su música a caballo entre el jazz, el funk y el hip hop. En el 86 canta también en el disco Air Show Nº 1 del New Air de Threadgill para el sello italiano Black Saint. En esos primeros momentos de su carrera discográfica sorprende muchísimo su sonido poderoso, muy parecido al de la Sarah Vaughan madura, tanto en el timbre como en su enorme registro de más de cuatro octavas, pero con matices aun más oscuros en el registro grave, similares a los de Nina Simone. No obstante hay algo más, aún no muy evidente, que ya la hacía diferente de las otras cantantes que llegan en esos años a la escena del jazz, como Dianne Reeves, Rachel Ferrell, Nnenna Freelon o Carmen Lundy.

Fragmento de un largo texto sobre Cassandra de Jorge López de Guereñu, publicado en www.tomajazz.com

tracks:

1. The Weight
2. Justice
3. Darkness on the Delta
4. Waters of March
5. You Gotta Move
6. Only a Dream in Rio
7. Just Another Parade
8. Wichita Lineman
9. Shelter From the Storm
10. Drunk as Cooter Brown
11. Show Me a Love
12. Road So Clear
13. Hot Tamales

martes 28 de julio de 2009

Sheila Jordan, "Portrait of Sheila" (1962).


¿Alguna vez han probado describir una voz? La de Sheila Jordan es dificilísima, justamente porque tanto invita. Lo primero que se nota es cuánto aprovecha la falta de caudal. Pero no es un susurro. Es una voz de mezzo que explora sin cesar el registro medio. Color, reverberaciones y afinación trabajan para la claridad de la dicción, porque Sheila se concentra en el significado de lo que canta. Oigan esa d exquisita. Oigan cómo alarga un you final, lo deshuesa, lo columpia y lo humedece con una exhalación sin aflojar la pose de reserva maliciosa. Sheila Jordan canta como quien cantando supera una fragilidad extraordinaria. El fraseo sensual no lo aprendió de otras cantantes sino del saxo de Lester Young. Allá por los 50, Charlie Parker la llamó Labios de un millón de dólares. Por entonces, divorciada del pianista Duke Jordan, trabajaba de dactilógrafa; pero en 1962 grabó Portrait of Sheila Jordan, en algunos de cuyos temas, acompañada sólo por bajo, se alumbró como figura esencial del jazz moderno. Escuchando su nuevo disco, Jazz Child (High Note) cuesta captar qué han hecho los años con esta voz. Se ha vuelto más morosa, aunque sin perder nitidez ni inventiva, y ya no improvisa al modo de un saxo sino de una trompeta abismada, quizá la de Tom Harrell. El penetrante piano de Steve Kuhn se le suma para recordar que estas comparaciones son rudimentarias. Sheila Jordan es única.

texto de Marcelo Cohen
para:
http://www.clarin.com/suplementos/cultura/2000/03/26/r-01203d.htm

Sheila Jordan (nacida Sheila Jeanette Dawson, el 18 de noviembre de 1928, en Detroit, Michigan) es una cantante y compositora de jazz norteamericana.
Su éxito a nivel masivo se ha visto de alguna manera limitado, pero la música de Jordan le ha ganado las alabanzas de muchos críticos, en particular por su capacidad de improvisar letras enteras; Scott Yanow la describe como "una de las cantantes más coherentemente creativas de todos/as los/as cantantes de jazz".
Sheila Jordan creció en Summerhill, Pennyslvania, antes de regresar a su lugar de nacimiento en 1940/41 donde tocó el piano y cantó semiprofesionalmente en los clubes de Detroit. Fue influida por Charlie Parker y fue parte de un trío llamado Skeeter, Mitch and Jean (ella era Jean) que compuso letras para los arreglos de Parker. Sheila también afirmó en su canción "Sheila´s Blues" que Charlie Parker escribió la canción "Chasing the Bird" para ella, pues ella y sus amigos eran conocidos por perseguirlo por los jazz-clubs en la década del 40.
En 1951 se mudó a New York y comenzó a estudiar teoría musical y armonía, enseñada por Lennie Tristano y Charles Mingus. Entre 1952 y 1962 estuvo casada con el pianista de Charlie Parker, Duke Jordan. A principios de los 60 tuvo apariciones y sesiones en el Page Three Club, en Greenwich Village, donde estaba actuando junto al pianista Herbie Nichols, además de trabajar en diferentes clubes y bares de New York.
En 1962 fue descubierta por George Russell, quien hizo con ella una grabación del tema "You Are My Sunshine" en el álbum de él Outer. Posteriormente en ese año, Sheila grabó el disco Portrait of Sheila (grabado el 19 de septiembre y el 12 de octubre de 1962), que fue vendido al sello Blue Note.
En la década siguiente, Jordan se retiró de la música para ocuparse de su hija. Se ganó la vida trabajando como secretaria legal.
Posteriormente, en esa misma década, cantó liturgias jazzísticas en diferentes templos como los de Cornell y Princeton, NYC. Jordan grabó con Don Heckman (1967-68), Lee Konitz (1972), Roswell Rudd (1972-75) y comenzó por aquel momento su larga relación de trabajo con Steve Kuhn.
En 1974 fue nombrada "Artist in Residence" en el City College y estuvo enseñando allí durante 1975. El 12 de julio de ese año grabó el disco Confirmation. A finales del 76 grabó un album en dueto, titulado simplemente Sheila with Arild Andersen (bajista), para el sello SteepleChase. En 1979 fundó un cuarteto con Kuhn, Harvie Swartz y Bob Moses. Durante los 80 estuvo trabajando en dúo junto a Harvie Swartz y grabó con él varios discos. Hasta 1987 trabajó en una agencia publicitaria y grabó Lost and Found en 1989.
Sheila Jordan es asimismo una compositora y puede trabajar tanto en el bebop como en el free jazz. Además de los músicos referidos, ha grabado con el George Gruntz Concert Jazz Band (TCB, ECM), con Harvie Swartz (MA Recordings), con Cameron Brown, Carla Bley (Escalator over the Hill) y Steve Swallow (Home). Además de Blue Note, ha encabezado grabaciones para los sellos Eastwind, Grapevine, SteepleChase, ECM, Palo Alto, Blackhawk y Muse.

Trax

1. Falling In Love With Love
2. If You Could See Me Now
3. Am I Blue?
4. Dat Dere
5. When The World Was Young
6. Let's Face The Music And Dance
7. Laugh! Clown! Laugh!
8. Who Can I Turn To Now
9. Baltimore Oriole
10. I'm A Fool To Want You
11. Hum Drum Blues
12. Willow Weep For Me

que lo disfrutes

Secreto exclusivo para tripulantes de La Monga y fans
acérrimos del tremendo Diego:

podés encontrar más discos de la Jordan clickeando aquí

viernes 24 de julio de 2009

Chico Buarque, "Vida" (1982).


Francisco Buarque de Hollanda (Río de Janeiro, 19 de junio de 1944), más conocido como Chico Buarque, es un poeta, músico, compositor, dramaturgo y novelista brasileño.
Se le conoce principalmente por sus canciones de refinada armonía, deudoras en parte de Antonio Carlos Jobim, y por sus letras, que oscilan entre una temática de carácter intimista, hasta cuestiones como la situación cultural, económica y social de Brasil. A lo largo de su vida ha ido alternando su carrera musical con la de novelista y dramaturgo. Su último libro, Budapeste (2005), fue muy aclamado y ganó el importante Prêmio Jabuti.
Nació en el seno de una familia intelectual y privilegiada. Su padre, Sergio Buarque de Hollanda, era un conocido historiador y sociólogo. Buarque fue un niño estudioso con un interés precoz en la música y la escritura. Desde temprano le impresionó la música, sobre todo la bossa nova y en especial el trabajo de João Gilberto.
Se casó con la actriz Marieta Severo, con quien tiene tres hijas (Sílvia, Helena y Luísa).
El debut público de Buarque como músico y compositor ocurrió en 1964 y pronto se hizo una reputación a través de su participación en festivales musicales y programas de televisión. Su primer álbum, Chico Buarque, mostraba el trabajo por venir, con sambas pegadizas, caracterizadas por juegos de palabras creativos y un trasfondo de nostalgia trágica.
Su cada vez mayor actividad política contra la dictadura militar de Brasil le valió ser arrestado en 1968 y lo movió al exilio a Italia en 1969. Chico Buarque regresó a Brasil en 1970, donde empleó su fama y habilidad para escribir canciones como protesta contra la dictadura. En esta época su canción de protesta (ligeramente disimulada) "A pesar de você" pasó desapercibida de alguna manera por los censores militares y se convirtió en el himno del movimiento democrático. Después de vender 100.000 copias, el sencillo fue finalmente censurado y todas las copias fueron retiradas del mercado. A pesar de la censura, canciones como "Samba de Orlý" (1970), "Acorda amor" (1974) y "Vai passar" (1983) hicieron patente la continua oposición de Chico.
Durante los años setenta y ochenta, Chico colaboró con cineastas, dramaturgos y músicos en trabajos que protestaban contra la dictadura.
En el año del golpe militar de Brasil, 1964, Chico escribió sobre la situación y evitó la censura al usar analogías crípticas y juegos de palabras. Por ejemplo, en la canción "Cálice" juega con las palabras portuguesas para "cállese" y "cáliz" para cantar sobre la opresión militar bajo la apariencia de relato bíblico. Aunque bien es cierto que sus letras también abordan temas de carácter más personal, con un aire sutil, y en un contexto musical hondo y refinado.
En 1998, la escuela de samba de Mangueira ganó el primer lugar del carnaval carioca con un tema de homenaje a Chico Buarque.

de la Wikipedia.

faixas
1. Vida
2. Mar e lua
3. Deixe a menina
4. Já passou
5. Bastidores
6. Qualquer canção
7. Fantasia
8. Eu te amo (Participação vocal: Telma Costa)
9. De todas as maneiras
10. Morena de Angola
11. Bye bye, Brasil
12. Não sonho mais

miércoles 22 de julio de 2009

Cat Stevens, "The Very Best of Cat Stevens" (comp. 1990).


Yusuf Islam (nacido Steven Demetre Georgiou en Londres, el 21 de julio de 1948) es un músico británico más conocido por su antiguo nombre artístico, Cat Stevens.
Hijo de madre sueca y de padre greco-chipriota. Cuando tenía 8 años, sus padres se separaron pero siguieron conviviendo como familia en la misma casa. Habitaban el piso superior del restaurante de su propiedad, donde todos trabajaban.
Su primer instrumento musical fue el gran piano que había en la casa. No sólo por parte de padre y madre asimiló diferentes culturas en su infancia, sino que su casa estaba además abierta a diferentes amigos y familiares. Musicalmente es el heredero de una formación clásica pero también del amor por lo popular y por las danzas y canciones folclóricas griegas que escuchaba su padre. Su nombre "Cat Stevens" surgió porque su novia decía que tenía ojos de gato pero por lo general logró hacer su primer álbum gracias a su hermano, que un día gritó a toda una calle que su hermano tenía gran talento y así lograron su primer contrato en EMI Music.
A los 15 años descubrió que quería ser un músico y poco después que, además, quería ser una estrella pop-rock.
Con el nombre artístico Cat Stevens, vendió millones de discos especialmente en los años 1960 y 1970.
Después de una experiencia cercana a la muerte decidió convertirse al islam y abandonar la música alrededor de 1978. Es entonces cuando adoptó el nombre Yusuf Islam.
Muchas de las canciones más famosas de Cat Stevens fueron publicadas en los años previos a su conversión al islam y él es cuidadoso respecto a sus derechos. Por ejemplo no ha permitido que sus canciones se usen en anuncios comerciales.
En 1989, fue muy criticado cuando apoyó la fatwa del Ayatollah Ruhollah Jomeini contra Salman Rushdie, debido a la supuesta blasfemia cometida por el autor anglo-hindú en su novela "Los versos satánicos". Más tarde se descubrió que había sido cogido por sorpresa y que los medios desnaturalizaron el sentido de sus palabras. Un poco después hizo un comunicado donde dejaba muy claro que, aunque detestaba el contenido del libro, no estaba de acuerdo con la "fatwa".
Una vez convertido al Islam decidió dejar la música, pues consideraba que el "bussines" que la rodea interfería en los nuevos conocimientos que deseaba adquirir. Su amor por los niños le llevó a fundar dos escuelas y una universidad, los alumnos de las cuales son reputados en todo el Reino Unido. Gran parte de su fortuna la ha dedicado a ayudar a las víctimas de las guerras y desastres naturales (Bosnia, Iraq, Darfur, Tsunami, Gaza).
Le fue otorgado el premio "Hombre por la Paz" a sugerencia de Mijail Gorbachov.
Sin embargo Yusuf no ha dejado de cantar y grabar canciones de una gran belleza desde que dejó el mundo de la música. Se trata de canciones religiosas llamadas "anachid" cuya belleza sorprenderá a más de uno.
Participó en el concierto dado en conmemoración de la liberación de Nelson Mandela junto con otros artistas en Sudáfrica.
En 2006 volvió al "pop" pues como dice él: "soy un espejo donde los musulmanes se miran para ver el mundo occidental y donde mis compatriotas se miran para ver el Islam". En 2006 grabó "An other cup", compendio de canciones pop donde se puede encontrar una visión mística de la vida, siempre en "El camino de la Paz", pues Yusuf es un hombre de paz.
Actualmente sigue participando en conciertos junto con otros artistas con el fin de recaudar fondos para ayuda humanitaria.
Su pensamiento es el de un Islam abierto a toda la humanidad, intentando demostrar que el mensaje del Islam ha sido manipulado por unos y por otros hasta el punto de convertirlo en algo irreconocible. Considera que la mejor forma de seguir a Moisés o a Jesús es seguir a Mahoma, el último Mensajero que ratifica y actualiza los mensajes anteriores.

de la Wikipedia.

trax
01 Where Do The Children Play
02 Wild World
03 Tuesday's Dead
04 Lady D'Arbanville
05 The First Cut Is The Deepest
06 Oh Very Young
07 RubyLove
08 Morning Has Broken
09 Moonshadow
10 Matthew And Son
11 Father And Son
12 Can't Keep It In
13 Hard Headed Woman
14 (Remember the days of the) Old School Yard
15 I Love My Dog
16 Another Saturday Night
17 Sad Lisa
18 Peace Train

domingo 19 de julio de 2009

Peter Gabriel, "Us" (1992).


Peter Brian Gabriel, (n. 13 de febrero de 1950, Chobham, Inglaterra), es un músico inglés de rock. Se hizo conocido como miembro de la banda de rock progresivo Genesis, que fundó cuando era estudiante de la escuela secundaria Charterhouse, con sus compañeros Tony Banks, Anthony Phillips y Mike Rutherford.
Tras publicar el disco The Lamb Lies Down on Broadway, el séptimo del grupo, Gabriel decidió dejar el grupo por diferencias artísticas y personales, siendo el único miembro de la banda con familia; no hubo ruptura personal y las buenas relaciones con sus antiguos compañeros permitieron la colaboración de varios de ellos a lo largo de la exitosa carrera solista de Gabriel.
Su primer éxito fue el sencillo Solsbury Hill, una canción autobiográfica en la que expresa sus sentimientos al dejar Genesis. Aunque logró éxito crítico y aceptable éxito comercial desde temprano en su carrera solista, (p.e. "Games Without Frontiers" de su tercer álbum y "Shock the Monkey" del cuarto), Gabriel logró el máximo éxito comercial y popularidad con las canciones de su disco de 1986 So, en particular "Sledgehammer." Su siguiente disco, Us, producido seis años después, reflejó los problemas personales que atravesaron la vida de Gabriel (su divorcio y una relación fallida con la actriz Rossanna Arquette), y si bien tuvo un éxito menor con "Steam", no fue comparable en ventas con So; el año 1989 Gabriel compuso e interpretó su segunda banda sonora para cine, "Passion", para La Última Tentación de Cristo de Martin Scorsese, una obra de altísimo nivel. Tras un hiato de siete años, Gabriel regresó con la puesta en escena para el Domo del milenio, en Londres, llamada "Ovo", en el 2000; la música para la película Rabbit Proof Fence el 2001 y finalmente su disco Up, de éxito menor. También colaboró en el año 2004 con el tema central del juego Myst IV: Revelation, con "Curtains", cara B del single "Big Time" procedente del álbum So.
En los inicios de su carrera solista, Gabriel se negó a ponerle títulos a sus discos, considerándolos más bien ejemplares de una revista. Sólo la presión del sello distribuidor en Estados Unidos puso un título en el cuarto disco (Security) y lo obligó a ponerle títulos a sus discos desde el quinto (So). Para identificarlos se suele recurrir al número de orden o a detalles de la carátula; en realidad existe un tácito acuerdo entre todos los fans para llamar al primero, segundo y tercer discos como Car, Scratch y Melt respectivamente. - - Peter Gabriel tiene dos hijas de su primer matrimonio, Melanie y Anna, y un hijo, Ralph Isaac, del segundo. Melanie fue cantante de apoyo en el tour Growing Up, y está iniciando una carrera solista. Anna realizó la película Growing Up on Tour: A Family Portrait.
Peter Gabriel es uno de los fundadores de On Demand Distribution (OD2) y co-fundador con Brian Eno de MUDDA, "magnificent union of digitally downloading artists".
En la década de los 80 fue pionero en la fusión con todo tipo de músicas étnicas y no es extraño encontrar en sus temas percusiones de absoluta inspiración africana, y guiños a otras culturas. Sobresaliente en ello resulta su álbum Passion.
De hecho la figura de Peter Gabriel se encuentra estrechamente ligada a los festivales WOMAD, y su éxito con el álbum So le permitió fundar la discográfica Real World que ha permitido grabar discos y difundir su música a autores de todos los lugares de la tierra.
Más allá de su condición de músico, Peter Gabriel ha estado comprometido a lo largo de casi toda su carrera con los problemas sociales más variados, tales como la discriminación en Sudáfrica, haciendo oír su voz a menudo en los foros internacionales. En la actualidad colabora con el movimiento que pretende el reconocimiento de los derechos a los simios.

de la Wikipedia.

All songs written by Peter Gabriel.

1. "Come Talk to Me" – 7:06
2. "Love to Be Loved" – 5:18
3. "Blood of Eden" – 6:38
4. "Steam" – 6:03
5. "Only Us" – 6:30
6. "Washing of the Water" – 3:52
7. "Digging in the Dirt" – 5:18
8. "Fourteen Black Paintings" – 4:38
9. "Kiss That Frog" – 5:20
10. "Secret World" – 7:03

* Peter Gabriel – vocals, keyboards
* Tony Levin – bass
* David Rhodes – guitar
* Manu Katché – drums
* The Babacar Faye Drummers – sabar drums
* Doudou N'Diaye Rose – drum loop
* David Bottrill – programming

lunes 13 de julio de 2009

Gato Barbieri, "Ruby, Ruby" (1977).


Leandro “Gato” Barbieri (Rosario, Argentina; 28 de noviembre de 1932), es un saxofonista de jazz argentino.
Representante destacado del jazz latino, participó en su juventud en la banda de otro destacado jazzista argentino, Lalo Schifrin. Ha abordado también en su carrera el jazz de vanguardia, sobre todo en la década de 1960, y el pop y la fusión a finales de la década de 1970.
Ha sido influenciado por John Coltrane, Pharoah Sanders y Carlos Santana. Su música tiene frecuentemente un tono desgarrado, a base de notas largas y con un volumen elevado.
A los doce años aprende a tocar el clarinete tras sentirse impresionado por la escucha de Now's the Time de Charlie Parker. Se traslada con su familia a Buenos Aires en 1947 y continúa recibiendo lecciones de música, cambiándose al saxo alto; hacia 1953 se convierte en una celebridad musical gracias a sus actuaciones en la orquesta de Lalo Schifrin. A finales de la década, comenzó a dirigir sus propios grupos, tocando ya el saxo tenor. Se traslada a Roma en 1962 y conoce en París a Don Cherry, uniéndose a su grupo y empapándose del jazz de vanguardia. Tocó también con la Mike Mantler's Jazz Composers' Orchestra a finales de la década de 1960.
Ya en la década de 1970, experimenta un cambio musical y se decide por la reincorporación en su música de melodías, instrumentos, armonías, texturas y ritmos sudamericanos, con dos excelentes músicos, Domingo Cura y Adalberto Cevasco. Discos como el directo El Pampero on Flying Dutchman y sus obras para Impulse, con exploraciones de ritmos y texturas brasileñas, afrocubanas y argentinas, le proporcionaron un gran prestigio en el mundo del jazz.
Fue, no obstante, un éxito comercial el que lo llevaría a sus cotas más altas de popularidad: su sensual banda sonora para la película de Bernardo Bertolucci Último tango en París, de 1972. Un contrato con A&M en los Estados Unidos le llevó a realizar discos de fusión entre jazz y el pop a finales de la década de 1970. Se centró luego, a principios de la década de 1980, en un sonido sudamericano más intenso e influenciado por el rock, aunque sus oscilaciones estilísticas son constantes en su carrera.
Aquejado de serios problemas al corazón y afectado por la muerte de su mujer, Barbieri estuvo inactivo prácticamente a lo largo de toda la década de 1990, pero regresó en 1997, tocando intensamente en el Playboy Jazz Festival de Los Ángeles, grabando a partir de entonces varios discos.

de la Wikipedia.

tracks
01 Ruby
02 Nostalgia
03 Latin Reaction
04 Ngiculela-Es Una Historia-I Am Singing
05 Sunride
06 Adios
07 Blue Angel
08 Midnight Tango

Músicos:
Gato Barbieri, Wayne Andre, Joe Caro, Joe Clayton, Paulinho Da Costa, Chuck Domanico, Jon Faddis, Paul Faulise, Steve Gadd, John Gale, Peter Gordon, Don Groinick, Eddie Guagua, Steve Jordan, Gary King, Tom “Bones” Malone, Eddie Martinez, Cachete Maldonado, Portinho, Bernard “Pretty” Purdie, Lee Ritenour, Alan Rubin, Lew Soloff, David Spinozza, Marvin Stamm, David Taylor, Ian Underwood, Lenny White.

miércoles 8 de julio de 2009

Joni Mitchell, "Painting with Words and Music" (ripeado de DVD, en vivo, 1998).


Después de más de una década de exilio voluntario del circuito comercial, Joni Mitchell ha recobrado gran parte de su perfil mediático (si bien no su impacto comercial), gracias a los honores merecidos pero tardíos de los críticos y de sus pares en el mundo musical. Los recientes premios Grammy y una posición especial en Billboard son epítomes de la ironía que constituye el lugar marginal de Mitchell en los 80: A causa de que ella alcanzó su posición más alta con el amplio éxito en 1974 de Court and Spark, que sigue siendo su álbum más opulento y accesible, la pintora y música canadiense se ha visto, en comparación, relativamente ignorada en los años posteriores, simplemente porque su trabajo se aventuró en amalgamas más eclécticas de sus influencias ya de por sí bastante diversas. Pero aun en sus incursiones en ese collage de world music, jazz y pop, Mitchell siguió siendo una artista preclara e influyente.
Este concierto especial de 1998 arroja una bienvenida luz sobre su trabajo, desde ese cuarto de siglo pasado desde Spark, con 22 canciones dominadas por el acento confesional que sigue siendo la marca más fuerte de Mitchell. Canciones anteriores como "Big Yellow Taxi" y "Just Like This Train" retienen su encanto, pero es en las piezas más maduras de Mitchell, como "Amelia" (de Hejira) y "Sex Kills" (de Turbulent Indigo) donde mejor se muestra la profundidad y agudeza de su trabajo. Una banda soberbia -que incluye a Brian Blade, Mark Isham, Larry Klein y Greg Leisz- proporciona un marco vigoroso y empático, bien ajustado a esa paleta con colores del jazz, el folk y el pop que Mitchell estampa en sus canciones. Para añadir aun mayor intimismo a la presentación hay un escenario de diseño circular, una pequeña audiencia y una bienvenida falta de efectos de "gran" producción; en cambio, Mitchell se da el gusto de exhibir antes del concierto el trabajo de su segunda carrera, la de pintora, mediante una panorámica de su galería de trabajos visuales.
La delicada salud de Mitchell durante los 90, además de toda una vida de fumadora, ha dejado una marca en su voz, que ha perdido gran parte de su registro superior. Aun así, hay una riqueza añadida a su registro bajo, que realza el arte de esta sobreviviente de mirada aguda. Los viejos fans reconocerán asimismo las ráfagas de sus risas chiquilinas entre canción y canción, además de poder saborear de qué modo han madurado las capacidades de Mitchell como escritora e instrumentista (especialmente su sonido nuevo y sorprendente con la guitarra eléctrica).

adaptado de la reseña de Sam Sutherland.

Track Listing:
1. Tiger Bones
2. Big Yellow Taxi
3. Just Like This Train
4. Night Ride Home
5. Crazy Cries Of Love
6. Harry's House
7. Black Crow
8. Amelia
9. Hejira
10. Sex Kills
11. The Magdalene Laundries
12. Moon At The Window
13. Face Lift
14. Why Do Fools Fall In Love?
15. Trouble Man
16. Nothing Can Be Done
17. Song For Sharon
18. Woodstock
19. Dreamland

si querés bajatelo de acá

dos aclaraciones importantes:
1) como podrás ver vos mismo/a si te interesa en los comentarios acerca de este producto en lugares como Amazon.com, la calidad de sonido del original de este DVD no es la óptima. con esto queremos aclarar que la calidad de sonido de este post no remite a la calidad del ripeo sino, en todo caso, insisto, a los defectos del original.
2) agradezco inmensamente a mi sobrino el Chelo, de quien es en realidad este post... ¡Mil gracias Marcelo por tu segunda incursión en el sagrado territorio del tremendo Diego!!!

lunes 6 de julio de 2009

Nick Cave & the Bad Seeds, "The Boatman's Call" (1997).


Murder Ballads había llevado la morbidez de Nick Cave a niveles casi paródicos, lo cual hace a las canciones desarmantemente francas e introspectivas de The Boatman's Call mucho más sorprendentes. Un ciclo de canciones inspiradas tanto por los fallidos asuntos románticos de Cave como por sus dudas religiosas, The Boatman's Call lo captura en sus lados más honestos y desesperados. Si bien mantiene una fascinación por las imágenes góticas y bíblicas, tiene poco de la gran teatralidad y la poética autorreferencial que habían hecho emotivamente distantes a sus álbumes anteriores. Esta vez, no hay posturas, ni de Cave ni de los Bad Seeds. La música es directa, aun así tiene múltiples texturas, desde el blues hasta el jazz, que ofrecen un lecho revelador y empático para las mejores canciones, las más afectivas, de Cave. The Boatman's Call es uno de sus álbumes más refinados y, posiblemente, la obra maestra que él ha estado prometiendo a todo lo largo de su carrera.

adaptado de la reseña de AMG.

Track listing

All tracks composed by Nick Cave.

1. "Into My Arms" – 4:15
* Nick Cave – vocals, piano
* Martyn P. Casey – bass
2. "Lime Tree Arbour" – 2:56
* Nick Cave – vocals, piano, Hammond
* Mick Harvey – bass
* Thomas Wydler – drums
3. "People Ain't No Good" – 5:42
* Nick Cave – vocals, piano, vibes
* Mick Harvey – vibes
* Martyn P. Casey – bass
* Thomas Wydler – drums
* Warren Ellis – violins
4. "Brompton Oratory" – 4:06
* Nick Cave – vocals, Casio
* Blixa Bargeld – guitar
* Martyn P. Casey – bass
* Thomas Wydler – maracas
5. "There Is a Kingdom" – 4:52
* Nick Cave – vocals, Hammond
* Blixa Bargeld – guitar
* Mick Harvey – acoustic guitar
* Conway Savage – piano, backing vocals
* Martyn P. Casey – bass
* Thomas Wydler – drums
* Jim Sclavunos – Bells
6. "(Are You) The One That I've Been Waiting For?" – 4:05
* Nick Cave – vocals
* Mick Harvey – guitar, Hammond
* Conway Savage – piano
* Martyn P. Casey – bass
* Jim Sclavunos – drums
7. "Where Do We Go Now but Nowhere?" – 5:46
* Nick Cave – vocals
* Blixa Bargeld – guitar
* Mick Harvey – acoustic guitar
* Conway Savage – piano
* Martyn P. Casey – bass
* Thomas Wydler – drums
* Warren Ellis – violin
8. "West Country Girl" – 2:45
* Nick Cave – vocals, piano
* Blixa Bargeld – piano treatment
* Mick Harvey – acoustic guitar
* Martyn P. Casey – bass
* Thomas Wydler – drums
* Warren Ellis – violin
9. "Black Hair" – 4:14
* Nick Cave – vocals
* Mick Harvey – bass organ
* Warren Ellis – piano accordion
10. "Idiot Prayer" – 4:21
* Nick Cave – vocals, Hammond
* Blixa Bargeld – guitar
* Mick Harvey – guitar
* Conway Savage – piano
* Martyn P. Casey – bass
* Thomas Wydler – drums
* Warren Ellis – violin
11. "Far from Me" – 5:33
* Nick Cave – vocals, piano, Hammond
* Blixa Bargeld – guitar
* Martyn P. Casey – bass
* Thomas Wydler – drums
* Warren Ellis – violin
12. "Green Eyes" – 3:32
* Nick Cave – vocals, piano
* Mick Harvey – acoustic guitar
* Jim Sclavunos – melodica

jueves 2 de julio de 2009

Charlie Mariano & Quique Sinesi, "Tango para Charlie" (2000).


La música de Quique Sinesi está basada en elementos rítmicos y melódicos de la música popular argentina. El tango, el candombe, la milonga y los ritmos folclóricos han sido interpretados bajo un nuevo concepto a través de la incorporación de improvisación y armonías poco usuales de la música popular argentina.
Entre otros destacados músicos, actuó con Dino Saluzzi en diversos festivales en Europa y grabó dos discos en la Argentina. Pablo Ziegler, pianista del Quinteto de Astor Piazzolla, lo invitó a integrar su Cuarteto para Nuevo Tango, y con él grabó dos CD y realizó giras por Estados Unidos, Canadá, Alemania, Grecia, Italia, Inglaterra, México, Colombia, Bolivia y Brasil.
Por otro lado, con el grupo Alfombra Mágica -junto a Horacio López, Matías González y al cual se incorporó más tarde Carlos Aguirre- grabó los primeros tres discos para el sello Melopea.
Ha tocado, entre otros, con Carlos Aguirre, Pedro Aznar, Daniel Binelli, Bernardo Baraj, Jorge Cumbo, Paquito de Rivera, María Gabriela Epumer, Juan Falú, Osvaldo Fattoruso, León Gieco, Manolo Juárez, Marcelo Moguilevsky, Rubén Rada, Beto Satragni y Lito Vitale.
Participó de festivales internacionales en Suecia, Alemania, Dinamarca, Turquía, Uruguay, Francia y en Argentina. El músico reside actualmente en Argentina y Europa.
Editó libros de partituras y discos en diversos lugares del mundo. Algunos de ellos son Cielo abierto (CD reeditado en 1986, con Marcelo García y el Mono Hurtado), Color cielo (1999); ha realizado conciertos con Charlie Mariano y grabó el compacto Tango para Charlie; Viaje Latinoamericano, con Sergio Terán y Pablo Paredes; Prioridad a la emoción, con Daniel Messina; y el CD Microtangos Guitarra Solista.

El saxofonista alto y compositor Charlie Mariano (Boston, 1923) debutó en 1948 al lado del trompetista Shorty Sherock, mientras estudiaba en la "Schillinger House", actualmente la célebre y renombrada Berklee School of Music. Discográficamente debutó con el arreglista Nat Pierce, con quien estuvo dos años (1949 y 1950). Posteriormente trabajó con Chubby Jackson y Bill Harris. Entre 1953 y 1955 colaboró con la orquesta del maestro Stan Kenton, donde llegó a ser uno de sus grandes instrumentistas. Posteriormente se trasladó a Los Ángeles, donde se contactó con el grupo del baterista Shelly Manne y con otros músicos de la Costa Oeste.
En 1959 contrajo matrimonio con la pianista y compositora japonesa Toshiko Akiyoshi, con la que formó un cuarteto junto al contrabajista Gene Cherico y el baterista Eddie Marshall. Tras algunos años de matrimonio, la pareja se separó, conyugal y musicalmente, y Charlie formó un nuevo cuarteto con otro saxofonista alto: Jerry Dodgion, pero su carrera empezó a mostrar síntomas de decadencia. Viajó por Europa y Extremo Oriente, y en Alemania se contactó con músicos jóvenes e inquietos, cuyas señas de identidad, musicalmente hablando, eran la fusión del jazz con el rock.
Charlie Mariano siempre fue un músico valiente, innovador y admirador del estilo de Charlie Parker.
Músico ecléctico y de gran emotividad, su afán por abarcarlo todo lo perdió en ocasiones, y su música se resentía por esa actitud fragmentaria. A pesar de todo, Charlie Mariano siempre fue un músico creativo, inteligente y poroso respecto de otros estilos musicales.

datos de Charlie Mariano tomados de www.apoloybaco.com; los datos de Sinesi los envió el gran sobrino Chelo.-

Track Listing

01. Berliner Tanguismos Part I (Quique Sinesi) 5:18
02. Berliner Tanguismos Part II (Quique Sinesi) 2:48
03. Berliner Tanguismos Part III (Quique Sinesi) 5:37
04. Berliner Tanguismos Part IV (Quique Sinesi) 4:32
05. The Lady (Charlie Mariano) 7:17
06. Faluseando (Quique Sinesi) 2:24
07. Zephyr (Charlie Mariano) 7:19
08. Tarde De Lluvia En Koln (Quique Sinesi) 5:42
09. Alta Paz (Quique Sinesi) 4:32
10. If Only (Charlie Mariano) 4:11
11. Tango Para Charlie (Quique Sinesi) 6:53
12. Gone (Charlie Mariano) 2:00

Artist List

Charlie Mariano – alto saxophone, flute
Quique Sinesi – 7 string spanish guitar, charango, piccolo guitar

domingo 28 de junio de 2009

Tok Tok Tok, "It Took So Long" (2003).


Tok Tok Tok es un grupo musical alemán de estilo soul-acústico, con grandes influencias de jazz. El grupo, radicado en Friburgo, Alemania, comenzó como trío en la Academia de Música de Hannover en 1998 (voz, saxo tenor, contrabajo), evolucionó luego a quinteto con la adición de teclados, bajo y percusión; y actualmente es un cuarteto. Siempre ha estado encabezado por la pareja Tokunbo Akinro (cantante) y Morten Klein (saxofón), que ya habían colaborado en otros proyectos antes de la creación del grupo.
Klein es asimismo el compositor de la música de la mayoría de las canciones del grupo, y Akinro de las letras en inglés, aunque la banda se ha caracterizado por sus versiones de otros cantantes o compositores (sus discos segundo y tercero, 50 Ways to Leave Your Lover y Love Again, lanzados en 1999 y 2000, están compuestos íntegramente de versiones). El grupo es especialmente famoso en Alemania y Austria, aunque es conocido en los círculos de jazz y soul de toda Europa occidental, la que recorrieron en una gira en 2006.
El grupo es internacional por vocación, contenido y orígenes: Tokunbo Akinro es hija de alemán y nigeriana, criada hasta los diez años en Nigeria; Morten Klein es hijo de alemán y danesa: y el grupo ha tenido colaboradores de Islandia (Hrólfur Vagnssonnut), EE. UU. y Gran Bretaña. Hasta 2007 ha recibido premios en Alemania (German Jazz Award por "It Took So Long" y "About") y Francia (SACEM, sociedad de autores y compositores), y ha publicado nueve álbumes, de los cuales uno es en directo ("Reach Out...and Sway Your Booty", 2007), además de un dvd ("Live in Bratislava", 2005).
Morten Klein es un instrumentista extremadamente versátil, y en varios discos ha incluido instrumentación vocal, es decir, elementos de percusión o de cuerda realizados con su propia voz, mientras que Akinro es una vocalista de jazz y soul con un enorme registro.


TRACKS
1. It Took So Long
2. Weight
3. Like Music from the Skies
4. Secrets of the Night
5. Nothing Stays the Same
6. I Cannot Sleep
7. Day in the Life
8. Something Restless
9. Spooky
10. Can You Keep It?
11. When You're Far Away

jueves 25 de junio de 2009

Nnenna Freelon, "Better than Anything" (comp. 2007).


La extraordinaria cantante Nnenna Freelon es sin duda una de las cantantes de jazz contemporáneas más importantes. Su música tiene una calidad extraordinaria, y la popularidad que ha conseguido fuera de los ámbitos exclusivamente jazzísticos, no la han desviado del camino del swing. 3 veces nominada para los premios Grammy, sintió desde muy temprana edad la llamada de la música, si bien antes de emprender la carrera profesional que le habría de llevar al sitio que ocupa en la actualidad, se graduó en Servicios Sociales en la Universidad de Durham, de Carolina del Norte, y tuvo tres hijos. Estudió con Yusef Lateef y perteneció durante varios años a una banda en la que Woody Williams era el baterista.
Tras una aparición estelar con Ellis Marsalis, graba su primer disco en 1992, que atrae la atención de la crítica, que rápidamente ve en ella la influencia de Sarah Vaughan. Su segundo álbum fue recibido más favorablemente, y en ocasión del tercero, incluso los más recalcitrantes detractores se vieron obligados a reconocer el extraordinario talento de la cantante y su prodigiosa voz. Freelon extrae su repertorio no sólo del jazz, sino también de la música pop y folk, asimilando dichas corrientes en una síntesis muy personal. Nnenna Freelon, sin duda, ha encontrado ya un estilo que se pone aún más de manifiesto cuando cambia de sello discográfico en 1966 e inicia un camino mucho más personal, encarnado sobre todo en su segunda grabación para Concord Jazz, Maiden Voyage (1998), en el que, entre otras cosas, expone su interés por el papel que la mujer ha de desarrollar en el ámbito musical y en la sociedad en general.
En el 2000, Freelon debuta en el campo de la interpretación en What Women Want, y graba su primera producción propia, Soulcall. Freelon ha grabado y actuado con una variada gama de músicos, y un examen de ese elenco puede testimoniar acerca de los gustos de la cantante y por donde se encaminan sus pasos. Esos artistas son, entre otros, los exquisitos Kenny Barron y Herbie Hancock, Joe Beck, Christian McBride y Kirk Whalum.
La voz de Freelon es rica en calidades emocionales, acompañada últimamente de un sonido fuerte. No obstante, si las circunstancias musicales así lo demandan, es capaz de dar con el tono cool aunque sensual, especialmente persuasivo cuando se trata de baladas. Su variedad de registros le permite crear desde un escenario propicio a la confidencia a otro en el que se interpretan en clave de humor clásicos del pop, del soul, del jazz o del gospel, todo en un clima de libertad en el que siempre cabe el recurso a la improvisación.
Nnenna actuó varias veces con la legendaria Julie Andrews en la "Society of Singers", en la "Ella Awards" y en "Variety's The Childre's Charity" como vocalista del grupo "Stephen Sondheim Tribute" en el Carnegie Hall de Londres y en muchos festivales, con un gran éxito. En su quinto álbum grabado para el sello discográfico Concord Records, titulado Live, Nnenna aporta todo su talento y el resultado es un disco intimista de extraordinaria belleza. Se grabó en el "Centro de Kennedy" en Washington DC, entre el 21 y 22 de febrero de 2003. El disco resume toda una década de carrera musical, con más de 20 años en la carretera. Ha sido dos veces ganadora en los premios "Billie Holiday Award" de la prestigiosa Academia de Jazz y de los premios "Eubie Blake Award". También ha sido nominada dos veces para "Lady of Soul" de Soul Train Award. Nnenna ha realizado varias giras con importantes músicos como Ray Charles, Ellis Marsalis, Al Jarreau y George Benson entre otros.

DATOS TOMADOS DE APOLOYBACO

trax

1. Better Than Anything
2. I Won't Dance
3. Straighten Up And Fly Right
4. Nature Boy
5. Them There Eyes
6. I Say A Little Prayer
7. Body And Soul
8. Button Up Your Overcoat
9. The Tears Of A Clown
10. Ooh Child
11. One Child At A Time
12. Balm In Gilead

lunes 22 de junio de 2009

Renato Russo, "The Stonewall Celebration Concert" (1994).


Renato Manfredini Junior nació el 27 de marzo de 1960, a las 4, en Humaitá, zona sur de Río de Janeiro. Tuvo una infancia común. Correteaba, saltaba, andaba en un carrito de rodamientos donde habitaba, en la Isla del Gobernador, en el barrio de Leopoldina.
En cierta ocasión, preguntado por una periodista del Jornal de Brasil si era un muchacho introspectivo, respondió en tono irónico: "Yo aprovechaba los días de lluvia".
Hijo de padre economista del Banco do Brasil, y de madre profesora de inglés, Renato tuvo una infancia tranquila, en una familia de clase media alta, donde pudo adquirir una buena formación cultural, principalmente después de su estancia fuera de Brasil.
A los siete años de edad, "Juninho", como era llamado en aquel entonces, se trasladó a Nueva York, porque el padre tenia que hacer allí un curso, y allí se matriculó en una escuela local. Juninho y Carmen Teresa, su hermana, pudieron entonces ampliar la lengua de Shakespeare.
Después de retornar a Río, la familia se instaló en Brasilia. Allí comenzaría la fase más traumática hasta entonces. En 1975, con 15 años, Renato quedó imposibilitado para caminar. Sufría epifosiliosis, una dolencia extraña que atacaba los huesos. Pasó por diversos tratamientos y operaciones quirúrgicas. Volvería a caminar a los 17 años.
A pesar de la complicación natural de la situación, Renato acabó aprovechando el tiempo para leer. Llegó a inventarse una banda ficticia en la cual el cantor/alter ego se llamaba Eric Russel. El sobrenombre artístico era un homenaje colectivo al filósofo Jean Jacques Rousseau, al pintor naif Henri Rouseau y al filósofo Bertrand Russell. Este mezcla filosófica y artística daría origen al "Russo" del Renato.
Antes de realizar su sueño, no obstante, el futuro músico aún sería profesor de inglés, programador de radio y periodista. Enseñando en la Cultural Inglesa, fue escogido por la entidad para recibir al Príncipe Carlos, cuando el monarca inauguró una de las filiales del grupo. Allí estaba Juninho con su perfecto inglés.
Por aquellos años andaba con una cierta "pandilla de la colina". Muchachos que se reunían en un conjunto de locales construidos para albergar a profesores y funcionarios de la UnB. Un enclave de libertad en una Brasilia sombría. Envueltas por las drogas y las garrafas de vino, diversas bandas de punk rock surgían del núcleo cultural. "Mucha gente lo encontraba aburrido, pero Renato era el catalizador. Era quien unía a toda aquella gente. Quien hacía que las cosas sucediesen" decía Renato Rocha, el entonces futuro bajista de Legión Urbana. Frecuentaba fiestas, escuchaba discos importados. El gusto general era por el punk.
"Del 76 al 78 yo escuchaba mucho rock progresivo. Entonces el progresivo acabó. Genesis y Yes perdieron componentes. Comencé a escuchar a los Beach Boys, Jefferson Airplane, Bob Dylan y Leonard Cohen. Entonces los periódicos pasaron a hablar mal de toda esa gente. Apuntaban para los Sex Pistols. Yo me sentía picado por la curiosidad" comentaba Renato Russo a la revista Bizz.
Con esas influencias, y las de The Clash y Eddie And The Hot Rods, Renato, que aún no se llamaba Russo, formó "Aborto Eléctrico". Renato tocaba el bajo, Fê era el batería y André se ocupaba de la guitarra y la voz. Llegaron a tener cierto cartel en las pequeñas fiestas de Brasilia.
Renato se manifestó siempre beligerante contra la falta de ética, los prejuicios, las injusticias. Durante sus trabajos buscó el rescate de los valores morales, sin ser panfletario.
Un día de 1984 saltó la noticia bomba: Renato Russo se había cortado las venas. La conmoción fue general. Pero el implicado insistía en decir que el gesto no pasaba de haber sido un accidente. "Me corté las venas pero no para matarme ni para nada. Fue un juego, y yo estaba bebido", explicaba el joven. Era una burrada para llamar la atención de algún muchacho. Renato era visceral, capaz de apasionarse con la mayor facilidad. Y de frustrarse aún con mayor facilidad.
Según el periodista Arthur Dapieve, en la biografía del músico, en la serie Perfiles de Río, la inactividad de Renato Russo planteaba problemas. Había perdido alguna movilidad en la mano y no podía tocar el bajo durante algún tiempo. El músico también estaba queriendo tener más libertad para cantar y cuidar los intereses de Legión Urbana, su grupo.
En esa época, los "Paramalas do Sucesso" ya habían grabado y tenían mucho suceso. Con el ejemplo de los amigos de la Capital, "los legionarios" pensaban que era una cuestión de tiempo para que alcanzasen la fama. Renato estaba ilusionado. Llegó a decirle a sus padres que sería el líder de la mejor banda del país.
Una cinta demo de Legión Urbana sonaba en la Radio Flaminense de Río, madre del renacimiento del rock brasilero de los años 80.
Después de dos meses en Brasilia, tuvieron la noticia de que el productor del disco sería el periodista José Emilio Rondeau. Con él, llegaron a un acuerdo entre lo que la discográfica deseaba y los que los muchachos aceptaban hacer. Poco tiempo después sería lanzado el disco Legión Urbana. Había quien decía en la EMI que el objetivo era vender Paralamas y derribar a Legión. Pero el vinilo se saltó las expectativas vendiéndose de salida 50 mil copias.
En 1988, alegando no poder engañar más a su público, Renato Russo asumió públicamente ser homosexual, aunque antes la homosexualidad aparecía camuflada en algunas letras de la Legión, como "Daniel en la cueva de los leones" y "Soldados". . "Esto forma parte de mi vida, no es un problema", acostumbraba decir. Y realmente no lo era. En cambio sí eran problemáticas sus relaciones afectivas.
El cantor tuvo dos grandes pasiones. La primera surgió en 1990, cuando conoció en un bar de Nueva York al americano Robert Scott, enganchado a las anfetaminas. La relación duró dos años y el muchacho llegó a convivir con Renato en Río de Janeiro. En la temporada americana, llegaron a sumergirse durante un mes y medio en sesiones constantes de heroína. "Pienso que voy a estar unos diez años escribiendo músicas del tipo Mi amor partió", comentó alguna vez.
A finales del 90, el poeta buscó la autointernación para tratarse del problema del alcoholismo. En la clínica incendió unos muebles como protesta por la prohibición de tocar un violín para los otros pacientes en la celebración de fin de año.
El músico compró un apartamento en Ipanema, zona sur de Río de Janeiro. Estaba muy deprimido, tenso, irritado y bebiendo como loco. Tenía la convicción de que era portador del SIDA. Le faltaba coraje para hacerse las pruebas. Tal vez por eso, cuando recibió el resultado que verificaba sus temores, su reacción fue más que conformista: fatalista.
En 1993 inició un tratamiento para librarse de la dependencia a sustancias químicas. Para salir de la depresión, Renato grabó en 1994 el disco en solitario The Stonewall Celebration Concert, en el cual interpretaba canciones populares americanas. El álbum conmemoraba los 25 años del surgimiento del movimiento gay en Estados Unidos y traía en la portada una recordatoria dejada para Scott.
La otra pasión de Renato fue el joven carioca Cristiano, un muchacho de la periferia con el que el artista se relacionó hasta mediados de 1995. La ruptura ocurrió durante la grabación del segundo disco en solitario, con canciones en italiano, de título Equilibrio distante.
Este trabajo es uno de los más premiadísimos, y en sus canciones se homenajea a la colonia italiana de donde eran sus bisabuelos, que habían llegado al Brasil como inmigrantes.
A comienzos de 1996, comenzó a tener serios problemas de salud que perjudicaron los trabajos del álbum de estudio de la Legión La tempestad (o El libro de los días). Renato se encerró en su apartamento tras haber concluido el álbum, y allí fue donde falleció en octubre del mismo año por las complicaciones del SIDA.
En las últimas semanas de vida, Renato no salía de casa, se negaba a comer, se apartó de sus amigos. Se encerró a cal y canto en su apartamento de Ipanema, solamente en compañía de su padre y de un enfermero. No quería tomar más el penoso cóctel de drogas que los médicos le habían recetado. "Cuando tomo el cóctel es como si me estuviese comiendo un cachorro vivo. Es el cachorro que me come por dentro", le dijo a un amigo.
A la tarde, los vecinos repararon que la música, siempre alta en el segundo piso del edificio de la calle Nascimento Silva, había cesado. Y los fans no dejaron de reparar luego que la frase URBANA LEGIO OMNIA VINCIT (La Legión Urbana vence todo, en latín), estampada en todos los discos de la banda, estaba ausente en A Tempestade, su último álbum.
En 1997 salió el album Último solo. Ese trabajo contiene canciones anteriores y no incluidas en los anteriores álbumes. Estos tres discos completan las grabaciones en solitario de Renato Russo.

resumido del texto hallado en:
http://www.islaternura.com/APLAYA/NoEresElUnico/R/RUSSOrenato/RussoUNICO.htm

trax
1. Send In The Clowns
2. Clothes Of Sand
3. Cathedral Song
4. Love Is
5. Cherish
6. Miss Celie'S Blues
7. The Ballad Of The Sad Young Men
8. If I Loved You
9. And So It Goes
10. I Get Along Without You Very Well
11. Somewhere In My Broken Heart
12. If You See Him, Say Hello
13. If Tomorrow Never Comes
14. The Heart Of The Matter
15. Old Friend
16. Say It Isn't So
17. Let'S Face The Music And Dance
18. Somewhere
19. Paper Of Pins
20. When You Wish Upon A Star
21. Close The Door Lightly When You Go

domingo 21 de junio de 2009

Elis Regina, "Saudade do Brasil" (CD doble, 1980).


Elis Regina fue una de las cantantes brasileñas más populares en los años sesenta y setenta.
Nació —con el nombre de Elis Regina Carvalho Costa— el 17 de marzo de 1945 y falleció el 19 de enero de 1982. Elis Regina nació en Porto Alegre (al sur de Brasil), donde empezó su carrera como cantante a los 11 años en el programa de radio para niños O Clube do Gurí en la radio Farroupilha.
En 1959 fue contratada por Rádio Gaúcha y al año siguiente viajó a Río de Janeiro, donde grabó su primer LP, Viva a Brotolândia. Su segundo LP, con Jair Rodrigues, Dois na bossa, fijó un récord de ventas nacional.
A finales de los años sesenta y principios de los setenta, Regina ayudó a popularizar el trabajo del movimiento Tropicalia, grabando canciones de músicos como Gilberto Gil.
Elis Regina a menudo criticó la dictadura brasileña que persiguió y exilió a muchos músicos de su generación. En una entrevista en 1969, declaró que Brasil estaba siendo gobernado por "gorilas". Su popularidad la mantuvo fuera de prisión, pero finalmente fue obligada por las autoridades a cantar el himno nacional de Brasil durante un espectáculo en un estadio, lo que despertó la ira de muchos brasileños de izquierda.
En 1974 editó con Tom Jobim el álbum Elis & Tom, considerado por críticos musicales como uno de los mejores discos de bossa nova de todos los tiempos.
Tuvo tres hijos: João Marcelo Bôscoli (hijo de su enlace con Ronaldo Bôscoli), y Pedro Camargo Mariano y Maria Rita Mariano (hijos también del pianista y compositor César Camargo Mariano). María Rita ha logrado ser una cantante de mucha popularidad.
Elis Regina murió por una sobredosis de drogas, tranquilizantes y alcohol en 1982, a los 36 años.

de la Wikipedia.

faixas
Disc: 1
1. Abertura/Arrastao
2. Terra de Ninguem
3. Maria Maria
4. Agora Ta!
5. Alo, Alo Marciano
6. Cancao Da America
7. As Aparencias Enganam
8. O Primeiro Jornal
9. Moda de Sangue
10. Marambaia
Disc: 2
1. Presidente Bossa Nova
2. Conversando No Bar
3. Onze Fitas
4. Menino
5. Aos Nossos Filhos
6. Sabia
7. Mundo Novo Vida Nova
8. Aquarela Do Brasil
9. O Que Foi Feito Devera
10. Redescobrir

viernes 19 de junio de 2009

Caetano Veloso, "Noites de Norte. Ao Vivo" (CD doble, 2001).


Hay mucha reacción en la prensa contra el hábito de hacer discos de la grabación de un show, que nacieron de un disco de estudio.
Personalmente, he mantenido una opinión diferente. Por un lado, me gusta el calor de la música registrada fuera de los estudios; por otro considero saludables las re-versiones del repertorio y las reiteraciones de estilos que este tipo de disco favorece. Naturalmente, como de cualquier lado, pueden surgir obras buenas, obras aceptables u obras malas.
Entiendo que la reacción contraria se justifica por el riesgo al comercio banal. Pero me gustaría ver un mayor rigor crítico por parte de quien exhibe tanta antipatía por el mercado, por el éxito y por las grabadoras.
El disco Fina Estampa estaba asentado en canciones inéditas muy fuertes: "Cucurrucuru Paloma", "Lábios que bejei", "Você esteve com meu bem", "O samba e o tango" etc. El disco Livro (En vivo, "Prenda Minha") en la ausencia total de canciones de estudio.
Ahora, Noites do Norte. Bien, esta vez terminé aprobando el documento de un show completo. Es el disco de show más disco-de-show que hice hasta el momento.
No sólo está ahí todo el repertorio (y en el orden en que fueron tocadas), sino que además está también toda la impureza técnica de las presentaciones del show en su primera fase, cuando el mismo aún no estaba tan maduro como ahora.
Como en el caso de Prenda Minha, Circuladô o Fina Estampa, no hice personalmente ningún trabajo de post-producción en estudio para corregir lo que no me gustase de mis participaciones vocales. Sólo que en aquellos discos hubo una selección: Como se trataba de una pequeña parte del show, me permitía hacer una selección de lo que mejor estuviese. También hubo en aquellos casos una mudanza en el orden de las canciones. En este está todo.
Para mí, el disco es un tesoro por el trabajo de los músicos. El sonido que resulta de las guitarras de Davi y Pedrinho con los coros de Cesinha, Márcio, Junior, Du y Jó –en el diálogo singular que ese sonido mantiene con el arco musical de Jaques Morelembaum- es también una poderosa máquina. Ella produce liberación.
Me acuerdo de los ensayos: Todas mis ideas se traducían con una asustadora precisión en los timbres de la guitarra de Davi; precisión vigorosa por parte de los percusionistas (con Márcio siempre liderando); intervenciones sabias de Pedrinho; una perfecta seguridad por parte de Cesinha, todo eso con la interpretación general de Jaques, siempre explicando lo que estaba pasando musicalmente y mostrando cómo hacer para que todo pasase más claramente y conscientemente. Él conseguía eso hablando con calma –y lo que es más eficaz- tocando con inspiración.
Fue también Jaquinho quien después de organizar nuestra mente musical en los ensayos, entró a los estudios y dirigió la producción, orientando la recreación de los sonidos en la mezcla. Como lo grabamos el día de mi cumpleaños, tuve (y puedo compartirla con los que compran este CD) la presencia de Lulú Santos.
Así, aunque pida disculpas por eventuales demostraciones de inhabilidad de mi parte, aconsejo comprar y escuchar este CD doble y extensísimo, donde, sobre todo gracias a los instrumentistas, se puede entrar en contacto con una milagrosa parte de lo que más vivo se hace en música en Brasil.

Caetano
Noviembre de 2001.

faixas
1 - Two Naira Fifty Kobo 2 - Sugar Cane Fields Forever 3 - Noites Do Norte 4 - 13 De Maio 5 - Zumbi 6 - Haiti 7 - O Último Romântico 8 - Cobra Coral 9 - Como Uma Onda (Zen Surfismo) 10 - Mimar Você 11 - Araçá Blue 12 - Escândalo 13 - Menino Deus 14 - Magrelinha 15 - Rock' N' Raul 16 - Zera A Reza 17 - Dom de iludir / Tapinha 18 - Caminhos Cruzados 19 - Tigresa 20 - Trem Das Cores 21 - Samba De Verão 22 - Gatas Extraordinárias 23 - Língua 24 - Cajuína 25 - Gente 26 - Tropicália 27 - Eu E A Brisa 28 Homenagem ao Jorge Amado*.

* (Nota): Este está afuera del show, pero como me pareció un momento emotivo (había muerto Jorge Amado hacía poco) lo agregué al recital.

si querés bajatelo de acá

sábado 13 de junio de 2009

Toninho Horta & Carlos Fernando, "Qualquer Canção - A Música de Chico Buarque" (1994).


Carlos Fernando brilla excelsamente en la parte vocal de este álbum dedicado enteramente a las canciones consagradísimas de Chico Buarque. Y en el proceso se consagra él. Registren su nombre porque la voz raramente podrán olvidarla una vez que lo escuchen cantar: Cantando este muchacho, el Carlos Fernando, es un verdadero coloso.
La forma de encarar la MPB que tiene Carlos Fernando tiene mucho de jazz, especialmente de cool. Fue el vocalista de un grupo de jazz brasileño llamado Nouvelle Couisine, que ya no existe. Y dicen los cumpas brasileños que han tenido la suerte de escucharlo en vivo que cantando jazz es verdaderamente impagable.

En cuanto a Toninho, vaya este texto:
Un músico de creatividad caudalosa, más de veinte discos, un estilo que combina el samba con el jazz y el pop de aires cariocas. La forma de tocar del brasileño Toninho Horta influyó en un guitarrista como Pat Metheny, que tomó ciertas líneas de armonización de ese estilo.
Considerado uno de los grandes guitarristas contemporáneos, la revista Melody Maker lo calificó, en 1977, como el "mejor intérprete de guitarra en el mundo".
Más allá de semejantes reconocimientos, Horta, se reveló como una persona sencilla y dijo que su estilo era, básicamente, el de un guitarrista de estilo minero con muchas influencias.
Nacido en un hogar musical (sus padres tocaban la guitarra y la mandolina), creció escuchando música clásica y jazz. Ella Fitzgerald, Frank Sinatra, Wes Mongomery, Barney Kessel y Stan Getz amenizaron las calurosas tardes en el hogar familiar. Quizá de aquellos días tomó esa sensualidad vigorosa tan presente en el saxo tenor de Getz.
A los diez años tocaba la guitarra y a los trece hizo su primera composición para que su hermana Gilda la cantara. "Era algo así como un pre bossa nova, una música abolerada", señala el músico desde su casa en Belo Horizonte.
A los 18 años, pisó Río de Janeiro para quedarse y poder conocer a Tom Jobim. También conoce a la inigualable Elis Regina, quien lo incorpora en su grupo para trabajar en los arreglos, junto con otro guitarrista y compositor minero, Nelson Angelo.
Pero su relación con Milton Nascimento es determinante no sólo para su carrera artística, sino también para desarrollar una dirección como compositor.
Forma parte del movimiento El Club de la Esquina, liderado por Nascimento, cuya fuerza lo ayudará para convertirse en un sideman prestigioso y buscado por su originalidad a la hora de armonizar e interpretar.
Actuó con toda la línea de grandes artistas brasileños, como Jobim, Elis, Caetano Veloso, Chico Buarque, Hermeto Pascoal, Gal Costa, Maria Bethania, Lenny Andrade, Nana Caymmi, Nana Vasconcelos y Joao Bosco.
Arreglador de mano delicadísima y sesionista incomparable, sólo en 1980, con "Terra de pássaros", es reconocido en toda su dimensión.
Viaja a Nueva York, donde se radica por diez años y asombra al mundo jazzístico de los Estados Unidos. Actuó con Pat Metheny, Wayne Shorter, Paquito D´Rivera, Randy Brecker, Larry Carlton, Gil Evans, Gary Peacock y Omar Hakim, entre otros.

Fuente para la reseña: Parte de un reportaje de César Pradines para el Diario La Nación, edición del 29/07/04

Tracks
1. Samba E Amor
2. Pedro Pedreiro
3. Joana Francesa
4. Tatuagem
5. Carolina
6. Brejo Da Cruz
7. Bastidores
8. Trapaças
9. Quem Te Viu, Quem Te Vê
10. As Vitrines
11. Qualquer Canção
12. Futuros Amantes

jueves 11 de junio de 2009

Dusko Goykovich, "Samba Tzigane" (2006).


Dusko Goykovich está entre las leyendas vivientes del jazz europeo. La lista de músicos con los que ha trabajado se parece a un "quién es quién" en la historia del jazz: Benny Bailey, Chet Baker, Kenny Barron, Gary Burton, Kenny Clarke, Miles Davis, Maynard Ferguson, Tommy Flanagan, Stan Getz, Dizzy Gillespie, Dexter Gordon, Johnny Griffin... y muchos más.
Ciudadano de Munich, Alemania, Dusko tiene todavía una apretada agenda de giras, que incluye actuaciones con small band, con big band, y apariciones como invitado en múltiples países europeos, además de Japón y Corea.
Por lo general muy admirado por sus perfectas líneas bebop y por sus entrañables baladas (la mayor parte de ellas con trompeta o flugel en sordina), Goykovich abrió un nuevo capítulo en el 2003, cuando presentó "Samba do mar", su primer album completamente inspirado en el Brasil, que cautivaría y conquistaría a auditores del mundo entero. Acompañado por un equipo de su elección en guitarra, bajo y batería y emprendiendo una mezcla de clásicos (Jobim, Villa-Lobos) además de originales, la ejecución de Dunko añade un toque fresco, elegante, a veces elegíaco, a las adorables melodías de la música del Brasil. "Samba do mar" fue un gran éxito, recibió una gran aclamación crítica y ganó el prestigioso premio de la German Record Critics.
Ahora, Dusko y su equipo internacional -Ferenc Snétberger en guitarra, Martin Gjakonovski en bajo, Jarrod Cagwin en batería- vuelven al Brasil con "Samba Tzigane" en el sello Enja Records. Presentan en el disco apariciones de invitados como el flautista brasileño Márcio tubino y la adorable cantante brasileña Celine Rudolph. El nuevo álbum versiona un territorio aun más amplio de temas del samba y la bossa. Además de los clásicos de Jobim, Villa-Lobos, Baden Powell y Luiz Antonio, ofrece originales relajados y encantadores de Tubino, Rudolph y el mismo Goykovich. Lanzado en ocasión del 75mo. aniversario de Dusko, en octubre del 2006, este album celebra la melodiosidad, imaginación y vitalidad de un gran trompetista.

1.Samba Tzigane
2.Melodia Sentimental
3.Meninha Moca
4.O Grande Amor
5.A Descoberta Da Lentidao
6.Trio Loco
7.Samba Triste
8.Coracao Del Sul
9.Five O'Clock In The Morning
10.Este Seu Plhar
11.Everyday And Everynight I Dream Of You

sábado 6 de junio de 2009

Morelenbaum2 & Sakamoto, "Casa" (2002).


Sakamoto 'resucita' a Tom Jobim en su propia casa
Nota de: QUICO ALSEDO

MADRID.- Sólo una casa. Apenas una construcción de paredes blancas y aire minimal, con vistas a Río de Janeiro. Quizás la madriguera de, pongamos, un mito de la bossa nova: Antonio Carlos Jobim.Tal vez, incluso, «un instrumento musical» en el que, asegura Ryuchi Sakamoto, «hasta las ventanas suenan, vibran con la música».
La casa. Y, dentro, Sakamoto y los Morelenbaum, ex colaboradores de Jobim. Grabando, durante sólo cinco días, las canciones de Jobim. En el piano que usaba Jobim. Sakamoto sentado en la silla en que solía hacerlo el maestro, Jobim (1927-1994).
Pero una Casa que es, al fin, un delicioso álbum (Sony), y que ahora llega a España en directo: hoy a Madrid (sala La Riviera) y el próximo lunes a Barcelona. El feliz encuentro de un trotamúsico de la vanguardia de fin de siglo, Sakamoto (Tokio, 1952), con dos de los mimbres con que Tom Jobim solía construir sus melodías: el chelo de Jaques Morelenbaum y la tenue voz -como manda el canon- de su hija Paula.

«Desde allí se oye el viento, el rumor del océano, los insectos, las ranas del jardín», recuerda Sakamoto: «Naturaleza por todas partes... Jobim la amaba». Por los grandes ventanales, a lo lejos, el Jesús del Corcovado. Y también por las esquinas de Casa se cuela, cómo no, el discurso de esa naturaleza a la que, dice el japonés, «Jobim dedicó la vida».

Desnudez y simplicidad

La casa: una «maravilla» de simplicidad proyectada por el propio hijo de Jobim, Paulo, arquitecto y también músico. Curiosamente, con leve reminiscencia oriental: «El suelo, por ejemplo, es de madera desnuda, muy japonés», dice Sakamoto. Desnudez clave, además, también en la casa grabada: un prodigio de artesanía y concisión. Apenas piano, chelo y voz. Regusto totalmente vintage.

Pero sencillez que Sakamoto, con una parquedad muy asiática -habla casi en haikus-, quiere desmentir: «Su música es fácil de escuchar, pero no de hacer. Tardaba en componer una canción hasta dos y tres años».

El piano que Jobim utilizó durante 20 años, que ahora llena Casa, parece haber hipnotizado a Sakamoto: «Es que lo he sentido dentro, y a la vez creo que yo me he metido en él».

El japonés conoció a la viuda de Tom Jobim en 1995. Fue, claro, en la casa. «Estuvimos una tarde allí, bebiendo, tocando, fue divertido, muy natural y ya entonces me fijé en cómo sonaban las ventanas». Sakamoto cuenta que ya entonces fantaseó con la idea de homenajear a Jobim, «pero no se lo comenté a nadie».Sólo tres años después, Paula Morelenbaum recibió telepáticamente el mensaje. Sakamoto aceptó al momento: Casa estaba en marcha.Como guinda, además, Paulo Jobim hizo una aportación al proyecto: Tema para Ana, un acuático corte instrumental sólo registrado por el maestro en una cinta que Paulo localizó en Nueva York.

Y Sakamoto, acostumbrado ya al turismo musical -en su currículo, desde el techno pop a lo Kraftwerk de YMO a las bandas sonoras de El último emperador y Tacones lejanos, por ejemplo-, ya tenía nueva escala en su particular viaje: «Podría vivir en cualquier parte... Este planeta es sólo uno y yo vivo en él».

Pero no ha albergado esta Casa sólo un triángulo amoroso. Sakamoto: «Al final de la grabación de un tema, un pájaro se posó en el piano y empiezó a cantar ¡con el timing perfecto!». Cuenta el japonés que, de inmediato, llamaron a Ana Jobim a Nueva York: «Quién sabe, quizás sea lo que imagináis», les dijo. Ellos se miraron. Tom volvía a casa.

http://www.elmundo.es/papel/2002/10/02/cultura/1240224_impresora.html

1. As Praias Desertas
2. O Amor em Paz
3. Vivo Sonhando-Dreamer
4. Inutil Paisagem
5. Sabia
6. Chanson pour Michele
7. Bonita
8. Fotografia-Photograph
9. Imagina
10. Estrada Branca
11. O Grande Amor
12. Cancao em modo menor
13. Tema para Ana
14. Derradeira Primavera
15. Esperanca perdida-I Was Just One More For You
16. Sem Voce Album Version
17. Samba Da Aviao
18. Improvisation (Live)

domingo 31 de mayo de 2009

Simone, "Essential" (comp. 2000).


Habiendo tenido un comienzo promisorio como una de las grandes voces de la MPB, Simone ha grabado más de 31 álbumes, abandonando cada vez más el repertorio más activista de composiciones de João Bosco/ldir Blanc, Geraldo Vandré, Chico Buarque y Milton Nascimento, en favor de canciones románticas más comerciales, con las que ha gozado de un gran éxito internacional.
Hija de un cantante de ópera y de una pianista, Simone se mudó a São Paulo a los 16 años en pos de una carrera como jugadora de básquet (incluso fue miembro del equipo nacional). Grabó su primer LP, Simone, en 1973. Hermínio Bello de Carvalho la invitó a cantar en Bruselas y París, actuaciones en vivo que fueron registradas discográficamente. Su segundo LP llegó en 1975, Quatro Paredes, que tuvo éxito con canciones de João Bosco/Aldir Blanc. En 1976 grabó "O Que Será" (Chico Buarque), que fue el tema de la película Dona Flor e Seus Dois Maridos. Milton Nascimento y Fernando Brant escribieron especialmente para ella el tema "Cigarra" (del LP homónimo, de 1978). En 1979, tuvo su éxito mayor con el tema de Ivan Lins "Começar de Novo". La canción fue incluida en su LP Pedaços que también incluyó "Tô Voltando" (Maurício Tapajós/Paulo César Pinheiro), una canción representativa del período del final del régimen militar y el advenimiento de la amnistía política. En 1980 regrabó otra canción política, el anatema pacifista "Pra Não Dizer Que Não Falei Das Flores" (Geraldo Vandré). Fue la primera artista en hacerlo, en tanto la canción había estado censurada anteriormente. Fue asimismo la primera cantante en llenar el estadio Maracanãzinho, en 1981. En 1982 llevó cada noche a 15.000 personas a sus actuaciones en el estadio Morumbi (São Paulo).
Simone fue contratada por la CBS americana, y grabó inmediatamente en USA, siendo alabada por la crítica. En ese nuevo período, marcado por un éxito descomunal, tuvo éxitos con temas como "Alma" (Sueli Costa/Abel Silva), "Tô Que Tô" (Kleiton/Kledir), "Um Desejo Só Não Basta" (Francisco Casaverde/Fausto Nilo), "Você é Real" y "Yolanda" (Pablo Milanés/Chico Buarque). Lanzó Café Com Leite en 1996; el CD estuvo dedicado a las composiciones de Martinho da Vila, autor que compartió con ella el tema "Ex-Amor".
Simone ha seguido actuando con regularidad en Brasil, Portugal y USA. En 1997, fue incluida en la serie de Sony de las Celebridades de la Música de la MPB (compartió ese privilegio con Ângela Maria, Sílvio Caldas y Cauby Peixoto), con la edición de una caja de 4 CDs que conmemoraron los 25 años de su carrera. En el 2000, publicó Fica Comigo Esta Noite, con clásicos del repertorio romántico de la samba brasileña.

datos tomados de la AMG.

FAIXAS
1. Cantos De Maculelê
2. O Que Será
3. Face A Face
4. Maria Maria/Cigarra
5. Sambas De Roda Da Bahia
6. Coqueiro De Itapoã
7. Bodas De Prata
8. Começar De Novo
9. Mulher E Daí
10. Revelação
11. A Sede Do Peixe
12. Tô Voltando
13. Canoa, Canoa
14. Mar E Lua
15. Gota D'Água
16. Eu
17. Estrela Da Canção

sábado 30 de mayo de 2009

Zizi Possi, "Mais Simples" (1996).


Zizi Possi emprendió diferentes caminos durante su carrera. Tuvo su primer éxito con una canción de Chico Buarque, "Pedaço de Mim", y luego con una serie de baladas pop durante los 80; pero finalmente, en los 90, encontró su camino en un repertorio de clásicos de la música brasileña en versiones acústicas altamente pulidas. Aplica muchas variaciones sobre el original, como en Per Amore, álbum completamente dedicado a canciones románticas italianas, cantadas en idioma original.
Cantando sola desde que era una niña, Possi comenzó a tomar clases de piano a los 5 años. A los 20, abandonó el intensivo programa en Composición Musical de la Universidad del Estado de Bahía y comenzó a trabajar como actriz en un musical, descubriéndose a sí misma como cantante.
En 1978, partió hacia Río, adonde fue invitada por Roberto Menescal para grabar su primer álbum, Flor do Mal. El primer éxito de Possi fue el tema que dio título a su segundo album, Pedaço de Mim, de Chico Buarque, tomado de la obra de este Opera do Malandro, en la cual participó ese mismo año. En los 80, Possi expandió su repertorio pop, a expensas de la MPB, logrando éxito con "Asa Morena" (Zé Caradípia, 1982). Otros éxitos de esa década fueron "Perigo" (Nico Resende/Paulinho Lima, 1986), "A Paz" (Gilberto Gil/João Donato, 1987); "É A Vida Que Diz" (Marina) y "O Amor Vem Pra Cada Um" (versión de "Love Comes to Everyone" de George Harrison). El LP Estrebucha Baby (1989) representó una fase diferente, casi experimental, siendo la primera vez que "Meu Erro" (Herbert Vianna) fue grabado no como rock o pop (como fue escrita) sino como un tema de una densa interpretación, que funcionaba como el aggiornamiento de la MPB que hacía ingresar diferentes géneros, fenómeno que encontraba en Brasil sentimientos cruzados.
En los 90, el show Sobre Todas As Coisas representó para ella el hallazgo de una coherencia interna tras haber tomado diferentes caminos. Premiada por el éxito durante las giras, aceptó la sugerencia de Marcos Suzano de incorporar el cello de Lui Coimbra, para grabar el álbum Sobre Todas As Coisas (1991).
La estética de un sonido acústico sumado a los clásicos de la música brasileña se intensificó en Valsa Brasileira (1993) y en sus álbumes posteriores. Valsa Brasileira tuvo dos éxitos importantes: "Bom Dia" (Swami Jr./ Paulo Freire) y "Lamento" (Pixinguinha).

Faixas
1. Melodia sentimental
2. Béradêro
3. Filho de Santa Maria
4. Olho de peixe
5. Mais simples
6. Um beijo meu
7. Se meu mundo cair
8. Explode coração
9. Mundo cruel
10. Eu quero um samba
11. Só pra chatear
12. Provei
13. Brasil
14. Juízo final

martes 26 de mayo de 2009

Joyce, "Hard Bossa" (1999).


Joyce Silveira, oriunda de Río de Janeiro, nació el 13 de enero de 1948. Desde que Joyce comenzara su carrera hace 30 años como una joven armada con una guitarra, una voz cristalina, un inmenso talento de compositora y un compromiso claramente feminista, hasta su nominación para los premios Grammy por su album Astronauta (1998) o esa joya que es Gafieira Moderna (2001), ha recorrido una carrera que ha contribuido a poner la música brasileña en el lugar preeminente que ocupa en la actualidad dentro de la música ligera internacional. Joyce comenzó su carrera grabando en 1968 y, de las muchas artistas que comenzaron en esa época, fue la única en utilizar composiciones propias, que se caracterizaban además por estar escritas desde una perspectiva sinceramente feminista.
Las canciones de Joyce han sido interpretadas y grabadas por los principales intérpretes de música brasileña, como Milton Nascimento, Elis Regina, Gal Costa y Astrud Gilberto. El redescubrimiento en los 90 de su album Feminina (1980), delicado tejido de folk y samba en un sencillo estilo acústico, le supuso el ganar una nueva generación de admiradores en Europa y Japón y ampliar el número de seguidores de una música que combina los ritmos brasileños, las armonías jazzísticas y unas letras inteligentes con una bellísima voz de gran expresividad. Para Jobim, hombre poco dado al exceso en el halago, Joyce era una de las grandes cantantes de todos los tiempos.

faixas
1 Zoeira (Paulo César Pinheiro - Joyce)
2 Quarup (Paulo César Pinheiro - Joyce)
3 Criança (Joyce)
4 Nome de guerra (Paulo César Pinheiro - Joyce)
5 London Samba (Maurício Maestro - Joyce)
6 Todos os Santos (Paulo César Pinheiro - Joyce)
7 Juparana (Paulo César Pinheiro - Joyce)
8 Novelo (Paulo César Pinheiro - Joyce)
9 Hard bossa (Joyce)
10 Vatapá (Lea Freire - Joyce)

viernes 22 de mayo de 2009

Jussara Silveira, "Canções de Caymmi" (1998).


Se eu fosse vento,
se eu fosse só o vento...
se eu fosse vento e saudade
se eu podesse ser vento e me chamar Dorival...

Canções de Caymmi, de Jussara Silveira, es un trabajo que tiene todo lo necesario para ser considerado un disco de Música Popular Brasilera. "O mestre" Dorival, bahiano, guitarrista, letrista, compositor, cantante, es un artista popular, como pocos pueden jactarse de serlo. Corrijo, debería decir: popular sin concesiones, como pocos, etc.
La bahiana Jussara Silveira se atreve a las canciones de Caymmi y las canta, dice, sopla, mastica, respira; y revitaliza un repertorio que sobrevive y se agiganta con el tiempo. En su trabajo hay no sólo un homenaje al gran mestre, sino también a un modo de concebir la música popular.
Hace un par de renglones se afirmó que revitaliza un repertorio -como si la obra de Caymmi lo necesitara- y es que estas canciones inmortales son recreadas, re - creadas, por la voz y el candor de Jussara, con el apoyo de tipos como Jaques Morelenbaum, Ronaldo Bastos y Luiz Brasil.
Jussara, Canções de Caymmi, editado en 1998, es un álbum para escuchar y vivir una vez más y soñar con esa Bahía casi mítica, casi inexistente de tan bella en el recuerdo que proponen estas canciones, y llamar al viento...

(reseña escrita por mi hermoso hermanito Claudio, en ocasión de su post en un anterior blog que alguna vez tuve).

Lista de Temas:
01- O Vento
02- Lá vem a Baiana
03- Nem Eu
04- O Anjo da Noite
05- Você diz que amar é crime . Vou vê Juliana
06- Maracangalha
07- Yayá não sabe . Você não sabe amar
08- Horas
09- Milagre . História por sinhozinho
10- Canto de Nanã . Quem vem pra beira do mar
11- Saudade de Itapoã
12- Adalgisa
13- O Vento (Vinheta)

domingo 17 de mayo de 2009

Jun Miyake - Innocent Bossa In The Mirror

Comentando un disco de nuevas versiones de viejos éxitos de la Bossa Nova, a Carlos le agarró la saudade de otros tiempos, en que la Bossa era algo más que un tempo que, aplicado a casi cualquier cosa, da como resultado un producto comercializable como lounge. Es así, mi querido amigo, aquello que tenía de nuevo la Bossa parece haber quedado reducido a un beat repetido por una máquina, o en el mejor de los casos, a versiones sin alma y sin ideas nuevas.

Existen, si embargo, algunas raras excepciones. Una de ellas es este disco de Jun Miyake, un japonés nacido en Tokyo y graduado en el Berkley College of Music. Descubierto por la leyenda del Jazz Terumasa Hino, Jun comenzó su carrera como trompetista de jazz, grabando con Ron Carter y Al Foster, entre otros.

Jun Miyake se desarrolló luego como compositor, arreglador, productor y músico. Miyake ha publicado 13 álbumes en su país natal, y compone música para anuncios publicitarios, obras de teatro, películas de largometraje, y piezas para danza, como las que realizó en colaboración con el coreógrafo Philippe Decouflé.

Este disco lo descubrí gracias al siempre sabio consejo de Joe Sixpack, autor de una fabulosa Guía de la Música Brasilera. Acerca de Inocent Bossa In The Mirror dice Joe Sixpack: "Un rareza, un hermoso disco enteramente nuevo de Bossa Nova hecho por outsider. El multi instrumentista japonés Jun Miyake nunca se había acercado a la música brasileña entes de este álbum, pero con la ayuda de los modernistas Arto Lindsay y Vinicius Cantuaria, Miyake lanza un delicado hechizo que recuerda los mágicos días de gloria de Joao Gilberto, Carlos Lyra y otros grandes. Como lo hace en sus propios albumes, Lindsay escribe y canta las letras en portugués, mientras Cantuaria aporta el más suave, más convincente acompañamiento con guitarra imaginable. El piano de Miyake recuerda el inquietante sonido de Erik Satie, y mientras cada track tiende hacia una prolongada exploración de un único tema ( una canción con una percusión extraña, otro con un flugelhorn como instrumento líder), el efecto total es mágico y sereno."

Descargalo haciendo clic aquí.

viernes 15 de mayo de 2009

Celso Fonseca & Ronaldo Bastos, "Polaroides" (2006).


Influido por Baden Powell, el exitoso compositor, productor e instrumentista Celso Fonseca comenzó en música a los 12 años, habiendo aprendido ya la guitarra. A los 19 comenzó a dedicarse a la música como profesión. Gilberto Gil lo invitó en 1981 a su banda, con la cual tocó Fonseca por todo Brasil y en varios otros países.
Fonseca también tocó y grabó con Chico Buarque, Djavan, Milton Nascimento, Caetano Veloso, Gal Costa, Elza Soares, Marisa Monte, João Bosco, Jorge Benjor, Leila Pinheiro, Simone, y varios otros. Su curriculum incluye varias giras internacionales, cuatro actuaciones en el Festival de Montreux y en varios otros festivales en Europa, Canadá, USA y Japón. En 1986, comenzó a trabajar como productor, trabajando para Vinícius Cantuária. También produjo discos para Daúde, Virgínia Rodrigues, Leo Gandelman, Gal Costa y muchísimos otros artistas. Las canciones de Fonseca han sido grabadas por Caetano Veloso, Gal Costa Gilberto Gil, Maria Bethânia, Ney Matogrosso, Nana Caymmi, Milton Nascimento, Carlinhos Brown, Daúde, Vinícius Cantuária, Verônica Sabino, Adriana Maciel y Zizi Possi.
Al notable letrista Ronaldo Bastos se lo conoce principalmente por haber sido compañero varias veces de Milton Nascimento.
Pero también demostró ser un competente productor. A través de su sello discográfico Dubas Música, estuvo a cargo de los álbumes Clube da Esquina 2 (Milton Nascimento) y Amor de Índio (Beto Guedes). Fue premiado por estas producciones y también por su trabajo para Nana Caymmi y Toninho Horta. Bastos escribió letras para varios otros compositores, tales como Lulu Santos ("Um Certo Alguém"), Marina Lima, Edu Lobo, Toninho Horta, Caetano Veloso, João Donato, Djavan, Tom Jobim y Beto Guedes. Ney Matogrosso grabó su "Olhos de Farol" (con Flávio Henrique) en el álbum del mismo título.
Bastos también tuvo éxito escribiendo covers que fueron grabados por Gal Costa, Beto Guedes y Sarah Vaughan.
En este disco se presentan 14 pequeñas joyas, que demuestran la vigencia de la atemporal bossanova, que se muestra tremendamente frágil, susurrante y embriagadora alrededor de la bella guitarra de Celso Fonseca, sola (My broken heart) o acompañada por cuidados arreglos de cuerda (Satélite bar , Slow Motion Bossa Nova), melosos teclados (Meu Tudo Pra Mim), una simple y maravillosa percusión (La Piú Bella Del Mondo) o bellas flautas y vientos (Valeu). Una bossa que se presenta seductora y vital cuando se rodea de un espléndido y cálido saxo que recuerda la pareja Jobim-Getz (Denise Bandeira), o de un chispeante órgano que parece rememorar los gloriosos días de Walter Wanderley (Samba É Tudo). Bossa que a veces se acerca al jazz más cool y sugerente (Out of the blues , Ledusha Com Diamantes), al pop soul sofisticado y melodioso (A Noite É Meu Ópio) e incluso al folk pop de los 60 (Polaroides). Un disco con sabor a clásico, con una línea muy definida alrededor de la bossa más clásica, pero con múltiples y ricos matices que incluyen hasta insospechadas bases programadas.

datos tomados de lacoctelera.com y AMG.

Tracklist:
--------------
01. Satelite Bar (4:04)
02. Denise Bandeira (2:57)
03. Ela Vai Pro Mar (3:19)
04. Meu Tudo Pra Mim (4:13)
05. La Piu Bella Del Mondo (4:40)
06. Polaroides (3:34)
07. My Broken Heart (3:30)
08. Samba e Tudo (4:57)
09. Valeu (4:43)
10. Out Of The Blues (3:55)
11. A Noite e Meu Opio (3:48)
12. Ledusha Com Diamantes (4:38)
13. Slow Motion Bossa Nova (4:50)
14. Sorte (4:01)

martes 12 de mayo de 2009

Marisa Monte - Infinito ao meu redor (Audio del DVD)

Marisa Monte nació el 1 de julio de 1967 en Río de Janeiro y desde mediados de los 90 se ha convertido en una de las cantantes brasileñas más populares.

Su padre era el director musical de Portela, una de las más importantes escolas do samba de Río de Janeiro. Así, rodeada de música, creció Marisa, que desde pequeña estudió piano, batería y más tarde guitarra. En su adolescencia grabó algunos demos y fue corista de la banda pop Laranja da terra.

Comenzó a estudiar canto lírico y al cumplir la mayoría de edad viajó a Italia a perfeccionarse. Allí la descubrió, cantando música brasilera en un pub, Nelson Mota, que estaba preparando un show llamado Tudo veludo. El show se estrenó en 1987 en el canal JazzMania, en Río, y el éxito fue tal que Marisa, comenzó a ser considerada una de las voces más prometedoras de la música popular brasileña.

Entre 1988, fecha en que apareció MM, su primer disco, y 2008, cuando se editó Infinito ao meu redor, Marisa Monte ha grabado ocho discos en estudio y editado DVDs con conciertos. Infinito ao meu redor es el segundo de estos DVDs y contiene un documental que muestra la vida de la artista durante la gira de presentación de sus discos Universo ao meu redor e Infinito particular.

El DVD viene acompañado de un CD con nueve canciones, pero el archivo que les presentamos, es el audio extraído del DVD, un archivo con 19 canciones grabadas en vivo. Infinito ao meu redor presenta a la cantante acompañada por una orquesta, interpretando temas de los discos que motivaron la gira y clásicos de su repertorio, como Alta Noite, Não Vá Embora o María de verdade. El concierto termina con Não é proibido, un tema cuya versión original se puede escuchar en Rarezas y Colaboraciones vol. 3, y que nunca había sido grabado en un disco.

¡Que lo disfuten!

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lunes 11 de mayo de 2009

Joyce e Toninho Horta, "Sem Você" (1995).


En las notas internas del álbum Joyce chante Antonio Carlos Jobim & Vinicius de Moraes, Jobim consideró a Joyce como la mejor intérprete de sus canciones. Sin llegar a tanto, no cabe duda de que la excepcional voz de Joyce se adecua a la perfección a las características melódicas de los temas del maestro. Joyce es, sin duda, una de las mejores voces de Brasil, al nivel de otras grandes como Elis Regina, Gal Costa, Simone o Maria Bethania.
Toninho Horta es probablemente el más grande guitarrista que ha dado Brasil desde Baden Powell, aún cuando su obra no goza del reconocimiento que merece, especialmente en el propio Brasil. Esta grabación, Sem Você, producida para el público japonés, y muchos años después disponible en el mercado occidental, es un emotivo homenaje a Jobim, marcado por la extraordinaria calidad musical de Toninho Horta.

Fuente para la reseña: www.jazznoend.com

01. Ela é carioca (Tom Jobim - Vinicius de Moraes) (3:53)
02. Correnteza (Tom Jobim - Luiz Bonfá) (3:35)
03. Inútil paisagem (Tom Jobim - Aloysio de Oliveira) (4:52)
04. Frevo de Orfeu (Tom Jobim - Vinicius de Moraes) (3:04)
05. Lígia (Tom Jobim) (3:35)
06. Vivo sonhando (Tom Jobim - Vinicius de Moraes) (2:37)
07. Dindi (Tom Jobim - Aloysio de Oliveira) (4:02)
08. Só danço samba (Tom Jobim - Vinicius de Moraes) (4:02)
09. Outra vez (Tom Jobim) (3:41)
10. Sem você (Tom Jobim - Vinicius de Moraes) (3:39)
11. Este seu olhar / Só em teus braços (Tom Jobim) (2:39)
12. Estrada do sol (Dolores Duran - Tom Jobim) (2:45)
13. Ela é carioca - Replay (Tom Jobim - Vinicius de Moraes) (4:08)

domingo 10 de mayo de 2009

Trio da Paz - Partido Out

Queridos amigos: Las horas que debo dedicarle a mis actividades fuera de la web, me han impedido últimamente ocuparme de actualizar Bienvenidos a la Monga. Es por eso que he aceptado el generoso ofrecimiento de mi amigo Carlos de suplantarme en esa tarea. Mis apariciones serán, de aquí a un tiempo, esporádicas y generalmente en fines de semana. Mientras tanto quedan ustedes invitados a disfutar de la excelente selección de música que nos propone el querido tío arlos. Muchísmas gracias Carlos!

Partido Out es el tercer album del Trio da Paz, el trío formado por Romero Lubambo en guitarra, Nilson Matta en contrabajo y Duduka da Fonseca en percusión. El título surge de un juego de palabras con "partido alto", una forma de samba que se caracteriza por la improvisación.

Lubambo, Matta y Fonseca son instrumentistas sorprendentes, pero esa habilidad no va en detrimento de su capacidad como compositores. En temas como Melancia, donde se lucen Lubambo y Fonseca, el baião P'ro Flávio, o una maravillosa mezcla entre armonías de Bach y ritmo de baião, Bachião, los músicos encuentran un vehículo para probar su destreza.

El lado melódico del disco está formado por temas como Paraty, composición de Nilson Matta que es de las más lindas del disco, Luísa, de Toninho Horta, Rosa, tema que Matta escribió para su madre, y Song for Kaya, que Lubambo dedicó a su sobrina.

Trio da Paz asombra con su sonido, su fusión natural de lo brasilero, su cretividad y espontaneidad. Que lo disfruten!

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jueves 7 de mayo de 2009

Nilson Matta & Friends, "Walking with My Bass" (2006).


Nilson Matta no necesita presentación. Es el bajista brasileño más conocido de los que viven fuera del Brasil, y uno de los mejor conocidos en el mundo entero. Solamente su trabajo con el Trio da Paz ya sería suficiente para establecer su nombre pero, en la amplia carrera de Nilson, éste es solo la punta del iceberg.
Habiendo tocado con casi todos los que tienen un nombre en la música popular brasileña, Nilson tiene un vasto círculo de amigos musicales y una rica fuente de colaboradores con quienes contar cuando planifica un CD propio.
"Este proyecto" -dice Nilson- "representa un poco de toda mi vida musical y expresa mi gratitud hacia los artistas con quienes he compartido hasta ahora esta vida. He trabajado con todos los músicos que están en este CD, excepto uno, en grabaciones a lo largo de más de 30 años".
Walking With My Bass no es tanto una muestra espectacular del bajo de Nilson como sí de sus talentos para los arreglos. Este album de jazz brasileño, con Nilson tan bien acompañado, prodiga una variedad de estilos y rasgos musicales, además de bellos trabajos vocales y de expertos instrumentistas que conforman un grupo totalmente diverso, en el que se cuentan Rosa Passos, Joyce & Tutti Moreno, Ivan Lins, João Bosco y el siempre incomparable Filó Machado.
He aquí los temas
Naná: Un tratamiento de big-band para este clásico del jazz, con refinados solos a cargo de Claudio Roditi (trompeta) y Anne Drummond (flauta).
Samba Sem Você: Rosa Passos dando lo mejor de su talento jazzístico. Su impecable trabajo de división y de swing mantiene una conversación con el juguetón bajo de Nilson y la conducente percusión de Valtinho.
Take the A Train/Smile: Estas pistas representan las dos facetas del trabajo armónica-bajo-batería. La primera es juguetona y enérgica; la segunda, una meditación lírica.
Atlântida: Un modesto arreglo de voces, piano, guitarra, bajo y batería que brinda resultados pródigos. El scat de Ivan y el solo bajístico de Nilson sobresalen.
“Berimbau” es una exploración del bajo como instrumento melódico. Y por qué no, si tiene más cuerdas que un berimbau. "Here´s That Rainy Day" está dominado por el sutil piano de Kenny Barron.
I Only Have Eyes for You: Joyce (una de las pocas vocalistas brasileñas que puede hacerlo) canta en inglés y toca la guitarra. Tutti en la batería y Nilson en el bajo completan un arreglo íntimo.
Bossa for Copacabana: Compuesto por Nilson Matta, este instrumental pleno de swing presenta solos adorables a cargo de Helio Alves (piano) y Claudio Roditi (trompeta).
Perfume de Cebola: El sonido de Filó Machado es, como dicen en portugués, inconfundível. Aquí canta su propia melodía con letras de Cacaso, cuyo nombre fue curiosamente omitido en los créditos.
Jade: João Bosco sabe cómo imbuir de un fuerte sabor africano sus letras terrestres (“Luz talismã misterioso cubanacã/Delícia sensual de maçã/Saborosa manhã”), así como también lo hace en el arreglo de esta canción poderosa.
Night and Day: Este arreglo bulle. El saxo de Harry Allen y la flauta de Anne Drummond saltan y danzan mientras el bajo de Nilson y la percusión de Cro Baptista mantienen el ritmo funcionando.
Creek: Anne Drummond es la que conduce, con un virtuoso trabajo de flauta, y la asisten Helio Alves (piano), Vic Juris (guitarra) y Paulo Braga (batería).

Nilson Matta & Friends: Walking With My Bass
(Blue Toucan Music BT0120819; 2006) 67:32 min.

faixas
01. Nanã (Moacir Santos/Mário Telles)
02. Samba Sem Você (Rosa Passos/Fernando de Oliveira)
03. Take the A Train (Billy Strayhorn)
04. Atlântida (Ivan Lins/Celso Viáfora)
05. Berimbau (Baden Powel/Vinicius de Moraes)
06. I Only Have Eyes for You (Harry Warren/Al Dubin)
07. Bossa for Capacabana (Nilson Matta)
08. Perfume de Cebola (Filó Machado/Cacaso)
09. Smile (Charles Chaplin)
10. Jade (João Bosco)
11. Here’s That Rainy Day (Jimmy Van Heusen/Johnny Burke)
12. Night and Day (Cole Porter)
13. Creek (Vitor Assis Brasil)


traducido y adaptado por Carlos del texto hallado en:
http://daniellathompson.com/Texts/Reviews/Matta-Walking.htm

jueves 30 de abril de 2009

Mayra Andrade, "Navega" (2006).


Mayra Andrade nació en 1985 en Cuba, hija de padres caboverdianos. Creció en Cabo Verde pero ha vivido en Senegal, Angola, Alemania y por fin en Francia, aunque siempre guarda en su corazón el amor por Cabo Verde. Apasionada desde pequeña por la música, a los dieciséis años se presentó al concurso de canción de la Francofonía en Canadá y triunfó frente a varias decenas de candidatos, logrando así para Cabo Verde la primera medalla internacional de oro.
Después de recorrer varios festivales del mundo, regresó para grabar en 2006 su primer álbum: Navega (Sony-BMG). Con este trabajo, Mayra se impone como una de las promesas de la música de Cabo Verde, recogiendo el testigo de grandes voces de la isla como la de Cesaria Évora.
Así, sin dejar de beber de la cultura caboverdiana, Mayra Andrade impone su estilo único sobre el escenario. Su cálida voz y sus interpretaciones ricas en colores y ritmos hacen de Mayra una artista singular. Puede cambiar con una facilidad increíble de “morna” a “funana” y de “coladeira” a “batuque” añadiendo su toque personal en estilo jazz.

Lo que dice la prensa.
"Una de las voces más prometedoras de Cabo Verde que no pierde de paso su alma” (Vibrations)
"De una soltura vocal y escénica asombrosa, Mayra Andrade se afirma como una de las más prometedoras revelaciones de la música caboverdiana " (Le Monde)
"El Cabo Verde de Mayra se parece a una isla a sotavento, barrida por las olas que traen a su orilla efluvios cargados de jazz, soul, músicas africanas y brasileñas." (Les Inrockuptibles)
"Mayra Andrade, caricia de Cabo Verde" (Liberation)

La cantante caboverdiana Mayra Andrade está ultimando su esperado segundo disco, cuyo lanzamiento está previsto para abril de 2009.

texto tomado de:
http://www.bamwam.com/01_artistas/mayra.htm

Tracks
1. Dimocransa
2. Lapidu Na Bo
3. Mana
4. Tunuca
5. Comme S'il En Pleuvait
6. Nha Sibitchi
7. Lua
8. Navega
9. Poc Li Dente É Tcheu
10. Dispidida
11. Regasu
12. Nha Nobéza

domingo 26 de abril de 2009

Rodrigo Rodrigues, "Fake Standards" (2001).


Durante algunos años, la voz, la guitarra y las sensibles interpretaciones de Rodrigo Rodrigues fueron un tesoro prácticamente restringido al público paulistano. Tesoro que, ahora, comienza a dividirse entre todos, gracias al disco póstumo Fake Standards, en un lanzamiento de Dubas Música. Rodriguez murió hace unos años, el 6 de abril del 2005, el día en que cumplió los 44 años, víctima de leucemia; pero su arte permanece vivo en este álbum precioso y atemporal, en una coproducción de él mismo y del multiinstrumentista y arreglador Mario Manga, disco que estuvo listo ya en el 2001.
Precioso porque funciona como una cátedra de cómo recrear los clásicos de la canción americana pre-rock´n´roll, y atemporal por reunir un repertorio inmune a las modas, el mismo que en los últimos años ha sido banalizado por decenas de cantantes, con Rod Stewart al frente.
Con la excepción de Suzanne Vega (compositora del pop americano que fue un éxito en los años 90 con "Luka" y de quien aparece en este disco el tema "Caramel"), Rodrigues apela a los autores que ayudaron a escribir el cancionero de la primera mitad del siglo XX. Gente como Irving Berlin (“Let´s Face The Music and Dance”, “Isn´t It A Lovely Day” y “Change Partners”), Hoagy Carmichael” (“I Get Along Without You Very Well”), Richards Rodgers e Lorenz Hart (“My Funny Valentine”), David Raksin e Johnny Mercer (“Laura”) y Walter Donaldson & Gus Khan (“Love Me or Leave Me”).
Una instrumentación minimalista -las guitarras del cantante o de Mario Mango, y algunos vientos eventuales, como saxofón, clarinete y gaita, ejecutados por el propio Rodrigues- que realza a un intérprete preciso, con algo de João Gilberto, Joe Mooney y Chet Baker. Voz límpida, dicción perfecta, sin apelar a vibratos, Rodrigo Rodrigues saborea cada sílaba de las sabrosas letras. De “fake” (falsos, fraudulentos) estos standards no tienen nada. Rodrigo consigue dar una nueva lectura a canciones que ya han recibido grabaciones casi definitivas, de artistas como Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Frank Sinatra y Chet Baker.

FAKE STANDARDS
1. Let's Face the Music and Dance
2. Love Me Or Leave Me
3. Cry Me a River
4. September Song
5. I've Never Been in Love Before
6. Sweet Lorraine
7. Isn't This a Lovely Day
8. Caramel
9. Change Partners
10. It's Only a Papermoon
11. Moonlight in Vermont
12. I Get Along without You Very Well
13. Laura
14. My Funny Valentine

viernes 24 de abril de 2009

McCoy Tyner, "McCoy Tyner with Stanley Clarke and Al Foster" (2000).


Como lo declara el título, el pianista McCoy Tyner se empareja aquí con dos compañeros inspirados e inspiradores, que conforman una sección rítmica que posee un toque liviano y a la vez cantidades de energía. Mientras que por momentos había parecido que a Tyner le daría por dirigir él un trío, eso aquí nunca ocurre. En vez, el trío toca aquí sobre muchos de los cimientos post-bop habituales y lo hace con una vitalidad fresca.
La empatía es visible desde la apertura, "Trane-like", en la que el bajista Stanley Clarke y el baterista Al Foster crean un entorno rítmico pujante que hace que las teclas de McCoy suenen como piedras danzando a lo largo del agua. Esta centelleante interpretación se extiende hasta "Will You Still Be Mine?" y hasta la afrocubana "Carriba", mientras que el pianista hace una expansiva panorámica del blues en su "Goin´Way Blues", en la que combina abordajes tradicionales y modernistas. Clarke es igualmente competente, sea en su rol de acompañante o en el de solista, esté tocando acústico o eléctrico. Él usa reservadamente su bajo eléctrico, contribuyendo con un contagioso funky a la primera toma de "I Want to Tell You ´Bout That" y con una reverberante conducción a su otro original en el disco, "In the Tradition of", una melodiosa bossanova que recuerda a Antonio Carlos Jobim. Pero quizás sea Foster quien haga lo máximo para hacer tan lograda esta sesión. Su batería echa chispas, y él produce una musicalidad que levita sin resultar nunca intrusiva. Los resultados son profundos para la tradición del formato piano-trío, y es el mejor lanzamiento que Tyner ha tenido en muchos años en este formato.

adaptado de la reseña de Stuart Broomer

trax
01. Trane-Like
02. Once Upon A Time
03. Never Let Me Go
04. I Want To Tell You 'Bout That (Electric Bass Version)
05. Will You Still Be Mine
06. Goin' 'Way Blues
07. In The Tradition Of
08. The Night Has A Thousand Eyes
09. Carriba
10. Memories
11. I Want To Tell You 'Bout That (Acoustic Bass Version - Alternate Take)

jueves 23 de abril de 2009

Bob Brookmeyer - Bob Brookmeyer and Friends

Nacido en Kansas City, Missouri, en 1929, Robert Brookmeyer es uno de los escasos músicos de jazz que han elegido el trombón de pistones como instrumento en su carrera.

En 1952 se unió al grupo del saxofonista Stan Getz, donde empezó ser conocido. Un año más tarde ocupó el lugar del trompetista, Chet Baker en el famoso cuarteto de Gerry Mulligan y permaneció en él entre 1954 y 1957.

Tras una aparición en el festival de Newport de 1958, decidió trabajar de forma independiente con su propio nombre y grabó algunos discos, entre ellos, uno famoso con el pianista, Bill Evans. En 1963 se incorpora a un proyecto que daría jugosos momentos en la historia del jazz: la famosa bigband organizada por el saxo barítono, Gerry Mulligan conocida como "Concert Jazz Band".

En 1964 Brookmeyer convocó a algunos amigos para grabar un disco como líder. Stan Getz, viejo compañero de ruta, estaba en uno de los momentos más importantes de su carrera. Había regresado de Dinamarca y el disco Jazz Samba, grabado junto al guitarrista Charlie Bird, le había permitido recuperar popularidad, introduciendo, además, la bossa nova en estados Unidos. Ese mismo año grabaría su famoso disco junto a Joao Gilberto.

Elvin Jones, por su parte, formaba parte del Cuarteto de John Coltrane, que a fines de ese año grabaría A Love Supreme. Ron Carter y Herbie Hancock formaban parte del grupo de Miles Davis, que ese año se convertiría, con la incorporación de Shorter, en el segundo Quinteto. Junto a esos músicos grabó el trombonista Bob Brookmeyer su disco Bob Brookmeyer and Friends

A pesar del nivel de los músicos y del excelente momento que atravesaban todos, la primera jornada de grabación no los dejó satisfechos. Getz invitó entonces al joven vibrafonista Gary Burton, de 21 años, para que vaya al estudio al día siguiente a brindar "apoyo moral".

Burton cuenta su sorpresa ante la amigable bienvenida que le dió Brookmeyer cuando apareció sopresivamente con su vibráfono. El trombonista decidió cambiar algunos arreglos para incluirlo.

Jones, Carter y Hancock forman una base sólida que permite a Brookmeyer y Getz desarrollar su cretividad. La calidad de las interpretaciones y la química que existe entre ellos y Burton dieron como resultado este disco maravilloso, de tono relajado y romántico.

La edición original estaba formada por ocho temas, tres originales de Brookmeyer y cinco standards. Esta edición incluye tres temas decartados originalmente, entr ellos el bellísimo Pretty Woman, de Brookmeyer, y Day Dream, tema en el que participa el cantante Tony Bennet.

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miércoles 15 de abril de 2009

Miles Davis - Salle Playel

A fines de 1964, Miles Davis comenzó a darle forma al grupo que se conocería como el Segundo Quinteto. El primero había estado integrado por el saxofonista John Coltrane, el pianista Red Garland, el contrabajista Paul Chambers y el baterista Philly Joe Jones.

Cuando Coltrane abandonó el grupo, Davis comenzó a trabajar con distintos saxofonistas hasta que se encontró con Wayne Shorter. Este segundo quinteto, integrado por Shorter, Ron Carter en contrabajo, Herbie Hancock en piano y Tony Williams en batería tuvo una breve pero prolífica existencia, grabando junto a Davis discos fundamentales como E.S.P., Miles Smiles, Nefertirti y Filles de Killimanjaro.

Wayne Shorter es el centro creativo de la banda, y el trabajo de Miles es el de dirigir, arreglar y pulir. Escuchar los temas de Shorter grabados en sus discos solistas o por el Quinteto de Miles Davis, muestran la forma en la que Miles influía sobre los músicos y la música que tocaba su banda.

Esta grabación no oficial, es la última que existe del Quinteto, antes de su disolución. Fue realizada en París, el 6 de Noviembre de 1967 en Salle Playel. El reprtorio incluye originales de la banda como Agitation, Masqualero o Footprints y standards como 'Round About Midnight y I Fall In Love Too Easily. Que lo disfruten!

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miércoles 8 de abril de 2009

McCoy Tyner - Counterpoints

McCoy Tyner es uno de los favoritos de este blog. Carlos lo sabe, y por eso me alegra cada tanto, con alguno de sus discos.

En Julio de 1978, en el festival Live Under The Sky, que se llevó a cabo en Tokio, Japón, McCoy Tyner dividió en dos su presentación. Una parte él solo tocando el piano, la otra junto a Ron Carter en contrabajo y Tony Williams en batería. La grabación de ese concierto se publicó en dos discos, en los que esos sets están mezclados: Passion Dance, publicado en 1978, y Counterpoints, publicado en 2004.

Counterpoints abre con una composición de Tyner, The Greeting. Tyner y Carter sorprenden con sus solos y sus ideas, y la energía del Williams es impresionante. Un año antes de este concierto, el trío ya había grabado seis temas en el disco de Tyner Supertrios, donde habían probado su compatibilidad.

Prelude to a Kiss, de Duke Ellington, es el mejor momento de Counterpoints. Interpretado como un dueto de piano y contrabajo, comienza con unos acordes delicados de Tyner, que poco a poco se vuelve más extrovertido y experimental. Durante su solo, se pueden escuchar sus característicos riffs. En contraste, Carter toca de una forma mucho más clásica, en un estilo mucho mas orientado al bebop.

El disco se completa con dos temas del set de solo piano (Aisha y Sama Layuca) y un tema que nunca había sido editado en ningún otro disco, Iki Masho (Let's Go).

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jueves 2 de abril de 2009

Trío Los Chasquis - Musique Creole d'Equateur et du Perou

Justo en el momento en que la reunión plenaria de la Junta Directiva de Bienvenidos a la Monga! estaba discutiendo su despido por abandono de sus tareas, llegó una encomienda de Nestor, nuestro hombre en Francia.

Algunos de los miembros de la Junta, sucias sus conciencias por la infame acción que pretendían llevar a cabo, se echaron debajo de la mesa, suponiendo que podía tratarse de un atentado del futuro desempleado. Por supuesto que no se trataba de una bomba, si no de el disco que hoy les presento aquí.

El Trio Los Chasquis, que nada tiene que ver con Los Chaskis de Rodolfo Dalera, está formado por Queta Rivero, Santiago "Cato" Caballero y Ricardo Eyzaguirre, y editaron Musique Creole D'Equateur Et Du Perou (Música Criolla de Ecuador y Perú) en 1995 en Francia.

En Musique Creole..., el Trío Los Chasquis hace un recorrido por los estilos criollos más conocidos: el vals, la polca y la marinera peruanos y los ecuatorianos sanjuanito, tonada, pasillo, pasacalle y albazo. También incluyen dos festejos y un landó afroperuanos.

En punto de caramelo, el vals que abre el disco narra una fiesta a la que concurren los distintos ritmos del folclore peruano. A continuación, otro vals, el sentido y romántico Nuestro secreto. Otros temas que destacan dentro del repertorio peruano son la marinera limeña El Jilguero, el vals Lima de Octubre, la polca Labios rojos y el landó Azúcar de caña, que fuera incluído en una recopilación del sello de world music, Putumayo.

Parentesis: A los que disfruten de este disco les recomiendo darse una vuelta por La Pata Maldita, donde van a encontrar una magnífica colección de música criolla de Perú.

Del repertorio ecuatoriano vale la pena destacar el pasillo Añoranzas, el albazo Tu cariñito, el sanjuanito Pobre corazón y la tonada tradicional La naranja. Es notoria la influencia de la música indigena en algunos de los estilos ecuatorianos como el sanjuanito o la tonada.

Alguno puede señalar que entre los destacados nombré, más o menos, la mitad del disco, pero que quieren que haga si me gusta! La voz de Queta Rodríguez tiene una característica que remite a otro tiempo, como si nos llegara a través de una radio a válvula, directo desde la época de oro de la canción criolla, entre 1940 y 1960.

Gracias Néstor!

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domingo 29 de marzo de 2009

Varios - The Soul of Black Perú

El folclore peruano, riquísimo y variado, puede agruparse en tres grandes grupos definidos por las características geográficas: el folclore costeño, el andino y el amazónico. En la costa, más influida por la cultura española y más proclive al mestizaje, se combinan ritmos tradicionales europeos con ritmos de origen africano.

La mitad de la población de la Lima colonial estaba compuesta por esclavos negros, y la influencia de su cultura sobre la música criolla actual fue enorme. La zamacueca, por ejemplo, es un baile de origen afroperuano que dió origen a la marinera, que es hoy considerada la danza nacional del Perú.

Dice Wikipedia que la zamacueca es un estilo musical y baile limeño en el que se representa el asedio amoroso de una mujer por parte de un hombre. Proviene de la terminología de "zamba "clueca" en alusión a aquél asedio, similar al que efectúan los gallos a las gallinas. Esta terminología probablemente nace a partir de la conjunción y mestizaje de los bailes de los esclavos negros y los gitanos durante la inspirada afición que existía por la pelea de gallos en el Virreinato del Perú, sobre todo en Lima y la costa norte de Perú. De la zamacueca surgirían también la cueca chilena, la cueca cuyana, la zamba argentina y la cueca norteña o boliviana.

La comunidad negra tiene, además, ritmos que le son propios como el alcatraz, el festejo o el landó, que son comunes entre las comunidades negras de la costa sur del Perú. Esta música fue marginal durante muchos años, hasta que a mediados de los 60s, los creadores como Nicomedes y Victoria Santa Cruz y los interpretes como Abelardo Vázquez, formados por Porfirio Vázquez en la primera esuela de Folclore en Perú, comienzan a lograr difusión comercial para el género.

Afro Peruvian Classics - The Soul of Black Peru es una recopilación de la música negra de Perú seleccionada por David Byrne. Cuenta Susana Baca que el profesor de español de David Byrne, le hizo escuchar al es Talking Heads, como parte de una clase, la canción María Landó. Byrne quedó fascinado con la cantante y la canción, y contactó a Baca.

The Soul of Black Peru reune un excelente puñado de canciones entre las que destacan No me cumben, del legendario Nicomedes Santa Cruz, Prendeme la vela de Abelardo Vásquez, la potente Enciendete candela, de Roberto Rivas, la conmovedora Azúcar de caña, de Eva Ayllón, el Landó del fabuloso conjunto Perú Negro y el de Chabuca Granda, y el tema que le dio proyección internacional a Susana Baca, María Landó.

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jueves 26 de marzo de 2009

Salazar, González, Stagnaro, Casaverde - Cuatro guitarras

Esta es una de esas cosas maravillosas que uno se topa por casualidad en la red. La verdad es que excepto a Lucho González no conozco a los otros músicos.

Víctor Salazar, Lucho González, Ramón Stagnaro y Félix Casaverde son considerados los mejores guitarristas peruanos de la actualidad, según pude leer en algunos sitios dedicados a la música peruana. En este disco se reúnen para interpretar algunos valses criollos peruanos clásicos, de autores como Manuel Acosta Ojeda, Victoria y Nicómedes Santa Cruz y Pablo Casa Padilla.

Aunque creo que nadie extrañaría, si no estuvieran allí, los arreglos de cuerdas que suenan de fondo en algunos temas, eso no alcanza para empañar las magníficas interpretaciones de estas cuatro guitarras. Lamentablemente no cuento con información que permita individualizar a los interpretes e indique quien interviene en cada pieza.

Puedo decirles, sin embargo, que no se pueden perder canciones como Rosa Luz, En un atardecer y Lima dominguera. Que lo disfrutes!

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martes 24 de marzo de 2009

Varios - Guitarristas

Hace ya un tiempo, Horacio, viejo amigo del blog me envió la esta excelente recopilación de guitarristas argentinos realizada en los 1988 por el sello Melopea. El cassette reune piezas interpretadas por distintos artistas editados por el sello y nunca fue reeditado en CD.

En los temas interpretados por Ricardo Lew, Lito Epumer y Mingui Ingaramo se pueden reconocer la influencia de Pat Metheny y el Miles Davis de discos como Amandla, sonidos que marcaron la etapa del Jazz Fusión. Las guitarras no quieren llorar, de Lito Nebbia, comparte ese sonido, sin embargo al impronta de Nebbia como compositor es claramente reconocible dentro de la recopilación.

Gotas de Néctar, de Quique Sinesi, es una bellísima composición "llena de climas y sonidos sensibles", dice el sobre interno del cassette. Luis Borda, Hugo Romero y Lucho Gonzáles se inclinan hacia los ritmos autóctonos, aunque claro, fuera de las formas tradicionales.

Coincido con Horacio en decir que es Improvisación por marineras, de Lucho González, el tema más lindo dentro de una recopilación que no tiene desperdicio. Afirma Horacio: "Se la recomendaría a todos los amigos!"

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domingo 22 de marzo de 2009

Dino Saluzzi - Bermejo

Cuando pensé Bienvenidos a la Monga! lo imaginé como una manera efectiva de compartir música con algunos amigos con los que por distintas razones, ya no nos resultaba tan fácil sentarnos en la misma habitación y escuchar un disco tras otro, como lo hacíamos años atrás.

Hoy, el blog a dejado muy atrás esa idea, y se ha convertido en algo que jamás había soñado. La idea de compartir música que casi no tiene difusión comercial, o que directamente ha sido descatalogada, generó una respuesta maravillosa que nos permitió tener el honor de sacar a la luz documentos como los recitales del Cuchi junto al Dúo Salteño y a Patricio Jiménez o las fabulósas grabaciones de Oscar Alemán junto a Gastón Bueno Lobo en Les Loups.

Claro que es algo en lo que no estamos solos. Hubo blogs como Incunables, Los inconseguibles del Rock Nacional, El blog de Carlos y otros que fueron los que iniciaron una movida que se fue gestando junto a otra gente y otros blogs como Los que no se consiguen, Ao Passarinho, Canto nuevo, La pata Maldita, Voces de la Patria Grande y otros compañeros de ruta en donde encontramos tantas cosas que nos sorprenden y deleitan.

Ayer recibí un mail de Marcelo, que desde otra ciudad me ofrecía enviarme su cassette original de Bermejo, de Dino Saluzzi para que lo digitalice y lo publique. Por una de esas casualidades yo me había encontrado con este material hace un par de semanas (bueno, no por casualidad, si no porque lo estaba buscando) y estaba esperando el momento para publicarlo.

Y digo que estaba esperando el momento porque siento que publicandolo ahora los mal acostumbro, y que va a ser imposible mantener el blog con nivel de esta semana. Ojalá aparezcan más sorpresas hermosas como esta!

"Tengo un cassete de Saluzzi del año 80 donde se empieza a ver lo que luego serán los discos Vivencias I y II", dice Marcelo. "El disco se llama Bermejo y tiene algunos clásicos ( El condor pasa, De mis pagos) y algunos propios ( Bermejo, Candombe del tío José y otros)."

"Recuerdo que la primera vez que lo escuché, en el año '81, y me partió el bocho. Yo venía del palo del rock, y encontrar ese disco me abrió la cabeza para empezar a escuchar, entre otras cosas, folclore."

Bermejo es un disco influido por el Jazz Rock que reinaba a fines de los 70's. Como dice Marcelo, anticipa los cambios que vendrían en la música de Saluzzi. Y es que Bermejo, así como anticipa Vivencias, es un lógico paso luego de Dedicatoria, el disco donde se hace notoria la ruptura de Saluzzi con las formas tradicionales.

Acompañado por Bernardo Baraj en saxo, Pocho Lapouble en batería, Matías González en bajo, Rubén Rada en percusión, Juan Barrueco en guitarra, Ricardo Sanz en bajo en Puna y Soledad, El cóndor pasa y De mis pagos y el Cuarteto Zupay y Patricia Saluzzi en coros, Dino Saluzzi grabó este discazo donde se lo puede escuchar cantando.

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viernes 20 de marzo de 2009

Kelo Palacios - Para Sudamérica

Hace unos días, después de publicar el bellísimo disco Tiempo de Kelo Palacios, encontré en mi mail un mensaje que me dejó sin palabras.

"Eduardo Arolas", ese es el seudónimo de nuestro amigo, me volvió a sorprender con un regalo maravilloso. Como si hubiera sido poco con las grabaciones de Les Loups, el primer grupo de Oscar Alemán, Eduardo quiso compartir con nosotros Para Sudamérica, el otro disco de Kelo Palacios.

Dice Eduardo: "Respecto al Kelo Palacios, guitarrista, percusionista y arreglador de cuanto folclorista quería un acompañamiento de lujo, llega por 1º vez al disco con ese material (Tiempo de Kelo Palacios). A mi gusto (lo que no es medida de nada) uno de los 2 o 3 mejores L.P.s de la década"

"Leí su comentario sobre otro disco del que sabe solo el nombre: Kelo Palacios para Sudamérica. Este archivo está digitalizado del disco original, que tengo en mi poder. Por un compromiso de amistad y de pelear juntos por el tango y el folclore te aviso que sale también para mi " hermano" Martín y sus Voces de la Patria Grande."

En Para Sudamérica, Kelo Palacios toca en guitarra y charango, un repertorio que va desde Balderrama, de Leguizamón y Castilla, hasta Chiquilín de Bachín, de Piazzolla y Ferrer, pasando por temas propios como el bellísimo Tema para Malena o el que le da título al disco. Palacios también ejecuta el clásico, bastante reciente en ese entonces, El cóndor pasa, del grupo Los Incas, antecesor directo de Urubamba.

Eduardo se tomó, además, el trabajo de copiar la ficha completa del disco y de escanear la tapa, que yo no supe unir, motivo por el cuál puse esta otra imagen que corresponde a una reedición posterior.

Grabado en febrero, marzo y abril de 1976, Kelo Palacios comparte arreglos y dirección con Juan Carlos Cuacci y músicos como Oscar Alem, Luis Ferreyra, Alberto Alcalá, Rodolfo Mederos, Carlos Goldeberg, "Nene" Giménez, Amadeo Monges, Fernando Suárez Paz, Ricardo Domínguez, Carlos Marrodán, Chango Farías Gómez y su hijo Ángel Luis Palacios.

Mientras Eduardo promete más material de primera, se está formando, aquí en Bienvenidos a la Monga, una Comisión Pro Monumento a "Eduardo Arolas". Gracias Eduardo!

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jueves 19 de marzo de 2009

Dúo Salteño y Cuchi Leguizamón - En vivo

El 13 de diciembre del año pasado recibí un mensaje de Felipe, un visitante del blog, contándome que poseía un cassette con una grabación obtenida durante concierto del Dúo Salteño en el que también participó el Cuchi Leguizamón.

Luego de varios mails, logré encontrarme con Felipe, que vive en otra ciudad. Generosamente, y a pesar de ser practicamente un desconocido, Felipe me prestó el cassette que había que digitalizar para poder subirlo al blog. Mis amigos Nicolás y Julián, poseedores de la tecnología necesaria, hicieron ese trabajo.

Después, fue la insistencia del Capitán Beto la que no me dejó aflojar y me obligó buscar y aprender a manejar un programa que me permitió separar en tracks la grabación. Hoy, por fin, el contenido del famoso cassette de Felipe está listo para compartirlo con todos ustedes.

"Debe estar grabado en 1981", asegura Felipe acerca de este concierto del Dúo Salteño. El archivo, incluye trece temas grabados "en un boliche de Córdoba".

En los últimos cinco temas participa, tocando el piano, Gustavo "Cuchi" Leguizamón. "No sé si era algo preparado y frecuente, pero Cuchi comienza tocando una chacarera, se equivoca, y uno de los dos le grita: que la toque de nuevo, hasta que la aprenda" describe Felipe el comienzo de El hombre del ají, último tema del archivo.

La calidad del audio es bastante buena pero se escucha un poco de soplido de la cinta. Si algún voluntario se ofrece a mejorarlo, yo pongo a su disposición el audio sin comprimir.

Para ilustrar el post, estuve buscando una foto aparecida hace unos años en la revista Ñ, que mostraba a los integrantes del Dúo junto al Cuchi en un camarín, en los momentos previos a un concierto. Lamentablemente no pude encontrar la revista, perdida en alguna mudanza. Después de mucho buscar, encontré finalmente la foto que ven más abajo y que tomé prestada del sitio del Dúo en My Space.

Agradeciendo a Julián y a Nicolás, al Capitán Beto y a Cuaresmillo, webmaster del blog del Dúo, pero sobre todo a Felipe, Bienvenidos a la Monga se enorgullece en presentar una nueva grabación inédita del maravilloso Dúo Salteño junto al Cuchi Leguizamón.

Que lo disfruten!

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martes 17 de marzo de 2009

Dino Saluzzi - Bandoneón tierra adentro Vol.2

La primera vez que escuché a Saluzzi, fue en el maravilloso film Saluzzi, ensayo para bandoneón y tres hermanos, de Daniel Rosenfeld. Me cautivaron tanto el protagonista y su música como el film en sí mismo, y ese fue el punto de partida para comenzar a investigar en la obra del bandoneonista salteño.

La discografía de Saluzzi es extensa y abarca tres etapas: una primera etapa de música folclorica, de la cual sólo es posible conseguir una o dos recopilaciones; una segunda etapa (1978-1984) donde sin abandonar el repertorio folclórico se inclina hacia el jazz rock, a la que es posible acceder a través de Vivencias I y II, editados por el diario Página/12; y su etapa europea, tal vez la de más difícil acceso musicalmente, pero la más probable de encontrar en las disquerías.

Bienvenidos a la Monga ya publicó el lindísimo Bandoneón tierra adentro y hoy me enorgullezco en presentar Bandoneón tierra adentro Volumen 2, lanzado en 1975 y no disponible en la red hasta la fecha.

El sitio El Tangauta publicó un interesante reportaje al músico, del cuál extraigo algunos fragmentos.

¿Cómo es Campo Santo, su lugar de origen en la provincia de Salta? Creo que es el mejor lugar en el mundo. Es un pueblito, con casas derruidas y muchas dificultades para vivir. Antes había tres fuentes de trabajo: la fábrica de azúcar, la fábrica de cemento pórtland y una plantación de olivares. Todo eso desapareció y recién ahora comienza a reconstruirse en parte. Se puede imaginar cómo es la vida en un lugar donde no hay nada que hacer…

¿Cuándo decidió irse a vivir a Alemania? Entre los años 1980 y 1981. Desde hacía tiempo tenía intenciones de irme porque acá no se podía vivir. Aún le agradezco al gallego del almacén de mi barrio parte de mi subsistencia, el tipo me aguantaba… Alberto. Todavía sigue siendo vecino. En la época que mencioné visitó Buenos Aires el presidente de un importante Festival de Jazz europeo, recorrió toda Latinoamérica e invitó a gente de Perú, Bolivia, Brasil, Chile y me invitó a mí por Buenos Aires. Fue una elección mía apoyada por la fortuna, pude conocer otras realidades y sobre todo entender que yo era músico, que estaba lo suficientemente preparado. Muy poco tiempo antes vendía aerosoles en los ómnibus, pero nunca dejé de estudiar, amaba el bandoneón como lo amo ahora, un instrumento muy difícil, para tocarlo bien se necesitan muchas horas de ejercicios, de prácticas, crear la bibliografía necesaria para evolucionar en la técnica del instrumento, porque con el tango se adquiere una especie de amaneramiento de tocar y ahí se detiene la evolución del bandoneón.

¿Por qué el tango detiene la evolución del bandoneón? El bandoneón está preso del tango. La Orquesta Típica tenía cuatro bandoneones. Se los denominaba bandoneón A y bandoneón B y después tercero y cuarto. Ahí no había rotación de solistas, el músico quedaba para siempre en ese puesto, siendo bandoneón de apoyo de un solo solista. Eso para mí fue una equivocación porque no ayudó o no impulsó la posibilidad concreta de evolucionar del resto. En una orquesta sinfónica seria hay seis ‘concertinos’ por lo menos. O sea que cada uno ocupa un lugar importante. Entonces el aprendizaje, y por ende la evolución, estaban vedados para nosotros. Lo mismo sucede cuando se dice “Gardel cada día canta mejor”, eso trabó la evolución de los cantantes que lo sucedieron, una cosa bastante cruel. Por supuesto que Gardel canta bien, pero hay otros que cantan también muy bien. Uniformar el gusto me parece poco prudente y de no muy buen tino.

¿Qué relación encuentra entre el tango y el folclore? La otra vez hice una prueba en una de las funciones del Tasso: se me ocurrió una melodía e improvisé un poco. Primero la toqué con forma de tango y luego con forma de zamba. Creo que la gente percibió las dos formas distintas, pero al final es música de acá, en los giros armónicos y melódicos se nota que hay una argentinidad visible. Entonces pienso, en mi locura, que las dos son maneras de expresar un solo sentir, el sentir argentino. No creo en la dicotomía. Creo que el folclore, el verdadero folclore, todavía no está gestado. Está gestada la costumbre, una especie de hábito, pero aquellas cosas que serían el arte de las provincias, que son bien parecidas al tango, como la zamba, aún no han encontrado verdadera expresión. Lo demás es una postura separatista.

¿Puede un músico hacer tango y folclore? Se puede, pero tenés que conocerlos. ¿Conocer las dos cosas es un doble trabajo? ¿O es una fortuna vivir los dos ámbitos? La pregunta más importante es ¿cuál es el destino que tienen dos cosas que están separadas pero son en definitiva los polos de un mismo elemento? No hay una verdadera oposición. Esto lo digo por primera vez. Pero sí hay un descuido en la investigación de todo el repertorio de lo que significa la música argentina, y de ahí, por qué no, se pueden fusionar las dos cosas, en lugar de fusionar el tango con la música electrónica. Sólo que hay trabajar y estudiar más, para no hacer un mensaje pseudo artístico.

¿Cómo fue la composición de Bandoneón tierra adentro, uno de los discos fundacionales de su carrera? Era inconsciente, ahí se nota mucho la inocencia, y por eso es que hasta ahora sigue vigente. Con los demás músicos ni sabíamos qué íbamos a grabar y arrancamos con cualquier cosa. Todas las canciones guardan para mí un recuerdo muy querido, tengo deseos de grabarlo de nuevo. La gente necesita reconocerse en sus propias cosas, si no hay desorientación.

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domingo 15 de marzo de 2009

Kelo Palacios - Tiempo de Kelo Palacios

Kelo Palacios es un músico, compositor, docente y arreglador argentino. Hijo de la cantante catamarqueña Margarita Palacios, comenzó tocando el bombo y bailando en el conjunto de su madre, y más tarde la guitarra y el charango.

Como músico tocó junto a Eduardo Lagos, Hugo Díaz, Gato Barbieri, Armando Tejada Gómez, Los Arroyeños, Ariel Ramírez y Jaime Torres. Como arreglador y director de conjuntos se destaca su trabajo junto a Rodolfo Dalera y Los Chaskis.

La información disponible sobre Kelo Palacios es bastante poca y es muy difícil rastrear su discografía solista. Existe un disco llamado Para Sudamérica, que no he podido escuchar y el que hoy presentamos aquí, que fue rescatado y publicado por Danito en su fantástico blog Los que no se consiguen. A él le agradezco la gentileza de permitirme publicarlo aquí, pero sobre todo, le agradezco el trabajo que hace en Los que no se consiguen.

Con un repertorio de temas propios y ajenos, Kelo Palacios grabó Tiempo de Kelo Palacios en 1972, acompañado por amigos como Hugo Diaz en armónica, Domingo Cura en percusión, Eduardo Lagos en piano, Dino Saluzzi en bandoneón y Oscar Alem en bajo.

El archivo incluye un escaneo de la cubierta del disco, con un texto de Eduardo Lagos.

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sábado 14 de marzo de 2009

Hugo Díaz - Jazz

Hugo Díaz nació en Santiago del Estero, Argentina, el 10 de agosto de 1927. Cuando tenía 5 años una pelota lo golpeó en los ojos y lo dejó ciego hasta que 14 meses después recuperó la vista gracias a una operación. Fue durante ese período que comenzó a tocar la armónica, convirtiéndose en un niño prodigio: debutó en la radio de Santiago, en 1936, e integró la primera orquesta folclórica creada por el Consejo de Educación de Santiago del Estero.

Su pasión por la música no conoció límites de género: interpretó con igual maestría música de raíz folclórica, tango y jazz. De manera autodidacta aprendió también a tocar el contrabajo, que tocaba en una banda de jazz, el violín y el piano. En 1946, debutó en Buenos Aires como solista y en 1949 formó su primer conjunto, "Hugo Diaz y sus Changos", integrado por su esposa Victoria Cura como cantante; su cuñado, el percusionista Domingo Cura; y los guitarristas José Jerez, Julio Carrizo y Nelson Murúa.

Logró reconocimiento internacional y en sus viajes a Europa y Estados Unidos, tuvo ocasión de tocar con Luis Armstrong y Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Sara Vaughan y Jean Toots Thielemann. En Argentina, compartió escenario, compuso y grabó con los músicos y poetas más importantes de la cultura popular.

Su trabajo discográfico casi no ha sido reeditado en Argentina, y sólo gracias a los ripeos que circulan en la web es posible acceder a mucha de su música. Esos archivos en MP3 carecen de cualquier información acerca de la grabación o de los músicos que en ella perticiparon. Agradecería, por lo tanto, que algún amable lector aporte los nombres de los músicos que lo acompañan en esta sesión maravillosa.

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jueves 12 de marzo de 2009

Hernán Oliva - El violín del jazz

Descubrí la música de Hernán Oliva, como tantas otra música, en el Blog de Carlos. El violín del jazz es un discazo, y al publicarlo hoy aquí vuelvo a agraderceles a Carlos y a Horacio, que fue quien aportó el disco, el haberme permitido conocerlo. A continuación reproduzco el el conmovedor artículo que acompañaba el post de Carlos y Horacio y que fue escrito por Ricardo Espinosa para mundoclascico.com.

Hernán Oliva, tocando para la vida y la muerte.

Ese hombre bajo y regordete ha sentado su violín en la vereda. Carga 74 años en las ojeras y pasea la música por las calles, esperando que alguna mano le arroje unas monedas. Ha transitado la noche sin suerte. Ya casi nadie lo recuerda. El frío ha comenzado peligrosamente a perforarle los remiendos del alma. Es de madrugada. Está en el barrio de La Boca, a dos metros de La Bombonera, cuando el bastón se quiebra, el violín cae y destapa Polvo de estrellas en las nieblas del Riachuelo. Es 17 de junio de 1988. Hernán Oliva se acuna ya en el silencio para siempre.

'Mi vida es simple y la puedo resumir así: yo, el violín y el violinista'. Bastó que el adolescente Oliva escuchara un disco del gran Joe Venuti para que supiera cuál era su camino. Había visto la luz en Valparaíso (Chile) el 4 de julio de 1913. 'Mi madre Laura era una mujer chapada a la antigua y se dedicaba a las tareas de la casa. Aníbal, mi padre, era corredor de bolsa y aficionado a los burros. Pero la vocación me la fomentó mi mamá, a quien le gustaba la música. El primer juguete que tuve fue un violín chiquitito; supongo que ahí empezó todo. Recuerdo que lo salvé de un incendio cuando se quemó nuestra casa'.

A trompadas

El 24 de abril de 1935 llega a Mendoza. Se ofrece en Radio Cuyo como intérprete de jazz, pero le piden que toque un tango que, sin saberlo, pintará su destino. Con Alma de bohemio consigue su primer trabajo. Recala luego en Buenos Aires y la orquesta de René Cóspito lo convoca. 1940. En la boîte Chaumière abraza su violín al piano del Mono Villegas. 'El para mí fue una escuela. Si uno no aprendía con Enrique Villegas, no aprendía más'. Con Oscar Alemán la historia termina mal. 'Estuve un tiempo en su orquesta, pero no lo aguanté. El embolsaba 6 mil pesos y nosotros $400. No podía ser. Nos agarramos a trompadas una noche en Punta del Este porque se le ocurrió decir ante el público que él era lo más genial de la orquesta'.

1958. Se trepa a un barco que va a Nueva York. 'Me hubiera gustado ir con más frecuencia a Estados Unidos, pero nunca viviría allí. Los norteamericanos viven para ellos, es otra cosa, otra vida. Yo prefiero esto, lógico'. En los carnavales del club Independiente conoce a Sara, su esposa. Tienen tres hijos. 'Siempre me he ganado el peso tocando el violín. Mi vida económica no ha sido muy buena, qué le vamos a hacer. Para mí la música representa una válvula de escape. Me gustaría llegar a tocar muy bien, aún me falta mucho. El violín requiere práctica constante porque la gente está esperando que uno se equivoque y no voy a darle con el gusto. El mayor estímulo cuando toco, es que la gente me escuche, que no hable. Cuando toco no pienso en nada ni en nadie, pienso que las notas tienen que salir al aire con ideas nuevas. Un tema se desarrolla como un pescado o un pollo: hay que alimentarlo de una forma o de otra hasta que madure'.

Una sola pasión

En Holanda sostienen que Oliva es el mayor violinista de jazz del mundo. Boliches de la calle Corrientes, el Viejo almacén, la Richmond, Jazz & Pop conocen de la magia sobre las cuatro cuerdas. El tango es un sentimiento que se sacude en Malena, El entrerriano, Amurado, Silbando... Mito García lo acompaña en piano. 'Pero todavía no me siento identificado con el tango. No se puede tener dos pasiones a la vez. Soy músico de jazz y al jazz he consagrado mi vida y trato de tocarlo lo mejor posible'.

Los discos le dejan gratos elogios, pero Hernán tiene alma de bohemio. 'Salgo temprano a visitar los boliches para preguntar a los dueños si a la noche va a haber trabajo. Yo solito me procuro el trabajo y me ayudo a conseguir un peso más. Todos los días lo mismo. El drama mayor de mi vida no es el dinero, sino la falta de trabajo. Con trabajo se tiene dinero, lógico... En este país realmente no reconocen a nadie'. Una vez más, Hernán ha salido a encontrar la esperanza en cada calle. Esa madrugada de junio, su violín tocará para la muerte. Al día siguiente, los diarios lo buscarán en el olvido. Pero será demasiado tarde.

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lunes 9 de marzo de 2009

Oscar Alemán - Les Loups

Hace unos días recibí un mail que me produjo una gran alegría. "Eduardo Arolas", un lector del blog, quizo compartir con todos este maravilloso archivo que recopila las grabaciones que Oscar Alemán y Gastón Bueno Lobo realizaron bajo el nombre de Les Loups.

Se trata de las primeras grabaciones de Oscar Alemán y hasta ahora no estaban disponibles en la web! Generoso, Eduardo incluyó en el archivo, un texto con información acerca de Alemán. La información ha sido recogida de la web, pero no figura la fuente. A continuación, reproduzco algunos fragmentos.

Excepcional guitarrista chaqueño, nacido en Resistencia el 20 de febrero de 1909. Su padre, Jorge Alemán Moreira, era guitarrista folklórico, integrante de un grupo familiar, el Sexteto Moreira. En 1915 decidió intentar la aventura de Buenos Aires, con su esposa y sus hijos; comenzó con suerte, consiguiendo un modesto contrato para presentarse en los escenarios del viejo Luna Park, en Corrientes y Carlos Pellegrini, en el Teatro Nuevo y en el célebre Parque Japonés de Retiro. El pequeño Oscar zapateaba malambo y hacía algunas acrobacias. Poco duró el trabajo, y Jorge Alemán fue a probar suerte como comerciante y artista en Brasil, acompañado por sus hijos. Las desgracias se sucedieron: los negocios fracasaron y las actuaciones artísticas apenas alcanzaban para subsistir. La madre de Oscar que había quedado en Buenos Aires, murió, el padre enloqueció y se suicidó, y los hermanos se separaron.

Con poco más de diez años, Oscar quedó solo en las calles de Santos. Allí pasó todas las penurias imaginables, incluyendo el hambre, cuya consecuencia fue el raquitismo que afectó su salud para toda la vida. Bailaba a cambio de unas monedas o un poco de comida hasta que aprendió a tocar el cavaquinho, la pequeña guitarra de cuatro cuerdas característica del Brasil. En forma totalmente intuitiva se transformó en un verdadero virtuoso del instrumento. Formó el dúo Los Lobos, con el guitarrista Gastón Bueno Lobo, con quien regresó a Buenos Aires en 1925, ya con cierto renombre, contratado por la compañía del actor cómico Pablo Palitos, quien afrancesó el nombre del dúo a Les Loups.

Con la compañía de Palitos debutaron en el Teatro Casino, y luego actuaron en el Chantecler, el Tabarís y otros escenarios. Oscar alternaba el cavaquinho, el ukelele, la guitarra y el contrabajo, sin olvidar instrumentos de percusión como el pandeiro, las maracas, los bongós y la batería. Cantaba en castellano, portugués y francés. Bailaba la rumba y otros ritmos tropicales. Para muchos fue el primer gran showman del país, mucho antes de que se utilizara el término.

Los Lobos también fueron atraidos por el ambiente tanguero de Buenos Aires. Con el excepcional violinista Elvino Vardaro conformaron el Trío Víctor. Alemán compuso el tango "Guitarra que Llora", con letra de Enrique Cadícamo (que estrenó Agustín Magaldi ,acompañado por el propio Oscar en una revolucionaria versión en la que utilizó una guitarra hawaiiana); actuó en radio, coincidiendo en algún programa con Carlos Gardel, y apareció fugazmente en una revista de Enrique Santos Discépolo. Grabó algunos discos para RCA Víctor, como solista e integrando Los Lobos, con música brasileña, fox trots, valses y tangos.

En 1929 Los Lobos compartieron un espectáculo con el bailarín de tap Harry Fleming, que los sumó a su conjunto para una gira por Europa. Actuaron en las principales ciudades de España, y luego siguieron por Grecia, Italia, Alemania, Holanda y Portugal. Concluido el contrato con Fleming, Oscar y Bueno Lobo retornaron a España para una nueva gira, que incluyó además presentaciones en Londres y París. Al regresar a Madrid, Bueno Lobo enfermó y regresó a Brasil, donde se suicidó poco tiempo después. Alemán, afectado por la muerte inesperada de su mentor comentó "Se me han muerto dos padres".

Alemán siguió su carrera en Europa, alternando Madrid y París. Se presentó como solista en el Casino de la capital francesa, donde coincidió nuevamente en algunas actuaciones con Carlos Gardel. En 1932 tuvo su gran oportunidad cuando fue contratado por Josephine Baker, en ese entonces auténtica reina del espectáculo europeo, con quien recorrió prácticamente toda Europa.

Desde su llegada a París comenzó a frecuentar el Hot Club de Francia, donde conoció y probablemente acompañó a dos gigantes del Jazz: Louis Armstrong y Duke Ellington, debiendo rechazar por su contrato con Josephine Baker una oferta de este último para sumarse a su orquesta. En el Hot Club se convirtió en el gran amigo de Django Reinhardt. No tocaron juntos "oficialmente", pero cuentan que eran frecuentes sus escapadas a locales de escasa categoría donde Oscar se vestía de gitano para formar un dúo con Django, o se disfrazaba de indio para presentarse como "El Indio y el Gitano".

La influencia del Quinteto del Hot Club parisino se reflejó en el quinteto que formó a su regreso a Buenos Aires, para el que convocó al extraordinario violinista chileno Hernán Oliva, Dario Quaglia en segunda guitarra, Andrés Álvarez en bajo y Ramón Caravaca en batería. En 1943 el grupo se modificó casi por completo, convirtiéndose en un sexteto. Con cambios de pianista esta agrupación grabó más de cuarenta temas hasta 1947.

Durante unos años Oscar Alemán no grabó, ocupado con actuaciones en teatros y en las confiterías Richmond y Adlon. En 1971 reapareció triunfalmente en un recital en el que lo acompañaron sus alumnos. Registró a continuación dos LP magistrales para el sello Redondel. El primero fue "Alemán '72"; en Julio de 1973 registró con el clarinetista Jorge Anders el disco "Oscar Alemán con Jorge Anders y su Orquesta". Su último LP fue "Sí... Otra Vez!", con el swing que lo caracterizó siempre plenamente vigente a sus setenta años, pese a los problemas de salud que lo aquejaron desde los duros años de su infancia. Falleció al año siguiente, el 14 de octubre de 1980.

En este muy documentado blog dedicado a Oscar Alemán, pueden encontrar mucha información sobre el guitarrista.

Señoras y señores, por primera vez en la web, Les Loups!
Gracias Eduardo!!!!

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martes 3 de marzo de 2009

Wes Montgomery - Beginnings

Wes Montgomery nació en Indianápolis el 6 de Marzo de 1925. Como muchos otros guitarristas de su generación, decidió empezar a tocar influenciado por Charlie Christian. Wes, sin embargo, desarrolla una tecnica propia, tocando con el pulgar, en lugar de tocar con púa como Christian. Esa forma de tocar, le da un sonido particular, personal, que se convierte en una marca registrada y una influencia enorme sobre todos los que vinieron después.

Como su familia es muy pobre, él y sus hermanos comienzan a tocar para ganar dinero para ayudar a sus padres. Los Montgomery Brothers serán, más adelante, grandes instrumentistas, por eso sorprende saber que cuando empezaron a tocar dejaron librado a la suerte cual de ellos tocaría cada intrumento. Wes graba su primer LP solista, el impresionante Fingerpickin’, en el año 1957. Pero el gran salto lo pega cuando conoce, en 1959, al saxofonista Cannonball Adderley. Este le consigue una audición en el sello Riverside, donde graba A dinamic new sound. Este disco, de gran exito entre la crítica, lo convierte en el guitarrista del momento, y toca con todos los grandes músicos: Adderley, Milt Jackson, John Coltrane, entre otros.

Entonces, en 1960, graba el disco que lo consagra definitivamente: The Incredible Jazz Guitar Of Wes Montgomery es un éxito no sólo en críticas, si no también en ventas. El éxito obtenido le permite volver a tocar con sus hermanos y grabar tres discos como "The Montgomery Brothers".

Tras la muerte de Bill Grauer, presidente del sello Riverside, Wes firma con Verve. Allí grabaría entre otros discos, Goin' Out Of My Head, que aunque no se encuentra entre los mejores del guitarrista, le permitió ganar un premio Grammy en 1965. En mayo de 1968 grabó Road Song, que fue publicado tras su muerte por un ataque al corazón, el 15 de junio de 1968, cuando tenía sólo 45 años.

Esta recopilación, que gentilmente nos envió Braulio, recoge grabaciones hechas entre 1957 y 1959, antes de su descubrimiento por Cannonball Adderley. Las grabaciones pertenecen a distintas sesiones de los inicios de Montgomery, y por lo tanto con distintos acompañantes. Entre los músicos que tocan, además de sus hermanos Buddy y Monk, se puede destacar a Freddie Hubbard y Harold Land.

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lunes 2 de marzo de 2009

Clifford Brown & Max Roach - Study in Brown

Cuenta el artículo que Apolo y Baco publica en sus Biografías del Jazz, que Clifford Brown, nació el 30 de octubre de 1930 y a los 22 años ya era una estrella de la trompeta y había trabajado con Tadd Dameron, Art Blakey y Lionel Hampton. Con el vibrafonista, realizó incluso una gira europea de la que afortunadamente quedan testimonios discográficos.

A los 23 años realizó las primeras grabaciones a su nombre (especialmente significativa, fue el tema: Easy Living, para el sello, Blue Note y al año siguiente ya estaba en la formación que le dio fama y prestigio en el mundo del jazz: el quinteto que formó con el batería, Max Roach.

Era el año 1954, y ese quinteto que ambos músicos pusieron en marcha, y que duró hasta la trágica muerte en accidente de trafico del trompetista el 28 de junio de 1964, fue uno de los puntales imprescindibles del hardbop, un estilo que nacía cómo consecuencia de la recapitulación del bebop y la necesidad de recuperar las raíces del jazz, en cierta forma amaneradas por determinados instrumentistas blancos arropados bajo la formula del cool en la Costa Oeste de los EE.UU. La impresión que causó ese quinteto fue extraordinariamente positiva. Las primeras grabaciones para el sello: Emarcy, se hicieron el 2 de agosto de 1954 y las ultimas el 17 de febrero de 1956.

El Hard Bop nació en los años 50's, cuando muchos músicos negros sintieron que los blancos se habían apoderado de su música, que el bebop se había vuelto comercial y un tanto standarizado, como ya había ocurrido con el swing. Fue otra vez Miles Davis, con su Miles Davis Quintet (John Coltrane, Cannonball Adderley, Red Garland, Philly Joe Jones, Paul Chambers) el que dió el puntapié inicial. Pero el Hard Bop toma forma definitiva con la creación de los Jazz Messengers de Art Blakey y de los quintetos de Horace Silver y el de Clifford Brown - Max Roach.

El quinteto, además de Clifford Brown en trompeta y Max Roach en batería, contaba con Harold Land en saxo tenor, George Morrow en contrabajo y Richie Powell en piano. El disco comienza con Cherokee, un temazo con un arreglo formidable a cargo de Brown y Land. Brown y Richie Powell, hermano menor de Bud, suenan maravillosamente en Sandu, un lindísimo tema de Brown. La versión de Take the A Train, de Billy Straihorn, es en mi opinión lo mejor del disco y, según cuentan, la primera versión donde los músicos imitan los sonidos del tren.

Un excepcional regalo de Carlos!

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domingo 1 de marzo de 2009

Max Roach - Featuring the legendary Haasan + Drums Unlimited

Max Roach es un baterísta y compositor estadounidense de jazz nacido en 1925 y fallecido en Nueva York en 2007. Formó parte del histórico quinteto de Charlie Parker y Dizzy Gillespie.

Cuenta Wikipedia que se interesó por el jazz desde muy temprana edad, tomando la determinación de matricularse en el Manhattan Conservatory of Music, del que egresa en 1942 diplomado en percusión. A los dieciséis años sustituye a Sonny Greer en un concierto de la orquesta de Duke Ellington, proeza que repite bajo circunstancias similares en la orquesta de Count Basie.

A partir de 1942 trabaja en los clubes de la Calle 52, donde en esos momentos estaba surgiendo el bebop. Influido por Kenny Clarke, se convierte muy pronto en uno de los bateristas preferidos de Charlie Parker y Dizzy Gillespie, ambos líderes del movimiento bebop. En 1944, contratado por Gillespie, quien forma un quinteto, graba por primera vez con esta formación, ampliada por Coleman Hawkins. De regreso a Nueva York, interviene en grabaciones de Parker que pronto serán históricas.

En otoño de 1945 graba los famosísimos "Billie´s Bounce" y "Now´s The Time", con Parker y Gillespie, a quien acaba de unirse el joven Miles Davis. Justamente es con Davis, en enero de 1949, que interviene en las sesiones que marcarían el nacimiento del jazz cool. A partir de 1950 graba de nuevo junto a Parker y en 1952, junto a Thelonious Monk. Ese mismo año crea con Charles Mingus una pequeña compañía discográfica, la cual en mayo de 1953 edita la grabación del famosos concierto de Toronto que reúne a Parker, Gillespie, Bud Powell, Mingus y Roach.

En mayo de 1954, codirige con Clifford Brown, un quinteto de hard bop que se impone rápidamente como prototipo de este estílo. Por este grupo pasan músicos como: Harold Land, Sonny Rollins, Richie Powell, Teddy Edwards y luego tras la muerte de Clifford Brown en 1956, le reemplaza por Kenny Dorham. Continua colaborando con otros músicos como Mingus, Sonny Rollins, T. Monk. En julio de 1958 reemplaza a Dorham por el joven trompetista Booker Little.

Muy sensibilizado con la lucha de los negros, intensificadas a lo largo de ese mismo período, introduce en su arte una dimensión deliberadamente política y abre las puertas a la voz de Abbey Lincoln, quien, más tarde, se convertiría en su esposa. En octubre de 1961, la muerte de Booker Little, le priva, nuevamente, de un compañero excepcional.

En 1965 editó estos dos discos que conocí siguiendo a mi curiosidad, alimentada por el pedido de un anónimo vistante del blog. El primero de ellos, Featuring the legendary Haasan, es extraordinario. No sólo por el maravilloso trabajo de Roach, si no también por el sorprendente Haasan, un pianista del que poco se sabe y cuyo único registro grabado son los siete temas de este disco. Lamentablemente, esta edición omite uno de ellos, dedicado al pianista Elmo Hope.

El segundo álbum, Drums Unlimmited, es considerado unanimemente el más acabado ejemplo de la idea que Max Roach desarrolló como baterista. En 1965, cuando este disco fue grabado, Max Roach hacía muchos años que Roach era referente en cuanto al rol del baterísta en la música bop, pero todavía no había terminado de dar todo aquello que podía aportar.

El quinteto de Roach se completa con Freddie Hubbard en trompeta, James Spaulding en saxo alto, el pianista Ronnie Mathews, Roland Alexander en saxo soprano en St. Louis Blues y Jymie Merritt en contrabajo, que hace un maravilloso trabajo en Nommo, tema compuesto por él. La verad es que excepto Hubbard no conozco ninguno de los otros nombres, pero la banda suena fantástica.

Tres de los temas del disco, The Drum Also Waltzes, Drums Unlimited y For Big Sid son composiciones de Roach para batería sola. Yo no soy un gran amante de los solos de batería, pero no hablamos aquí de meras improvisaciones, si no de piezas en las que cada frase y acento ha sido planeado. En The Drum Also Waltzes, Roach toca en tiempo de vals, demostrando que se podía tocar jazz fuera del compás de 4/4. Roach toca la batería como un instrumento capaz de producir, no solo un acompañamiento rítmico, si no música.

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sábado 28 de febrero de 2009

Duke Ellington, Max Roach & Charles Mingus - Money Jungle

Con este disco maravilloso cerramos hoy nuestra pequeña sección de tríos de piano. A modo de presentación del disco, les dejo un fragmento del texto que Carlos Pérez Cruz escribió para Tomajazz.com.

"Al escuchar este Money Jungle uno duda - a no ser por el sonido de grabación - que el disco tenga como fecha 1962. El pasado aquí es presente, incluso mucho más avanzado en lenguaje que el presente de algunos nombres propios actuales. Lo que aquí escuchamos es un "pique" musical de altos vuelos. Tres grandes maestros alejados del conformismo de su propia fama.

Quizá llama especialmente la atención el piano de Ellington. Sobre todo porque es en Duke en quien se produce una transformación más visible. De un piano de habitual moderado pasamos aquí a un piano que charla de igual a igual con un lenguaje más propio quizá de la "jungla" Mingus. Una "Jungla del dinero" que se convierte aquí en una salvaje convivencia entre tres fuertes personalidades de la historia del jazz. Y digo salvaje porque en el discurso del disco se percibe una sana (¿?) provocación sonora entre los tres - en especial entre Mingus y Ellington - . Dicha convivencia parece ser - se oye, se dice, se comenta - fue tensa. Quizá fuera por uno de los habituales cabreos de Mingus pero el hecho es que según parece quien peor lo llevó fue Max Roach de quien se dice incluso fue sustituido en algunos de los temas por Dannie Richmond (vaya usted a saber).

Motivos aparte la verdad es que "Money Jungle" es un conglomerado de grandes sorpresas. Música con inusitada fuerza e intensidad que llega por momentos a flirtear con detalles del "free-jazz" - un ejemplo en el tema "Money Jungle" - o incluso con impresionismos sonoros - Fleurette Africaine -. Incluso los sonidos más "clásicos" del piano de Ellington se ven sorprendidos por un contrabajo en ocasiones percusivo de un siempre rompedor Mingus.

Las sucesivas reediciones de este trabajo han llevado a que de los seis (¿siete?) temas originalmente publicados se haya pasado a un cd con 13 cortes - incluidos las habituales tomas alternativas. "

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viernes 27 de febrero de 2009

Tommy Flanagan, Ron Carter & Tony Williams - The Trio

Cuando en 1983 grabaron este disco junto a Tommy Flanagan, Tony Williams y Ron Carter eran ya viejos compañeros de ruta. Habían tocado juntos en el segundo quinteto de Miles Davis y luego compartieron varios proyectos: desde V.S.O.P. y la grabación de los más importantes discos de Herbie Hancock; hasta las distintas formaciones del Ron Carter Trio, que incluyeron a Herbie Hancock y a Hank Jones. Junto a este último tambien formaron el Great Jazz Trio y el Sadao Watanabe Quartet, junto al saxofonista japonés.

Pero volvamos a esta grabación. El 16 y 17 de Junio de 1983 estos tres grandes del jazz se juntaron para grabar por única vez. La sesión dió como resultado 14 temas, que incluían 11 standards y 3 originales. Entre los standards podemos encontrar Misterioso, de Thelonius Monk; Milestones, de Davis; Giant Steps de Coltrane, ese estigma que Flanagan cargó; Blues in the Closet de Pettiford, Moose the Mooche de Charlie Parker. Los temas originales son New Song #3 de Carter, Minor Mishap de Flanagan y el tema de Wiliams, Sister Cheryl.

Williams hace un trabajo estupendo y creativo en todo el disco, pero se destaca en St. Thomas, de Sonny Rollins. En este tema, que grabó en varias oportunidades, también Carter tiene un solo maravilloso. Sin desmerecer el trabajo de sus compañeros, el contrabajista es quien marca la diferencia; su sonido y su particular fraseo hacen que el trío salga a flote incluso en aquellos momentos en que parece que va a naufragar en el lugar común. Flanagan se luce con su interpretación de Angel Eyes, en It Don’t Mean a Thing, de Ellington y en el dulcísimo tema de Williams, Sister Cheryl. Este último es para mí el más bello del disco, no sólo por su melodía, si no por la gracia y la pasión con que los tres músicos lo ejecutan.

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jueves 26 de febrero de 2009

Hank Jones, Christian McBride & Jimmy Cobb - West of 5th

A Hank Jones ya lo hemos presentado. Nacido en 1918 en Vicksburg, Mississippi, Henry "Hank" Jones es el hermano mayor del trompetista Thad Jones y nuestro querido baterista Elvin Jones.

Comenzó a tocar en los clubes de Michigan y Ohio a los 13 años. A los 26 años se trasladó a Nueva York donde pudo ver a los los músicos bop que lo influyeron. Hank Jones fue pianista de Ella Fitzgerald entre 1948 y 1953 y tocó, además con Charlie Parker, John Kirby, Coleman Hawkins, Andy Kirk, Billy Eckstine, Artie Shaw, Benny Goodman, Lester Young, Cannonball Adderley, Johnny Hartman, Wes Montgomery, John Coltrane y Milt Jackson.

Entre 1959 y 1975 Jones fue el pianista permanente de los estudios CBS. Durante la segunda mitad de los 70`s Jones grabó de manera prolífica como solista, sin banda, en dúos con otros pianistas (como en el magnífico Our delights junto a Tommy Flanagan)y con varios pequeños ensambles, el más importante de los cuales fue el Great Jazz Trio. Este grupo estaba originalmente integrado por Ron Carter y Tony Williams, luego, en los 80`s por Eddie Gomez y Al Foster, y en 1982 Jimmy Cobb remplazó a Foster.

Jones pasó varios años alejado de los estudios hasta que en la última decada volvió a grabar. Algunas de sus grabaciones más recientes son For My Father (2005) con George Mraz al contrabajo y el baterísta Dennis Mackrel, una grabación de solo piano publicada en Japón como Round Midnight (2006), como acompañante de Joe Lovano en su disco Joyous Encounter (2005). West of 5th (2006) con Jimmy Cobb y Christian McBride es hasta el momento su más reciente gabación.

El baterista Jimmy Cobb nació en 1929 en Washington D.C. y ha trabajado con una enorme cantidad de artistas como Dinah Washington, Cannonball Adderley, Dizzy Gillespie, John Coltrane, Sarah Vaughan, Billie Holiday, Stan Getz, Wes Montgomery, Gil Evans, Paul Chambers, Ron Carter, Philly Joe Jones, Joe Henderson y Bill Evans entre otros. Pero probablemete su trabajo más famoso sea su participación en la banda que grabó Kind of Blue junto a Miles Davis. Cobb también participó también de las grabaciones de Sketches of Spain, Someday My Prince Will Come, Live at Carnegie Hall, Live at the Blackhawk, Porgy and Bess y Sorcerer.

Christian McBride nació 1972 en Philadelphia. McBride ha grabado y tocado con una enorme cantidad de leyendas del jazz incluyendo a Freddie Hubbard, Joe Henderson, McCoy Tyner, Herbie Hancock, Pat Metheny, Diana Krall, Roy Haynes, Chick Corea, Wynton Marsalis, Joshua Redman, como así también junto a grupos y musicos de pop, soul, y clasica como Kathleen Battle, Carly Simon, Sting y James Brown. Considerado uno de los mejores de su generación, desde 2000 McBride lidera su propio grupo, una banda acústioca de jazz fusión y funk: The Christian McBride Band.

Cuando este disco fue grabado Hank Jones tenía 87 años y Jimmy Cobb 76. McBride, apenas 31. Lo primero que es llamativo es como standars tocados y escuchados cientos de veces, como On Green Dolphin Street, tienen aquí una frescura que entusiasma. También vale la pena prestarle atención a balada de Thad Jones A Child Is Born, a Confirmation de Charlie Parker y a Lotus Blossom, una encantadora canción donde McBride se luce (como si no lo hiciera en el resto del disco!) con el arco.

Decía entonces, que no deja de llamarme la atención la frescura con que estos tipos tocan viejos clásicos de y logran que sigan siendo interesantes. Lo otro que me tiene fascinado es como toca la batería Cobb... a los 76!!!

Bajalo y maravillate vos también.

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martes 24 de febrero de 2009

McCoy Tyner - Illuminations

Dice el sitio All Abou Jazz que el estilo de McCoy Tyner, ha trascendido los estilos convencionales para trasnformarse en uno de los más identificables sonidos del jazz. Sus contribuciones armónicas y dramáticos dispositivos rítmicos forman parte del vocabulario de la mayoría de los pianistas del género.

Nacido en Philadelphia en 1938, sus padres le inculcaron el amor por la música desde pequeño. Así fue que a comienzos de los '50s ya formaba parte de la fertil escena de jazz de su ciudad. A los 17 conoció a John Coltrane y unos años después se uniría a su banda para grabar uno de los más grandes clásicos del jazz: My Favorite Things (1960). McCoy siguió tocando junto al saxofonista y se convirtió en el núcleo del que fuera quizás el grupo más importante e influyente de la historia del jazz: The John Coltrane Quartet. La banda, que incluía al baterísta Elvin Jones y al bajista Jimmy Garrison, tenía una extraordinaria química, basada en parte en la estrecha relación que mantenían Coltrane y McCoy Tyner.

En 1965, después de cinco años en con Coltrane, Tyner deja el grupo para iniciar su camino como líder y compositor. En 1967 lanzó The Real McCoy, el album que le valdría el reconocimiento del público y la crítica y que es considerado por muchos su mejor disco. Tyner, sin embargo, ha continuado expandiendo su visión del horizonte musical e incorporado nuevos elementos, climas de distantes continentes y diversas influencias musicales. ha trabajado con diversas formaciones que incluyen desde big bands hasta su reciente trabajo Guitars, donde toca con guitarristas de los más diversos estilos.

En 2003, a los 65 años, McCoy Tyner grabó Illuminations. Mc Coy lidera aquí un quinteto formado por el trompetista Terence Blanchard, el saxofonista Gary Bartz, el bajista Christian McBride y el baterista Lewis Nash. El repertorio incluye cuatro temas de Tyner, tres de autoría de sus compañeros y tres standars. Entre ellos se destacan el tema de aire latino Blessings, un tema de Blanchard y el tema de McBride West Philly Tone Poem, evocativo y sereno dueto de piano y contrabajo.

Tyner, que a estas alturas no tenía nada que probar, es generoso al extremo con sus compañeros, dandoles a todos el espacio que necesitan para lucirse con sus solos.
Bartz, que ha sido un frecuente colaborador de Tyner desde finales de los '60s, y toca en el mismo estilo alegre y desenfadado que el líder, cambia del saxo alto al soprano en una conmovedora versión de If I Should Lose You. Y Blanchard, hace lo suyo en Alone Together, tocando con sentimiento sobre el contrabajo de McBride, agregandole tensión dramática recurriendo a su toque característico con un vibrato controlado. Quizás en este disco Tyner se mantiene en el fondo más de lo habitual, pero también él tiene su momento con The Chase, un rápido y furioso retozo o revolcón con McBride y Nash.

Christian McBride sorprende con su tecnica con el arco y luego el pizzicato en West Philly Tone Poem; y Lewis Nash le da a la banda un respaldo rítmico seguro, convirtiendose en un componente decisivo de la feliz convivencia que es la marca de esta sesión relajada y llena de gratos momentos.

Carlos, gracias otra vez!

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domingo 22 de febrero de 2009

Reparaciones en Bienvenidos a la Monga!

Queridos amigos: Debido a los diversos problemas que presentaban, hemos arreglado algunos post. Así que, si estaban intentando con alguno de los de la lista de abajo y no podían o lo encontraron incompleto... ahora no deberían tener inconvenientes.

1 - Colaboraciones y rarezas Vol 1 & 2, de Marisa Monte

2 - Cantando Sueños, de Lagrima Ríos.

3 - Aguas claras, de Markama

4 - Samba do aviao, de Hamilton de Holanda con Richard Galliano

5 - Selección de Canciones de Carlos di Fulvio.

6 - Meu tempo é hoje, de Paulinho da Viola. Ahora en su versión completa, y sin canciones faltantes.

7 - Folklore, de Enrique Villegas, también está ahora completo, gracias a la generosidad de Marín, artífice de Voces de la Patria Grande.

También he verificado que funcionan perfectamente los links de The Afro Eurasian Eclipse, de Duke Ellington y Brasileirinho, de Maria Bethania, a los que algunos amigos que tuvieron dificultades para acceder.

Además les recordamos la lista de entradas que habían tenido problemas y ya han sido reparadas:

9 - Nome, de Arnaldo Antunes

10 - A Love Supreme, de Turtle Island String Quartet

11 - Dialecto, de Eduardo Lagos

12 - El Diablo Suelto, de Rolando Goldman

Creo que con esto ya debería estar funcionando todo. Cualquier cosa me avisan!

Saludos

Diego O'rei

miércoles 18 de febrero de 2009

Paulinho da Viola - Meu tempo é hoje


Joe Sixpack, autor de Slipcue, dice que Paulinho da Viola es un cantante de dulces canciones de samba. Dice también, que es conocido por ser un purista del estilo, trabajando siempre estrictamente sobre el tradicional estilo acústico. Paulinho pertenece, por edad, a la misma generación de los tropicalistas, sin ambargo ha tomado un camino musical muy distinto, ahondando en el estilo más antiguo del samba canción y el samba do morro.

Meu tempo é hoje es un disco absolutamente delicioso. Un relajado e informal set de canciones que permite a Da Viola lucirse en una variedad de estilos, y sirve también como banda de sonido de una película, un documental acerca de su vida y su obra. Meu tempo é hoje es un disco a veces majestuoso, con ciertas canciones tremenadamente elegantes, y otras refrecantemente ligero, como cuando junto a Velha Guarda Da Portela, deja ver un costado rústico, sin pulir.

Además de la Velha Guarda, la lista de invitados incluye a Zeca Pagodinho, Elton Medeiros y Marisa Monte, que canta una maravillosa versión de Carinhoso, la famosa canción de Pixinguinha. Este tema, uno de los más lindos del disco, ya había sido publicado por Bienvenidos a la Monga! en la primera recopilación de Rarezas y Colaboraciones de Marisa Monte.
Pero la versión de Carinhoso no le hace sombra a otras canciones del disco: Meu mundo é hoje, 14 anos, Um sarau para Raphael, Chora cavaquinho o Argumento, son también lindísmas canciones que hacen de este uno de mis discos favoritos de samba.

Fantaseo, algunas veces, con un diálogo imaginario donde me veo obligado a explicar por qué amo la música, por qué me apasiona tanto. La calidez, la ternura, la elegancia de la que habñla Sixpack, la mezcla de nostalgia y alegría, la saudade que trasmite Meu tempo é hoje, me permitirían no tener que explicarlo con palabras.

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sábado 14 de febrero de 2009

Marisa Monte - Rarezas y Colaboraciones Vol. 3

Marisa Monte nació el 1 de julio de 1967 en Río de Janeiro y desde mediados de los 90 se ha convertido en una de las cantantes brasileñas más populares.

Su padre era el director musical de Portela, una de las más importantes escolas do samba de Río de Janeiro. Así, rodeada de música, creció Marisa, que desde pequeña estudió piano, batería y más tarde guitarra. En su adolescencia grabó algunos demos y fue corista de la banda pop Laranja da terra.

Comenzó a estudiar canto lírico y al cumplir la mayoría de edad viajó a Italia a perfeccionarse. Allí la descubrió, cantando música brasilera en un pub, Nelson Mota, que estaba preparando un show llamado Tudo veludo. El show se estrenó en 1987 en el canal JazzMania, en Río, y el éxito fue tal que Marisa, comenzó a ser considerada una de las voces más prometedoras de la música popular brasileña.

Desde 1988, fecha en que apareció MM, su primer disco, Marisa Monte ha grabado ocho discos en estudio, ha editado DVDs con conciertos y material extra y participado como invitada en en decenas de grabaciones de otros artistas. Bienvenidos a la Monga! ya ha recopilado y publicado dos archivos con parte del material no disponible en los discos de la cantante.

Hoy les presentamos aquí, un tercer volumen de Rarezas y Colaboraciones de Marisa Monte, que viene a completar los ya publicados. Que lo disfruten!

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jueves 12 de febrero de 2009

Maria Bethânia - Brasileirinho

Maria Bethânia es una de las más reconocidas intérpretes de la música popular brasileña. Hermana de Caetano Veloso, integró junto a él, a Gilberto Gil y Gal Costa, el movimiento tropicalista y el grupo Doces Barbaros.

Brasileirinho es el primer disco que Bethânia editó a través de su sello Quitanda. Acompañada por un trio formado por el guitarrista Jaime Alem, el bajista Jorge Helder y el percusionista Marcelo Costa, María Bethania cuenta a través de las canciones, un poco de la historia de Brasil.

El disco comienza con Salve as Folhas, con la participación del gupo mineiro Uakti, y de Ferreira Gullar, quien recita el poema O Descobrimento, de Mário Andrade. A continuación Bethânia interpreta el bellísimo samba Yayá Massemba, donde habla de la esclavitud y los navíos negreros.

A lo largo de toda su carrera, María Bethânia ha integrado en sus discos y presentaciones, la música, el teatro y la poesía, utilizando textos de poetas brasileros y portugueses. En Brasileirinho, la palabra hablada tiene también su lugar y, además de dos poemas de Andrade, podemos encontrar otros dos de Guimarães Rosa y uno de Vinícius de Moraes.

Siguen Capitao do Mato y Ponto de Janaína, con la participación de Miúcha. Luego, la intensa y colorida religiosidad de Brasil, el sincretismo religioso, las creencias populares se expresan a través de Santo Antonio; Padroeiro do Brasil, y São João Xangô Menino, que incluye una cita al São João do Carneirinho, de Luiz Gonzaga.

El nordeste está representado con Cigarro de Palha y Boiadeiro, y los indios de Brasil a través de Senhor da Floresta, una vieja canción que cuenta una antigua leyenda india. Entre medio de estas canciones, encontramos Sussuarana, donde participa Nana Caymmi. El viaje musical por Brasil finaliza con Melodia Sentimental, de Heitor Villa Lobos, y el poema Pátria Minha, de Vinícius de Moraes.

La potencia y el particular color de voz de Maria Bethânia, la excelente elección del repertorio, los arreglos y los invitados, hacen de Brasileirinho un disco exquisito, que es considerado por muchos, el mejor disco de su carrera.

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martes 3 de febrero de 2009

Eveline Hecker - Ponte Aérea

Poco es lo que sé de Eveline Hecker, fuera de lo que decía el artículo que alguien había traducido para el blog de Carlos: que nació en Rio de Janeiro en 1957; que fue maestra de canto y miembro del grupo vocal Arranco, con quienes grabó Quem É de Sambar y Samba de Cartola. Además, sé que trabajó junto a Francis Hime, Tom Jobim y Beth Carvalho, y participó como invitada en los discos de Caetano Veloso, Gilberto Gil, Toninho Horta y varios otros. Pero lo que puedo decir es que su disco me gusta.

Ponte Aérea es un disco formado por canciones de José Miguel Wisnik. En él, Wisnick toca el piano y Hecker canta, pero también participan el productor y bajista Zeca Assumpção, Maurício Carrillho en guitarra acústica, Ricardo Silveira, Luiz Brasil, Luciana Rabello, Pedro Amorim en mandolina, Marcos Suzano y Celsinho Silva en percusión, y Jaques Morelenbaum en cello.

La música de Wisnick, que se caracteriza por su lirismo, se torna etérea interpretada por Hecker. El clima melancólico que predomina sólo es interrumpido por el lindísimo samba Comida e Bebida. Los conocedores de la obra de Wisnick se encontrarán con bellas versiones de sus clásicos Mais simples o Asum Branco, canción inspirada en los clásicos Asa Branca y Assum Preto.

Ponte Aérea es un disco para disfrutar en calma, un álbum bello y apacible. En palabras del productor Zeca Assumpção, es un álbum para "tocar tu alma".

Gracias Carlos!

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domingo 1 de febrero de 2009

Varios - Hot Women

El dibujante de comic Robert Crumb es también un gran coleccionista de viejos discos de 78 rpm. Gilbert Shelton, autor de los Freak Brtohers, cuenta que en una feria en Francia, donde Crumb encontró unas cajas de discos viejos, se gastó todo su dinero y le pidió prestado hasta que ambos quedaron sin nada para comprar esos discos. "Conoces a todos esos?" "Sí, a la mayoría" dijo Crumb. Eran todos nombres franceses y yo nunca había oídos hablar de ninguno de ellos.

"En los años 20 y 30, antes de la cultura de masas y los instrumentos eléctricos, - explicó Crumb - florecieron en Estados Unidos y Europa gran número de compañías discográficas que producían toda clase de música en discos de 78 rpm. Había música bailable, blues, jug bands (grupos que tocan instrumentos no convencionales como jarras, botellas, etc.), country, folk y jazz. Existía una relación mayor entre músico y oyente en aquellos días, cuando uno aún se sabía las letras de las canciones. Hacia los años 40, los músicos profesionales se habían desembarazado de todos los marginales, así como de gran parte de la imaginación y el ingenio"

Pero además de coleccionar discos, Crumb comenzó a volcar su amor por la música tocando el banjo en conjuntos como los Cheap Suits Serenaders o Les Primitifs du Futur y difundiendo su colección en compilados como el que hoy presentamos aquí.

Como su nombre lo indica, Hot Women, Women singers from the torrids regions of the World, es una recopilación de viejas grabaciones de mujeres cantantes tomadas de discos 78 rpm. Las fechas de las grabaciones van desde los '20 hasta los '50 y vienen de distintas regiones cálidas de planeta: Sud América, México, África, el Mediterráneo y el sur de Asia.

Hay, en Hot Women, grabaciones comerciales, de artistas que alcanzaron algún renombre en su época, y grabaciones documentales, estudios etnográficos realizados por universidades o sellos europeos. El archivo incluye un escaneo del booklet, donde el mismísimo Crumb aporta la información que consiguió acerca de cada grabación y sus interpretes.

Claro, cuando leas esto quizás pienses que se trata de un disco para amantes de las rarezas o para especialistas en el tema o para snobs fanáticos de Crumb, pero a mí me parece que no. Es verdad que probablemente no sea un disco del que te enamores en la primera oída, pero la música que hay en él es lindísima y, más allá de su carácter histórico, tiene valor por si misma.

Desentumecé tus oídos. Animate a escuchar algo distinto!

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viernes 30 de enero de 2009

Trío Esquina - Les Tangos de Corto

Para hablar del origen de este disco es necesario hablar de dos personas que no tocaron ningún instrumento en la grabación. O mejor dicho, de dos personas y un personaje.

La primera de esas personas es Hugo Pratt, el creador de Corto Maltés. Pratt nació Rímini, Italia, pero siendo muy chico su familia se trasladó a Etiopía, siguiendo a su padre, un soldado de origen inglés. Obligado por este, Hugo entró en la policía colonial cuando tenía 14 años. En 1941 su padre muere en un enfrentamiento entre entre tropas italianas y británicas y Pratt es confinado en un campo de prisioneros. Allí, comenzó a conversar con los guardias y conocer sus historias, que posteriormente le servirían como materia prima para sus historietas.

Después de la guerra, Pratt se inscribió en la escuela militar. En 1949 se trasladó a Argentina, donde trabajó como editor en la revista de aventuras Misterix. Allí conoció a artistas argentinos como Francisco Solano López y a quien fuera su gran influencia, Héctor Germán Oesterheld, con quien colaboraría dibujando para él Sargento Kirk, Ticonderoga y Ernie Pike. También dictó clases de dibujo junto a Alberto Breccia en la Escuela Panamericana de Arte.

En 1959 volvió a Europa, radicándose primero en Inglaterra y luego en Italia. En 1967 creó a Corto Maltés, personaje con el que alcanzaría renombre. Falleció en Suiza en 1995.

Corto Maltés, el inolvidable personaje de Pratt, nació en 1887 en Malta. En 1900, con 13 años, estuvo en Manchuria, en medio de la rebelión de los boxers. Corto continuó sus viajes, siempre mezclandose en los grandes hechos de la historia, como la guerra ruso japonesa, donde conoce a un joven escritor llamado Jack London y a otro personaje con el que se encontrará en numerosas ocasiones: un desertor ruso llamado Rasputín. Este es una especie de el alter ego de Corto: homicida, egoísta, neurótico y ambicioso. Ambos deciden ir a buscar las minas del rey Salomón, pero la tripulación de su barco se amotina y les abandona en el mar, donde son recogidos por un carguero que se dirige a Argentina.

En este país Corto conoce a los bandidos Butch Cassidy y Sundance Kid. Después de innumerables aventuras, Corto vuelve a Argentina en junio de 1923 para buscar a su amiga Louise Brookszowyc, que ha caído en manos de la Warsavia o Varsovia, una sociedad que se dedica a la explotación de prostitutas provenientes de Europa Central. Corto acude a Buenos Aires desconocedor de en qué anda metida su amiga en respuesta a una misiva urgente de Louise. La historia sucede en una Buenos Aires nocturna y prostibularia, con el tango como uno de sus protagonistas.

El trío Esquina nació en 1991, cuando Pino Enríquez se instaló en París. Por entonces, Stroscio y el bajista Carlos Carlsen, ambos provenientes del Cuarteto Cedrón, buscaban un guitarrista. Los tres comenzaron a actuar en París y en Barcelona, con la cantante Susana Rizzi y un repertorio que mezclaba a Eduardo Rovira con poemas de Machado o de Alberto Szpunberg, musicalizados por Stroscio. La formación actual del trío, ya sin voz, se consolidaría en 1995 con el ingreso del contrabajista Hubert Tissier.

En 1985 había aparecido Tango, de Pratt, la aventura de Corto ambientada en prostíbulos argentinos. En 1991, Marco Castellani, representante del trío Esquina en Italia es un gran admirador de Pratt tuvo la idea de crear "Los Tangos de Corto Maltés". Castellani le escribió a Prat contándole su idea y le envió el primer disco del trío, que por entonces incluía a la cantante Susana Rizzi. Seis meses después Pratt escribió contestando que aceptaba la idea aceptaba encantado la idea y acordando una cita para conversar del proyecto.

La primera idea fue la de publicar una nueva historia de Corto, donde el argumento se relacionaría con los tangos que Stroscio y Claudio "Pino" Enríquez compondrían para un disco dedicado a Corto Maltés. El proyecto, sin embargo, no contó con el apoyo de los editores de Pratt, que moriría en 1995. Unos años después, Patricia Zanetti, la última esposa de Pratt, sugirió una nueva idea: el disco de el Trío Esquina se editaría junto a una reedición coloreada Tango.

Cuenta Julio Nudler en su artículo publicado en Todo Tango, que "la concreción del viejo proyecto fue tan precipitada que César y Pino sólo alcanzaron a crear dos temas alusivos a la serie: "Corto y Louise"y "La Senegalesa", que abren el CD adjunto al libro. En las restantes nueve bandas hay otras vinculadas de algún modo con esta aventura.

Ojos negros (de Vicente Greco) figura porque, en otra andanza de Corto, cuando éste se marcha de Brasil, una mujer le dice que nunca olvidará sus negros ojos. En otra, estando Corto en Siberia, le pregunta asombrado a su interlocutor: «¿Cómo, no conocés a Arolas? ¡Sos un estúpido!». Por eso están en el disco "La cachila" y "Maipo", dos de los tangos más notables de El Tigre del Bandoneón. "Siempre París" (de Virgilio Expósito) recuerda el amor de Pratt por esa ciudad. "Decarísimo" de Piazzolla) está porque Pratt admiró y apoyó a Astor desde el primer momento, y también por los hermanos De Caro (Julio y Francisco), que revolucionaron el tango para la misma época en que Corto iba en busca de la muchacha esclavizada por los rufianes de la Varsovia, luego Zwi Migdal. El fanatismo de Pratt por Aníbal Troilo, a quien conoció en un baño turco, justifica la inclusión de varios temas (entre ellos, "Mi refugio" y el vals "Un placer"), interpretados con los mismos arreglos con que los tocaban Pichuco y Roberto Grela".

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lunes 26 de enero de 2009

Juan Cedrón Trío - Gotán

Cuando se habla del Tata Cedrón, Gotán es mucho más que el nombre de un disco . Gotán fue también el mítico café concert de tango, que junto a sus compañeros de Trío y a José Luis Mangieri, abrió en 1965. El nombre fue tomado de uno de los primeros libros de Juan Gelman, amigo de Cedrón. Por Gotán pasaron, en los dos años que estuvo abierto, Eduardo Rovira, Piazzolla, Taratino, Arias y la Porteña Jazz Band, se presentaron obras teatrales de Tito Cossa, de Paco Urondo, donde trabajaban Luppi y Brandoni, Norma Aleandro y Adriana Aizemberg.

Un año antes, en 1964, Juan "Tata" Cedrón había formado su trío, que luego se convertiría en cuarteto. Junto al bandoneonista César Stroscio y al violinista Miguel Praino, Cedrón inició un camino personal dentro del tango. Musicalizando poemas de Tuñón, de Urondo o de Gelman, Cedrón creó un tango nuevo pero ligado a la canción, equidistante entre la vanguardia y la tradición, lo que le valió ser ignorado por los seguidores de ambas tendencias.

"Hace tiempo nos planteamos con Juan (Gelman) esta cuestión de hacer canciones, y de entrada descartamos la posibilidad de escribir cosas como Manzi o como Castillo. Lo que conseguimos parecía al principio bastante extraño, pero ahora, con toda esta moda de Serrat, la gente se ha acostumbrado a temas que no repiten estrofas sino que cuentan una historia", dice en un reportaje de 1971, reproducido en Mágicas ruinas.

Gotán es también el nombre de un disco particular dentro de la discografía de Cedrón. Particular no sólo por su repertorio, formado en su mayoría por tango clásicos, si no también porque dentro de una carrera bastante independiente, Gotán fue grabado para el sello Columbia. "No quiero saber más nada con las compañías grandes", dice Cedrón en el reportaje ya mencionado. Los discos anteriores (Madrugada, Cuerpo que me querés y Tute Cabrero) habían sido producidos por el mismo Cedrón.

Cedrón interpreta aquí Ché, bandoneón, La última curda, Milonga triste, Malena, Amurado y A Homero y en seguida queda claro que, incluso cuando canta tangos que no son de su autoría, le gusta contar historias. Con su manera de cantar, de "decir", el "Tata" es capaz de trasmitir toda la poesía que hay en esas letras. Y aunque hayas escuchado cientos de veces esos tangos logra que sientas que, por primera vez, estás escuchando lo que realmente dicen.

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sábado 24 de enero de 2009

Luis Cardei - De madrugada

Carlos, que anda por ahí refunfuñando acerca de no se que chisme con el que le fue Vicious, el gato punk, me envió hace unos días este disco. La verdad es que no sólo nunca había escuchado a Luis Cardei, si no que no tenía la más pálida idea de quien era. Escuché el disco y me encantó, de manera que me puse a investigar.

Los artículos acerca de Luis Cardei coinciden en su talento y en el encanto de su estilo intimista, de fraseo delicado y emotivo. Coinciden también en destacar la elección de su repertorio, formado por tangos de los años 40, muchos de ellos ya olvidados y rescatados por el cantante. Cuentan que cuando el público le pedía Cambalache, Naranjo en flor, Los mareados o alguno de los clásicos, respondía, siempre con una sonrisa: «No los sé». Y dirigiendose a su